Mapa estrutural Surrealismo Contexto histrico Definio metodologia propostas

Mapa estrutural Surrealismo - Contexto histórico - Definição, metodologia, propostas e filosofia - Categorias: - Artes Plásticas (principais obras e artistas)

Contexto histórico Fim da Primeira Guerra Mundial; a Europa vive um período de instabilidade política, social e ideológica. Revolução Russa, levou a classe operária pela primeira vez ao poder, fazendo com que o mundo capitalista se sentisse ameaçado. Os valores tradicionais passaram a ser mais intensamente questionados, o que, no meio artístico, levou à busca de novas formas de analisar e representar a realidade. Manifestações artísticas surgem como novas alternativas dentro de um mundo angustiado com a guerra, que foi de muitas batalhas e mortes.

w Num ambiente totalmente fragilizado, aparece o Surrealismo. Desestabilizador e desestruturado de toda a ideia de cultura existente até então, propõe a junção de imagens bizarras com o intuito de escandalizar e chocar a sociedade; a deformação intencional da realidade.

O que é Surrealismo? Definição: · O termo “surrealismo” foi tomado da obra de Apollinaire, e significava uma “arte que ultrapassava as aparências, desobrigada da fidelidade para com o real” ou simplesmente um termo que representasse o “ além do real”. Guillaume Apollinaire

O surrealismo foi um movimento artístico fundado na França, pelo poeta André Breton, na década de 1920. O marco de início do surrealismo foi a publicação do Manifesto Surrealista, feito pelo poeta e psiquiatra francês André Breton, em 1924. Propunha o automatismo puramente físico, através do qual se pretendia expressar, verbalmente, por escrito, ou de outra forma, a verdadeira função do pensamento.

Manifesto Surrealista O autor acreditava que ainda se vivia no império da lógica em que o racionalismo absoluto era moda não permitindo mais do que relações estreitas à nossa experiência. . . um mundo despido de superstição e de quimera. Mas essa quimera, esse sonho existe estranhamente por isso também há todo o interesse em captá-las e submete-las ao controlo da nossa razão. Esse sonho foi alvo da crítica de Freud, mas antes dele inadmissivelmente nuca o sonho tinha recebido a atenção devida e merecida. O sonho é contínuo e possui traços de organização. Há uma necessidade de nos vermos no sonho para nos entregarmos aos sonhadores. Devemos conceder ao sonho o que recusamos por vezes à realidade. Envelhecemos, talvez, porque somos indiferentes dedicados ao sonho; o espírito do sonhador é de satisfação com tudo o que lhe acontece. Devemos acreditar no sonho e na realidade, tão contraditórios aparentemente, como uma espécie de realidade dogmática, de surrealidade.

Manifesto Surrealista Breton tinha a sensação que a velocidade do pensamento não era superior à da palavra e que ele não desafiava forçosamente a língua nem a caneta que corria ( automatismo psíquico). Pelo contrário o resultado é muita emoção, uma escolha de imagens que nunca teria sido capaz de preparar, um pitoresco muito especial, um absurdo imediato relativo ao legítimo do mundo. Em homenagem a Guillaume Apollinaire, foi inventada a palavra surrealismo para designar o modo de expressão pura para beneficiar os amigos. O surrealismo é definido como “ estado puro, mediante o qual se propunha transmitir verbalmente, por escrito, ou por qualquer outro meio o funcionamento do pensamento; ditado do pensamento, suspenso qualquer controlo exercido pela razão, alheio a qualquer preocupação estética ou moral”. O surrealismo repousa sobre a crença na realidade superior da omnipotência do sonho, no desempenho desinteressado do pensamento. Mas quais os segredos da arte mágica do surrealismo? Utensílios para escrever, lugar mais favorável ao espírito, estado passivo e receptivo de talentos, pensar na literatura como um caminho triste que leva a tudo, escrever muito depressa sem assunto preconcebido ( tão depressa para não reprimir nem ter a tentação de se ler o que se acabou de escrever), confiar na fonte inesgotável do murmúrio. A linguagem foi dada ao homem para este fazer dela um uso surrealista. Muitas vezes podemos utilizar palavras de que já nos esquecemos o sentido, e quando olhamos para elas estão exatamente no sentido pretendido. O surrealismo não permite a todos os que a ele se entregaram , que o abandonem, tem o efeito de estupefacientes, um estado de necessidade e de vício que pode levar o homem a revoltas horrorosas. Como o haxixe, o surrealismo serve para satisfazer todos os delicados, não sendo apanágio só de alguns. As imagens do surrealismo são como as imagens do Ópio porque não as conseguimos mandar embora, há uma ausência de faculdades e de vontade.

Manifesto Surrealista A atmosfera surrealista presta-se essencialmente à produção das mais belas imagens na mais bela das noites, “ a noite dos fulgores” ( “sobre a ponte o orvalho com cara de gata sem embalava”). O espírito que mergulha no surrealismo revive exaltado a melhor parte da nossa infância, a etapa que mais se aproxima da vida verdadeira. O surrealismo declara bastante o nosso não conformismo absoluto. É o raio invisível que um dia nos fará vencer os nossos adversários. “VIVER E DEIXAR DE VIVER SÃO SOLUÇÕES IMAGINÁRIAS. A EXISTÊNCIA ESTÁ NOUTRO LUGAR” Depois de uma leitura atenta e interessada surge a tentação de me entranhar pelo mundo do surrealismo, faze-lo continuar em vez de o matar como movimento dos anos 20. O automatismo psíquico e toda a quimera que faz de nós homens crianças, capazes de sonhar mundos melhores e viver neles com a intensidade de quem se eleva, não permite que sepultemos o que não pode ser sepultado. . . será racional? Então me manifesto nos anos 20, como em paisagens vividas outrora no momento em que

A Interpretação vista por Sigmund. Freud : De acordo com Freud, o homem deve libertar sua mente da lógica imposta pelos padrões comportamentais e morais estabelecidos pela sociedade e dar vazão aos sonhos e as informações do inconsciente. O pai da psicanálise, não segue os valores sociais da burguesia como, por exemplo, o status, a família e a pátria.

Para ele, a arte deveria partir do irracional, pois a criatividade verdadeiramente livre provém das profundezas pouco conhecidas da psique, chamadas por Freud de inconsciente. Além da vida (e da cultura) organizada, consciente, que caracteriza determinada civilização, Freud estudou uma outra vida, mais livre e mais verdadeira, que também faz parte da civilização e não pode ser esquecida: a vida inconsciente, dos sonhos. As imagens e sensações do sonho (no próprio sonho) não se apresentam menos reais ou importantes do que as imagens e sensações do passado.

As ideias do Surrealismo foram fortemente influenciadas pelas teorias da psicanálise de Sigmund Freud, pois o Surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa. O Surrealismo pode ser considerado metafísico, pois ele vai além da consciência cotidiana e passa para os sonhos e o inconsciente. Freud foi o maior estudioso na área do inconsciente humano e interpretações de sonhos.

METODOLOGIA • ARTES PLASTICAS: colagem, frottage, decalcomania. • LITERATURA: escrita automática. GERAL: associação livre, automatismo, abordagem intelectual coletiva, colocação de objetos familiares em novos contextos.

“Foi através da pintura que as ideias do surrealismo foram melhor expressadas. Através da tela e das tintas, os artistas plásticos colocam suas emoções, seu inconsciente e representavam o mundo concreto”. “A porta para a liberdade” (René Magritte)

O movimento artístico dividiu-se em duas correntes: • A primeira, representada principalmente por Salvador Dalí, trabalha com a distorção e justaposição de imagens conhecidas. Sua obra mais conhecida neste estilo é A Persistência da Memória. • Os artistas da segunda corrente libertam a mente e dão vazão ao inconsciente, sem nenhum controle da razão. Joan Miró e Max Ernst representam muito bem esta corrente. As telas saem com formas curvas, linhas fluidas e com muitas cores.

Salvador Dalí foi um pintor surrealista, cujas obras de artes são originais, bizarras e extremamente criativas, suas pinturas tiveram forte conotação metafisica e sexuais. É considerado um dos mais criativos gênios do movimento surrealista. Excêntrico, ostentava como marca pessoal um esquisito bigode. Tinha uma personalidade muito extravagante e sem modéstia, costumava dizer: "Sou um monstro de inteligência". Suas obras são uma combinação de imagens bizarras e oníricas de extrema qualidade plástica. Nascido na cidade catalã de Figueres, na Espanha, começou a pintar por volta dos 13 anos. Cinco anos depois, em 1922, Salvador Dalí mudou-se para Madri, onde ingressou na Academia de San Francisco e conheceu o poeta Federico Garcia Lorca e o futuro cineasta Luis Buñuel.

Insere-se no movimento em 1929, com a ajuda da russa Elena Dimitrievna Diakonova (Gala). Dez anos mais velha do que ele, Gala fica com Dalí até o último dia de sua vida. No início da Segunda Guerra, em 1940, Dalí e Gala mudaram-se para os Estados Unidos. O casal permaneceu nos EUA até 1955. A partir de 1982, com a morte de Gala, Salvador Dalí tornou-se um homem recluso, abatido pelo Mal de Parkinson. Dalí viveria até 1989.

Para entender a obra de Salvador Dalí, é preciso conhecer os simbolismos recorrentes de suas pinturas: Relógio Fundido - Sugere a Teoria de Einstein, onde o tempo é relativo, a preocupação humana com o tempo e a memória. O Elefante - Uma distorção do espaço. O Ovo - pré-natal, o mundo. A Formiga - morte, decadência, imenso desejo sexual. O Caramujo - a cabeça do homem. Gafanhoto - desperdício e medo.

Persistência a memória - 1931

O Sono - 1937

O Grande masturbador - 1929

Espanha - 1938

A Última ceia - 1955

1937 – Metamorfose de Narciso

1937 – Girafa em Chamas

1940 – A Face da Guerra

Crianças Geopolíticas Assistindo ao Nascimento do Novo Homem - 1943

O múltiplo sentido nas obras

O múltiplo sentido nas obras

O múltiplo sentido nas obras

Pintor de imagens insólitas, às quais deu tratamento rigorosamente realista, utilizou-se de processos ilusionistas, sempre à procura do contraste entre o tratamento realista dos objetos e a atmosfera irreal dos conjuntos. Suas obras são metáforas que se apresentam como representações realistas, através da justaposição de objetos comuns, e símbolos recorrentes em sua obra, tais como o torso feminino, o chapéu côco, o castelo, a rocha e a janela, entre outros mais, porém de um modo impossível de ser encontrado na vida real.

Magritte nasceu em Lessines, Bélgica, no dia 21 de novembro de 1898, filho caçula de Léopold Magritte. Em 1912 sua mãe, Régina, cometeu suicídio por afogamento no rio Sambre. Magritte estava presente quando o corpo de sua mãe foi retirado das águas do rio. Em 1916, ingressou na Académie Royale des Beaux. Arts, em Bruxelas, onde estudou por dois anos.

Foi durante esse período que ele conheceu Georgette Berger, com quem se casou em 1922. Trabalhou em uma fábrica de papel de parede, e foi designer de cartazes e anúncios até 1926, quando um contrato com a Galerie la Centaure, na capital belga, fez da pintura sua principal atividade. Nesse mesmo ano, Magritte produziu sua primeira pintura surrealista, Le jockey perdu, tendo sua primeira exposição apresentada no ano seguinte.

René Magritte praticava o surrealismo realista, ou “realismo mágico”. Começou imitando a vanguarda, mas precisava realmente de uma linguagem mais poética e viu-se influenciado pela pintura metafisica de Giorgio de Chirico. Magritte tinha espírito travesso, e, em A queda, seus bizarros homens de chapéu-coco despencam do céu absolutamente serenos, expressando algo da vida como conhecemos. Sua arte, pintada com tal nitidez que parece muitíssimo realista, caracteriza o amor surrealista aos paradoxos visuais: embora as coisas possam dar a impressão de serem normais, existem anomalias por toda a parte:

A Queda tem uma estranha exatidão, e o surrealismo atrai justamente porque explora nossa compreensão oculta da esquisitice terrena. Mudou-se para Paris em 1927, onde começou a se envolver nas atividades do grupo surrealista, tornando-se grande amigo dos poetas André Breton e Paul Éluard e do pintor Marcel Duchamp. Quando a Galerie la Centaure fechou e seu contrato encerrou, Magritte retornou a Bruxelas. Permaneceu na cidade mesmo durante a ocupação alemã, na Segunda Guerra Mundial. Seu trabalho foi exposto em 1936 na cidade de Nova York, Estados Unidos, e em mais duas exposições retrospectivas nessa mesma cidade, uma no Museu de Arte Moderna, em 1965, e outra no Metropolitan Museum of Art, em 1992. Magritte morreu de câncer em 1967 e foi enterrado no Cemitério do Schaerbeek.

“Minhas pinturas são imagens visíveis que não dissimulam nada: elas evocam mistério, e, de fato, quando alguém vê algum de meus quadros, pode fazer esta simples pergunta: O que isso quer significar? ”

Os Amantes - 1928

Os Amantes

Isso não é um Cachimbo

A queda – Chuva de Homens - 1953

O Terapeuta - 1941

Madame Recamier - 1951

Giorgio de Chirico (1888 -1978) foi um pintor grego, representante da pintura metafísica. Giorgio de Chirico nasceu em Vólos, na região grega da Tessália. Estudou artes em Munique e Paris, onde estabeleceu amizade com importantes artistas como Apollinaire e Picasso. Na Itália, criou o grupo”Pittura Metafísica. Em 1919, liderou outro grupo de artistas, o Valori Plastici. Morou em Paris entre 1924 e 1939.

A pintura de De Chirico possui características diversas, já que possui elementos de surrealismo (o qual foi identificado em sua obra durante bom tempo) e dadaísmo. Em sua pintura, é constante os elementos que usavam grandes espaços, como praças e ambientes oníricos e características misteriosas.

Chirico era considerado pintor metafísico, influência que obteve através do pintor italiano Carlo Carrà, que fazia parte dessa corrente. Sua obra foi bastante inspirada pelas leituras dos filósofos Nietzsche e Schopenhauer, o que deu certo teor pessimista e melancólico à suas pinturas. No Brasil, vários pintores levaram a sua influência: Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti e Ismael Nery.

Suas obras proeminentes são “O Enigma da Hora” (1912) “Melancolia de uma Bela Tarde” (1913) O Sonho Transformado, (1913) “Heitor e Andrômaca” (1917), as “Musas Inquietantes” (1916). Chirico morreu em Roma.

O Enigma da Hora - 1912

Mistério e Melancolia de uma bela tarde

O sonho transformado

Heitor e Andrômaca

As Musas Inquietantes

Max Ernest foi um importante escultor e pintor surrealista alemão (nacionalizado francês) do século XX. Nasceu na cidade alemã de Brühl (região da Renânia) em 2 de abril de 1891. Faleceu em Paris em 1 de abril de 1976. - Estudou psiquiatria e filosofia na Universidade de Bonn. - Max Ernst aprendeu a pintar durante a juventude, copiando pintura de Van Gogh. - Se alistou no exército alemão durante a Primeira Guerra Mundial. - Foi morar na França em 1922. - Em 1930 atuou no filme "A idade do ouro". - Morou nos Estados Unidos entre os anos de 1941 e 1953. Ganhou a cidadania norteamericana em 1948. - Voltou a morar em Paris em 1953. No mesmo ano, ganhou o Grande Prêmio na Bienal de Veneza. Características principais de suas obras - Utilizou diversas técnicas, materiais e estilos durante sua carreira como artista plástico. - Pintou em duas ou três dimensões. - Abordou muito o mundo dos sonhos e da imaginação.

Uma das características das obras de Ernst são as cores fortes e brilhantes. Em seus quadros, ele associava imagens de elementos demoníacos e absurdos com outros eróticos e fabulosos. Juntava de forma irracional esses símbolos para expressar seu subjetivismo. Max Ernst foi soldado alemão na Primeira Guerra e por esse motivo, em Paris, durante a Segunda Guerra, foi considerado traidor. Na Alemanha nazista, seus quadros foram expostos, junto aos de outros artistas na mostra denominada Arte Degenerada, em 1937. Durante a Segunda Guerra, com a ocupação da França, Ernst fugiu para os Estados Unidos, e em 1948 ganhou a cidadania americana. Voltou à Europa em 1958, naturalizando-se francês e morreu em 1976, em Paris. Se como disse Nietzsche, a arte existe para que a realidade não nos destrua, que ela seja então nossa salvação, que nos purifique pelo arrebatamento, que seja a manifestação derradeira que encerre nossa liberdade, nossa redenção e nossa lucidez.

O olho do silêncio-1944

O anjo do início - 1937

O vestuário da noiva - 1940

Pieta or Revolution by Night, 1923

The Garden of France, 1962

The Temptation of St. Anthony. 1945

Ele nasceu em Barcelona e, na escola, era apelidado de "cabeçudo", por ser considerado o garoto mais abobalhado entre os colegas. Passava o tempo desenhando ou colecionando pedras e plantas. A contragosto, o senhor Miguel Miró Adzerias permitiu que o filho, aos 14 anos, ingressasse na Escola de Belas Artes de Barcelona. Mas o jovem não chegou a esquentar os bancos da instituição. Insatisfeito com o currículo essencialmente acadêmico, deixou de frequentar as aulas. O pai de Miró convenceu-se de que o rapaz era um caso perdido. Obrigou-o então a se empregar como guarda-livros em uma drogaria e disse que ele precisava começar a planejar o próprio sustento. Resultado: a pressão e a rotina burocrática do trabalho levou o jovem Miró a uma crise de depressão, que veio acompanhada de febre tifoide. Foi durante o período de convalescença, numa fazenda da família em Montroig, nas montanhas da Catalunha, que Miró decidiu levar adiante, apesar das resistências paternas, o projeto de ser artista. Ao retornar a Barcelona, passou a frequentar o ateliê e escola de arte de Francisco Gali, a partir dos quais passou a travar contato com o mundo artístico e boêmio da cidade. Apesar disso, seu comportamento arredio e introvertido nunca lhe permitiram acompanhar os colegas nas costumeiras incursões madrugada adentro.

Por volta dos 25 anos, em 1919, decidiu mudar-se para Paris, onde as vanguardas dominavam o cenário artístico e cultural. Instalado na capital francesa, Miró ficou particularmente interessado nas experiências surrealistas de exploração do inconsciente. "Ele foi o mais surrealista de todos nós", chegou a dizer o líder inconteste do movimento, o escritor André Breton. Mais tarde, ao recordar esse período de sua vida, em que alternava os verões em Montroig e os invernos em Paris, o próprio Miró diria que havia uma diferença básica entre eles e os colegas ligados ao surrealismo. Enquanto estes utilizavam substâncias artificiais para "abrirem livremente as portas da percepção", seu principal canal com o mundo da alucinação e do delírio era mesmo a fome. "Eu voltava tarde da noite para casa e, por falta de dinheiro, não jantava. Assim, rabiscava no papel as sensações que a fome provocava em meu organismo", revelaria. Sem conseguir vender um número suficiente de quadros que lhe permitisse uma vida apenas razoavelmente digna, Miró chegou a enfrentar o rigoroso inverno de 1925 tiritando de frio, pois não tinha recursos para sequer mandar consertar o aquecedor que estava quebrado.

Um contrato com o negociante de quadros Jacques Viot tirou-lhe dos tempos de penúria extrema. Em 1928, Miró aproveitou os melhores ventos e viajou para a Holanda, em busca de novas fontes de inspiração. No ano seguinte, casou-se com Pilar Juncosa, que lhe daria a única filha, Dolores, e com quem passaria a morar em Paris e, posteriormente, na Espanha. O artista levou um vida sossegada, dedicado integralmente à família e à arte, até o momento em que o fantasma da Guerra Civil Espanhola exigiu-lhe uma tomada de posição. Contrariado, Miró trocou novamente a Espanha pela França, mas participou ativamente da luta pela liberdade de seu país. Pintou cartazes de propaganda política e idealizou o painel "O Ceifeiro", que seria apresentado ao lado do célebre "Guernica", de Pablo Picasso, no pavilhão espanhol da Exposição Internacional de Paris. Quando estourou a Segunda Guerra Mundial, Miró viu-se forçado a deixar novamente a França, em 1940, diante da iminência da ocupação nazista em Paris. Depois de uma temporada em Maiorca, retornou a Barcelona, em 1942. Nesse momento, o artista confessou por mais de uma vez que estava desiludido com os rumos da vida na Europa e temeu a vitória de Hitler. São desse período algumas de suas obras mais líricas e famosas, as que compõem a série "Constelações", na qual parece conjurar céus inteiros para se sobrepor à fúria cega desencadeada pela guerra. Miró e sua arte sobreviveram ao conflito e ganharam reconhecimento internacional definitivo nas décadas seguintes. Morreu aos 90 anos, rico e bem-sucedido, celebrado em todo mundo como um dos maiores artistas do século 20.

O carnaval de Arlequim- 1924 - 1925

Interior Holandês - 1928

Números e constelações em Amor com uma Mulher

A Fazenda, 1921 -1922

Nome Completo Magdalena Carmen Frieda Kahlo y Calderón Quem foi Frida Kahlo foi uma importante pintora mexicana do século XX. É considerada, por alguns especialistas em artes plásticas, uma artista que fez parte do Surrealismo. Porém, a própria Frida negava que era surrealista, pois dizia que não pintava sonhos, mas sua própria realidade. Destacou-se ao defender o resgate à cultura dos astecas como forma de oposição ao sistema imperialista cultural europeu. Nascimento Frida Kahlo nasceu na cidade de Coyacán (México) em 6 de julho de 1907.

Morte Frida Kahlo morreu na cidade de Coyacán (México) em 13 de julho de 1954. Biografia resumida - Estudou, no início da juventude, na Escola Preparatória Nacional. - Com 18 anos de idade sofreu um grave acidente de ônibus. Para ocupar as horas vagas, durante a recuperação, passou a pintar. - Em agosto de 1929, casou-se com o pintor mexicano Diego Rivera com quem teve um casamento tumultuado e instável. - Morou nos Estados Unidos com Diego Rivera entre os anos de 1931 e 1934. - Divorciou-se de Rivera em 1939, embora tenha mantido relações com ele nos anos seguintes. - Em 1939, Frida expôs sua obra em Paris, na galeria Renon et Collea. - Deu aulas de introdução à pintura, a partir de 1943, na Escola La Esmeralda na Cidade do México. - Sofreu três abortos durante a vida.

- Teve uma vida marcada, principalmente após o divórcio, pelo consumo abusivo de álcool. Dizia que era para aliviar o sofrimento que sempre marcou sua vida. - Após uma grave pneumonia, morreu em embolia pulmonar em 13 de julho de 1954. Estilo artístico - Abordagem de temas pouco ortodoxos. - Estética muito próxima do Surrealismo. - Influência da arte folclórica indígena mexicana, cultura asteca, tradição artística europeia, masrxismo e movimentos artísticos de vanguarda. - Pintou muitos autorretratos, paisagens mortas e cenas imaginárias. - Uso de cores fortes e vivas. - Abordagem de temas de sua própria vida. - Presença de objetos simbólicos em suas obras.

Henry Ford Hospital, (La cama volando) - 1932

As duas Fridas, 1939

O veado ferido, 1946

Meu Nascimento- 1932

Sem esperança - 1945

Conclusão O movimento surrealista foi caracterizado por dois fatores marcantes: estabeleceu uma maneira de pensar a arte nunca vista antes (principalmente no que se refere ao fazer arte). Através das ideias compartilhadas pelos pertencentes ao movimento, foram pensados e criados métodos inovadores de produção e reflexão acerca da arte. no entanto, a própria proposta surrealista de ser algo que fugisse de qualquer padrão ou de qualquer tipo de lógica racional foi que acabou por dar fim ao movimento. O estilo surrealista (que pretendia ser permanentemente inovador) fez com que o movimento se inserisse dentro daquilo que os surrealistas mais repudiavam: a lógica (mesmo que fosse uma lógica surrealista).

Bibliografias: pt. wikipedia. org/wiki/surrealismo pt. wikipedia. org/wiki/Salvador Dalí www. suapesquisa. com www. infoescola. com www. mac. usp. br/ http: //mestres. folha. com. br/pintores/11/ Livro Arte Comentada (Carol Strickland, Ph. D) – 8ª Edição https: //www. youtube. com/watch? v=8_Ox. Mf. Lbl. Rc http: //omagricocibernetico. blogspot. com. br/2012/10/isto-nao-e-umcachimbo-pequenas. html