40 PRINCIPALES Leonardo da Vinci Leonardo da Vinci

40 PRINCIPALES

Leonardo da Vinci • Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci) fue un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor). Nació en Vinci el 15 de abril de 1452. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I. Falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. • La imaginación sin límite de este artista lo llevó a diseñar máquinas que fueron perfeccionadas siglos más tarde y que son útiles al hombre en la actualidad. • Entre estas invenciones cabe destacar las siguientes: El tornillo aéreo, que es considerado el antepasado teórico del helicóptero; concibió la idea del paracaídas e indicó claramente sus dimensiones. Inventó el planeador, una especie de aeroplano sin motor que volaba sostenido por las corrientes de aire; diseñó un carro de asalto, anticipo del tanque moderno; inventó la grúa giratoria; ideó un cañón de bocas múltiples, dotado de 33 caños, con capacidad para disparar tres cargas de 11 tiros consecutivos. Creó un pedernal para encendido automático de las mechas de las minas y cañones. También estudió el mundo vegetal, la óptica, la música y la astronomía. Con sus estudios se pudo construir la primera máquina a vapor. • Leonardo da Vinci es considerado como uno de los mas grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido. También, es considerado como genio universal, filósofo humanista y el arquetipo o símbolo del hombre del Renacimiento, movimiento artístico al que perteneció.

La Gioconda, también conocida como la Mona Lisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci, que fue pintada entre 1503 y 1506 y es considerado como el cuadro más famoso del mundo. Desde el siglo XVI es propiedad del estado francés, y se exhibe en el museo del Louvre de París. En esta obra, se observa a una mujer con un rostro que, dependiendo de cómo se mire, a veces parece sonreír y otras refleja cierta amargura. Da Vinci dejó un campo a la imaginación de los espectadores. Utilizó brillantemente la técnica de esfumar y suavizar los colores, quitando rigidez a los contornos. Este es el secreto de la mona Lisa, cuyos ojos y comisuras de los labios, fundidos con suaves sombras, adquieren nuevos matices cada vez que los miramos. Mona Lisa, Gioconda Autor: Leonardo da Vinci Fecha : 1503 -6 Museo: Museo Nacional del Louvre Características: 77 x 53 cm. Material: Oleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

La Última Cena es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497, se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán (Italia). La pintura fue elaborada para el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo. En el cuadro, se refleja la última cena de Jesús con los apóstoles. Se observa a Jesús en medio del cuadro y a los apóstoles, acompañados de María Magdalena, junto a él. Ultima Cena Autor: Leonardo da Vinci Fecha: 1495 -97 Museo: Iglesia de Santa Maria delle Grazie de Milán Características: 480 x 880 cm. Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

El Homo Cuadratus es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1492 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. Homo Cuadratus Autor: Leonardo da Vinci Fecha: 1485 -90 Museo: Galerías de la Academia de Venecia Características: 34, 2 x 24, 5 cm. Material: Dibujo Estilo: Renacimiento Italiano

Vincent Van Gogh • Vincent Willem van Gogh nació en Zundert, Países Bajos, el 30 de marzo de 1853 y murió en Auverssur-Oise, Francia, el 29 de julio de 1890. Fue un pintor holandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1. 600 dibujos. • Un estudio autodidacto y casi obsesivo de la Biblia le llevó a Gran Bretaña a ejercer de instructor y evangelista en Ramsgate y en la Jones Methodist School de Isleworth. De regreso a Holanda (1877) se preparó estudios de teología en la Universidad de Amsterdam, a los que renunciaría un año más tarde. Sin abandonar, sin embargo, su idea de dedicarse a la carrera eclesiástica, siguió un curso misional en Bruselas y marchó como misionero laico. • Al fracasar como misionero (1880), siguió residiendo allí como vagabundo e intensificó la práctica del dibujo bajo la influencia de la obra de Jean-Francois Millet, uno de los artistas que más admiró siempre. Su actividad de artista voluntariamente marginado de los gustos imperantes y diversas experiencias amorosas y sentimentales fracasadas lo llevaron a refugiarse junto a sus padres en Nuenen (1883), donde dos años más tarde pintó su primer óleo importante: Aldeanops comiendo patatas. • Muerto su padre, marchó a Amberes donde se matriculó en la Academia de Bellas Artes allí estudió a fondo la obra de Rubens. Marchó luego a residir con Theo en París (1886), donde, en el taller de Cormon, conoció a diversos representantes del movimiento impresionista. Dos años más tarde se trasladó a Arlés. Su salud mental gravemente quebrantada, le llevó a cortarse el lóbulo de una oreja y, poco más tarde, a recluirse voluntariamente en una casa de salud de Saint-Ramy, la cual no abandonaría hasta 1890, cuando ya en París era reconocido su talento. Tras una breve estancia en esta ciudad, marchó a Auverssur-Oise, donde acudió al doctor Gachet, pese a lo cual el 17 el julio de 1890 se disparó un tiro en el pecho y murió dos días después. • El Museo Nacional Van Gogh de Amsterdam conserva la colección más completa de obras suyas, entre las que resulta difícil destacar ninguna sobre las demás. Era un artista puro, muy aficionado a la lectura preocupado por lo estético y un buen conocedor de la historia de la pintura. La valoración estética de su obra intensificada en la segunda posguerra mundial, después que el nazismo proscribiera su arte por decadente, ha llevado aparejada una altísima valoración económica de sus cuadros.

Noche estrellada es una obra maestra del pintor postimpresionista Vincent van Gogh. El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van Gogh. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Considerado como el ”magnum opus” de van Gogh, el cuadro ha sido reproducido en numerosas ocasiones, siendo una de sus obras más conocidas. La parte central del lienzo muestra el pueblo de Saint-Rémy bajo un cielo arremolinado, una vista hacia el norte desde la ventana de su habitación en el asilo. Las colinas de Alpilles aparecen a lo lejos en el margen derecho, aunque hay poca correlación entre la escena y la realidad, ya que las colinas intermedias parecen estar superpuestas, correspondiendo en realidad a la vista meridional del sanatorio. Asimismo, el ciprés que aparece a la izquierda fue también añadido a la composición. Durante su estancia en el asilo, van Gogh se dedica a pintar sobre todo los paisajes de la región de Provenza. Es en ese período que rompe con el estilo impresionista, desarrollando un estilo muy personal donde prevalece el amarillo, símbolo de la luz y del calor. Noche estrellada Autor: Vincent Van Gogh Fecha: 1889 Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York Características: 73´ 7 x 92´ 1 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo

Comedores de patatas es un cuadro del pintor Vincent van Gogh, terminado en abril de 1885. Este tema fue tratado por varios artistas de la época en obras como “La comida frugal” de Jozef Israëls. Van Gogh tomó nota de las manos gruesas y las huellas en las caras de los trabajadores de la tierra. En busca de la intensidad en la expresión dramática, exploró el potencial de los tonos oscuros del barroco y el trazo nervioso. Estas características se transformaron radicalmente después de su viaje a París, lugar en el que vivió durante algunos años. En cuanto a esta obra, Van Gogh expresó lo siguiente: “He querido poner conscientemente de relieve la idea de que esa gente que, a la luz de la lámpara come patatas sirviéndose del plato con los dedos, trabajó asimismo la tierra en la cual las patatas han crecido; este cuadro, por tanto, evoca el trabajo manual y sugiere que esos campesinos merecen comer lo que honestamente se han ganado. He querido que haga pensar en un modo de vivir muy diferente al nuestro. Así pues, no deseo en lo más mínimo que nadie lo encuentre ni siquiera bonito ni bueno”. Comedores de patatas Autor: Vincent Van Gogh Fecha: 1885 Museo: Museo Nacional Van Gogh Características: 82 x 114 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo

La Italiana es un cuadro pintado al óleo sobre tela de Vincent van Gogh realizado en París en 1887. Esta pintura se encuentra en el Museo de Orsay (París, Francia). Se representa una mujer sentada, presumiblemente Agostina Segatori, antigua modelo y propietaria del café del Tambourin, en el boulevard de Clichy. Con ella tuvo una breve relación amorosa Van Gogh unos meses antes de ejecutar este retrato. La mujer es retratada frontalmente, vestida con trajes folclóricos y con un pañuelo rojo en la cabeza que le cubre sus negros cabellos. Se ve sólo una esquina del respaldo de la silla azul sobre la que se encuentra sentada. El fondo es una mancha uniforme de color amarillo, lo que recuerda la técnica de la mancha de color puro y opaco de las estampas. Esta ausencia de referencias de perspectiva da a la tela una cierta bidimensionalidad. La cabeza de la figura está enriquecida por tonos claroscuros que hacen intuir la profundidad y la consistencia. Sobre el lado derecho y sobre el superior de la tela está pintado un marco cuyos colores recuerdan a los de la falda de la modelo. Italiana Autor: Vincent Van Gogh Fecha: 1887 Museo: Museo de Orsay Características: 81 x 60 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo

Salvador Dalí • Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, primer marqués de Púbol, nació en Figueras, España, el 11 de mayo de 1904 y murió el 23 de enero de 1989. Fue un pintor considerado como uno de los máximos representantes del surrealismo. • Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, de donde sería expulsado años después. Sus primeras obras, como "Muchacha en la ventana", estaban dentro de una línea naturalista y minuciosa que producía una ambigua sensación de irrealidad, la que se acentuaría más tarde. • Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Forjó un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos» , realizado en 1931. • Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, [su] pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo» , que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica. • En 1928, marchó a París y se adhirió al movimiento surrealista, sin embargo, con su exposición de 1933 conoció la fama internacional. Fue entonces cuando comenzó a llevar una vida social llena de povocaciones y excentricidades. Tal actitud fue considerada por algunos como una forma de comercializar sus cuadros y sumada a su falta de postura política, condujeron a su expulsión del grupo surrealista. Durante este período puso en práctica su "método de interpretación paranoico-crítico", basado en las teorías del psicoanálisis, asociando elementos delirantes y oníricos en un lenguaje pictórico realista. • Durante la Segunda Guerra Mundial, se instaló en Estados Unidos, cerca de Hollywood, donde colaboró con algunas películas. A fines de la década de 1940 regresó a España e inició una etapa de carácter místico basada en composiciones famosas como "La última cena", sobre la obra de Leonardo da Vinci. Posteriormente, alternó la pintura con el diseño de joyas y la ilustración de libros. Mientras tanto, las exposiciones antológicas de su obra se sucedieron (Nueva York, 1966; París, 1979; Madrid, 1982), y, a medida que sus intervenciones públicas decrecían, la polémica dio paso a un renacido interés por su pintura. • En 1974 se inauguró en Figueras, su pueblo natal, el Museo Dalí. Salvador Dalí fue junto a Pablo Picasso y Joan Miró, uno de los grandes representantes de la pintura española del siglo XX.

Muchacha asomada a la ventana es un famoso cuadro del artista español Salvador Dalí pintado en 1925. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre cartón piedra empleando un estilo realista. Se conserva en Madrid, en el Museo Reina Sofía. El cuadro pertenece a la etapa formativa de Dalí, cuando el surrealismo no había influido todavía de manera apreciable en su pintura. Representa a la hermana del artista, Ana María, a la edad de diecisiete años, asomada a la ventana, de espaldas, en la casa de vacaciones que la familia poseía en Cadaqués, a la orilla del mar. Dalí realiza un trabajo de gran uniformidad cromática y sencillez en la composición, donde la muchacha nos introduce en el paisaje que ella contempla. Claramente, los valores cromáticos de la obra son azules, al igual que en las obras tempranas de Picasso las cuales estaban formadas sólo por gamas de azules. La muchacha sufre algunas desproporciones notables como sus pies, los cuales son muy pequeños. La hermana de Dalí aparece en otros cuadros contemporáneos y posteriores del pintor, pues fue la modelo del pintor hasta que conoció a Gala en 1929. La pintura estuvo en la primera exposición del autor en la galería Dalmau de Barcelona, en noviembre de 1925. Muchacha asomada a la ventana Autor: Salvador Dalí Domènech Fecha: 1925 Museo: Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía" Características: 103 x 75 cm. Material: Óleo sobre lienzo

La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos, es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí, pintado en 1931. Es de estilo surrealista y fue realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo. La pintura fue exhibida en la primera exposición individual de Dalí en la Galerie Pierre Colle de París, del 3 al 15 de junio de 1931, y en enero de 1932 en una exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva York. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde llegó en 1934. En una revisión posterior del cuadro, Dalí creó “La desintegración de la persistencia de la memoria”. El cuadro fue cedido en préstamo por dos meses, del 16 de enero al 18 de marzo del 2009, al Teatro-Museo Dalí de Figueras, Gerona, siendo la primera vez que ha podido verse en España. En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. En el paisaje aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados. Dalí añadió los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad (este tipo de reloj se lleva próximo a los genitales). Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora (supuestamente en torno a la seis de la tarde). Dalí dijo sobre el cuadro: "Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando". La persistencia de la memoria Autor: Salvador Dalí Domènech Fecha: 1931 Características: 24 x 33 cm. Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York

Luis Buñuel Portolés fue un director de cine español naturalizado mexicano. La gran mayoría de su obra fue realizada en México y Francia y es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine. Este director de cine tuvo una amistad con salvador Dalí. Luis Buñuel Autor: Salvador Dalí Domènech Fecha: 1924 Museo: Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía" Características: Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Surrealismo

Henri de Toulouse-Lautrec • Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Montfa, conde de Toulouse-Lautrec-Montfa , conocido simplemente como “Toulouse Lautrec” o “Lautrec”, nació en Albi el 24 de noviembre de 1864 y murió en Malromé el 9 de septiembre de 1901. Fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del postimpresionismo. • Nació en el seno de una familia noble que en 1872 se instaló en París. Dos graves caídas consecutivas provocaron el defectuoso desarrollo de sus piernas. En 1882, se integró en grupos artísticos y se formó al lado de León Bonnat y Fernand Cormon. A los veinte años, habiendo ya conocido a través de Emile Bernard la obra de Cézzanne, abrió su propio taller. • Conoció más tarde a Van Gogh y en 1888 expuso en Bruselas, donde volvería a exponer en 1892 y 1894. Desde su inauguración en 1889 frecuentó el cabaret parisiense Moulin Rouge, al tiempo que, junto a su íntimo amigo Maurice Joyant, llevaba la galería Goupil desde que se enfermó Theo Van Gogh. En 1893 compartió una exposición con Charles Maurin. • Trabajó y expuso en diversas poblaciones de Francia, así como en Londres y visitó varias ciudades europeas. Su admiración por Goya y el Greco arrancan de su estancia en Madrid y Toledo. En 1899 se vio obligado a realizar una cura de dos meses en una clínica de Neuilly, producto de un avanzado alcoholismo. Aprovechó este reposo forzado para componer la serie de dibujos titulados “En el circo”. En 1901, estando en Toussant, sufrió un ataque de parálisis que le acarreó la muerte. A causa de su defecto físico Toulouse Lautrec se mantuvo un tanto apartado de las relaciones aristocráticas de su familia, hallando refugio en el alcohol y en la vida de cabarets, donde encontró los principales temas de su obra. • Abundan también en sus dibujos las escenas de circo, espectáculo al que era aficionado, así como dibujos y caricaturas de artistas de teatro. De sus cuadros pintados al aire libre cabe destacar: “Bailarina”; “La dama de la sombrilla” y “La dama del jardín”. Como pintor abundan en su producción técnica híbridas o poco ortodoxas (como los óleos sobre papel o cartón), y a menudo las figuras están simplemente encajadas y sin acabar. Sobresalen de su obra el impresionante retrato: “Carmen”, de frente; “Baile en el Moulin Rouge”; “El paseo del Moulin Rouge”; “El retrato de Oscar Wilde”, “El aseo”, etc. Su obra patentiza su fervorosa admiración por Degas, de quien adoptó, aparte alguna coincidencia de temática, la audacia de los encuadres y escorzos y el trazo alargado de sus cuadros al pastel.

Cha-U-Kao es un cuadro de Henri de Toulouse-Lautrec realizado al óleo sobre cartón. Fue pintado en 1895, y, actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia. El mundo del circo fascinó siempre a Toulouse -Lautrec. Ya lo pintó en los años 1880, y vuelvió a ello en la década siguiente, con obras como esta. Las payasas son una variación más de su tema favorito, que es la representación de las mujeres de la noche. Era ya la época de madurez de Toulouse. Lautrec y, como es típico de esta última etapa, la pincelada resulta más pesada, con un empaste más grueso. Cha-U-Kao es un nombre onomatopéyico con el significado de «ruido y caos» , que se suponía provocado por las actuaciones circenses. El pintor la había tomado como modelo en otras ocasiones. Es un cuadro realizado en el Moulin Rouge, cabaret parisino frecuentado por Toulouse-Lautrec representa a la payasa en su camerino, con una peluca blanca y un vestido azul, y poniéndose el tutú amarillo. El intenso cromatismo de la pintura (amarillo, morado, rojo, turquesa) da una gran vitalidad a la escena. Hay rasgos estilísticos que recuerdan las estampas japonesas: con muy pocos trazos describe el ambiente, le da un tratamiento plástico y esquemático al busto de la modelo. El tema y la técnica recuerdan a un pintor admirado por Toulouse-Lautrec, que era Edgar Degas. Cha-U-Kao Autor: Toulouse Lautrec Fecha: 1895 Museo: Museo de Orsay Características: 64 x 49 cm. Material: Óleo sobre lienzo

La toilette es un cuadro de Henri de Toulouse-Lautrec realizado al óleo sobre cartón. Fue pintado en 1896 y se encuentra actualmente en el Museo de Orsay, París, Francia. Es un cuadro tomado del natural, en uno de aquellos prostíbulos que el artista visitaba y en los que pasaba muchas horas del día. El encuadre es fotográfico, con el punto de vista en contrapicado, de arriba hacia abajo. La modelo y los pobres objetos de la ambientación recuerdan a Degas, del que Toulouse-Lautrec se consideraba un continuador ideal. La intimidad femenina le atrae del mismo modo que a Degas, como puede verse en esta obra y otras análogas de la misma época: “Mujer peinándose” (1891), “Mujer que se estira la media” (1894) o “En el aseo” (1898). Los colores son utilizados con parsimonia, en algunos puntos aflora el color del cartón que sirve de fondo. Las intuiciones impresionistas se superan en este cuadro, gracias a las sugerencias realistas próximas a Van Gogh. Los colores son fríos y luminosos. La pincelada es vigorosa. Produce la sensación de cuadro inacabado. La toilette Autor: Toulouse Lautrec Fecha: 1889 -91 Museo: Museo Nacional del Louvre Características: 64 x 52 cm. Material: Óleo sobre cartón

En el Moulin-Rouge, el baile o Baile en el Moulin Rouge es un cuadro del pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec. Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1890 y se encuentra actualmente en el Museo de Arte de Filadelfia, formando parte de la colección Mc. Ilhenny, Filadelfia, Estados Unidos. El recién inaugurado Moulin Rouge es visto por Lautrec en clave casi de caricatura, captado en un momento de frecuentación por parte de la sociedad parisina. Diversos personajes interactúan entre ellos, se apoyan en la barra del bar, discuten y observan a las bailarinas. Gracias a la línea pictórica que guía el ojo hacia los personajes en segundo plano a través de una hábil disposición de los elementos sobre la tela. Allí se entrevé a un hombre con la cara de calavera y a la bailarina Jane Avril, musa del pintor. En ese segundo plano están retratados amigos del pintor. En frente de ellos, a la izquierda del cuadro, Valentin-le-Désossé (Valentín el descoyuntado), famoso vividor de la época, dirige a otra bailarina, anónima. Es pelirroja y fuerte, lo que hace pensar en La Goulue en una actuación en público. El movimiento de estos bailarines contrasta con la quietud del público. En el primer plano se sitúa una elegante dama con vestido rosa y sombrero. En el Moulin Rouge: el baile Autor: Toulouse Lautrec Fecha: 1890 Museo: Museo de Arte de Filadelfia Características: 115 x 150 cm. Material: óleo sobre lienzo

Edvard Munch • Edvard Munch nació en Løten el 12 de diciembre de 1863 y murió en Ekely el 23 de enero de 1944. Fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. • Munch destacó por pintar cuadros tristes y angustiosos, inspirados en tristes sueños y situaciones de su vida personal. Sin embargo, fue capaz de convertirse en uno de los principales precursores del expresionismo. • Comenzó a pintar a la edad de 17 Años. Una beca, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve período. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, desarrolló su propio estilo, en el que son frecuentes las imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. • La exposición de sus cuadros en Berlín en 1892 impresionó de tal manera, que las autoridades decidieron cerrar la muestra. Pero, al parecer este hecho le otorgó mayores energías al pintor, para en 1890 comenzar a desarrollar el arte expresionista alemán. • Su obra más conocida es "El Grito" (1893, Museo Nacional de Oslo) (en la imagen) y el angustioso "Niño enfermo" (1881 -1886 Museo Nacional de Oslo). Amabas reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez, al ver a su madre y a su hermana morir de tuberculosis. Otros temas recurrentes en su pintura se pueden observar en el cuadro "El Puente", con figuras pálidas, de rasgos y rostros indefinidos. Sus ansiedades sexuales también se representan a lo largo de la obra con sus retratos de mujeres, las que se muestran frágiles o como vampiresas devoradoras. • En 1908 tuvo que ser hospitalizado por ansiedad. En 1909 regresó a Noruega y de ahí en adelante vivió con una tranquilidad relativa que le permitió pintar los murales de la Universidad de Oslo (1910 -1916) y paisajes coloridos y brillantes. Sus últimos cuadros no son tan impactantes como sus primeros trabajos, pero su último autorretrato "Entre el reloj y la cama" (1940 Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a sus obras anteriores. • Munch no sólo pintó al óleo, sino también hizo xilografías, aguafuertes y litografías, que en la actualidad son consideradas como un valioso aporte al arte contemporáneo. Su estilo es definido como poderoso, simple, directo y fuerte.

En El Grito, Munch nos habla de sus sentimientos cuando pintó esta obra: "Estaba allí, temblando de miedo. Y sentí un grito fuerte e infinito perforando la naturaleza". Estas frases tremendas nos hablan de una hipersensibilidad del autor que con la realización de este cuadro se convierte en altavoz de la angustia existencial que caracteriza el pensamiento contemporáneo en alguna de sus facetas. La situación personal de Munch está íntimamente relacionada con esta obra: de personalidad depresiva y traumatizado por su relación con las mujeres, a quienes odia fervorosamente, en el momento de pintar este cuadro acababa de sufrir el fallecimiento de su madre. Esto le marcó terriblemente y es uno de los condicionantes que le impulsaron a emitir este grito visceral. El simbolismo de la imagen es patente en el rostro agitado del protagonista en primer plano, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. El empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al fondo de una violentísima perspectiva diagonal. Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan expresar el sentimiento del autor. Este rasgo es lo que incluye a Munch en la senda de otros pintores de simbolismo visionario y expresivo en una tendencia intemporal denominada Expresionismo. El Grito Autor: Edvard Munch Fecha: 1893 Museo: National Gallery (Oslo) Características: 91 x 73´ 5 cm. Material: Pastel Estilo: Expresionismo

Muchachas en el puente es un cuadro elaborado por Edvard Munch en 1901 empleando la técnica del óleo sobre lienzo. En el cuadro se aprecia a tres mujeres al borde de un puente observando un río. Al fondo del paisaje, se encuentran algunas casas y árboles, el primero de los cuales se refleja en el agua del río. Munch empezó a explorar las posibilidades del color violento y las distorsiones lineales para poder expresar las emociones más elementales de ansiedad, miedo, amor y odio. Con su angustia, fue el punto de partida de los expresionistas y ya en 1889 escribió algo que parece la divisa o el pistoletazo de salida: "Ya no debes pintar interiores con hombres leyendo y mujeres sentadas. Deben seres que respiren y sientan, que amen y sufran". Muchachas en el puente Autor: Edvard Munch Fecha: 1901 Museo: National Gallery (Oslo) Características: 136 x 125, 5 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Expresionismo

Pubertad es una obra realizada por Edvard Munch en 1894, empleando la técnica del óleo sobre lienzo. En este retrato se puede observar a una adolescente desnuda sentada en una cama y proyectando su sombra detrás de ella. La figura tiene las piernas y las manos juntas. De nuevo, Munch emplea colores trágicos y oscuros. El pintor noruego realiza un segundo viaje a la capital francesa en 1889, donde conoce la obra de Signac y Seurat y experimenta la técnica pictórica de los puntillistas. Es a partir de esta segunda estancia en París cuando Munch enuncia las nuevas bases de su pintura, alejándose ya de los conocimientos adquiridos de los artistas franceses para empezar a representar "seres humanos vivos, que respiran, sienten, sufren y aman" acercándose así, paulatinamente, al expresionismo. Pubertad Autor: Edvard Munch Fecha: 1894 Museo: National Gallery (Oslo) Características: 151, 5 x 110 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Expresionismo

Edouard Manet • Edouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832 y murió el 30 de abril de 1883. Fue un pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo. Manet rescató la pintura del academicismo realista para darle vida a través de una amplia gama de color aplicada en tonos delicados. • El pintor realizó sus primeros estudios en el Colegio Rollin, donde desarrolló su gusto y afición por el dibujo. Aunque su padre quería para Edouard la profesión de abogado, Edouard estaba decidido a realizar estudios de dibujo. Ante esta situación tomó la decisión de salir del país a cualquier coste, y una vez rechazado en la escuela naval, se embarcó hacia Brasil en diciembre de 1848. • A su regreso, tras un nuevo intento fracasado por ingresar a la escuela naval, logró vencer la oposición de su padre e ingresó al estudio del prestigiado maestro pintor Thomas Couture. • Durante seis años adquirió la destreza y la técnica que lo haría sobresalir entre muchos otros pintores de su tiempo. Después estudió y revisó las obras de los grandes en los museos para complementar su instrucción. Hacia 1856, junto con otro pintor, Albert De Balleroy, Manet estableció su propio estudio, donde empezó a despuntar. Poco a poco tomó influencias del parnasianismo literario y del arte español. • En 1863 presentó la obra "Almuerzo Campestre", que aunque realizada en una técnica revolucionaria, fue rechazada por los tradicionalistas por incluir a una mujer desnuda en medio de un grupo de hombres vestidos. Aun así, la pintura alcanzó notoriedad. • En 1865, el retrato de una mujer desnuda volvió a ser motivo de controversia, y debió ser expuesto bajo la protección de guardias armados antes de ser colocada a una altura que la alejaba de los críticos. • Molesto por la actitud negativa hacia su creación, Manet se trasladó a España donde permaneció por un tiempo hasta que decidió regresar a Francia. Como el rechazo hacia su obra seguía vigente, decidió exhibirla en una plaza pública en 1867. • En 1873 exhibió con gran éxito "El buen Bock", y un año después participó en la primera exposición del movimiento que fue conocido como impresionista. Edouard Manet logró ganar fama y reconocimiento durante sus últimos años y murió el 30 de abril de 1883.

Almuerzo sobre la hierba es un cuadro realizado por Édouard Manet en 1863. Es un cuadro al óleo. Se exhibe en el Museo de Orsay de París, Francia. Al principio se llamó a este cuadro “La merienda campestre” o, también, “Almuerzo campestre”. La yuxtaposición de un desnudo femenino con caballeros vestidos suscitó controversia cuando la obra se mostró por vez primera en el Salon des Refusés en 1863. Aparte de considerar vulgar el que una mujer estuviera desnuda junto a jóvenes vestidos, numerosos críticos rechazaron la modernidad del estilo. No es una pintura realista en el sentido social o político del término propio de un Daumier, sino que es una afirmación a favor de la libertad individual del artista. El escándalo que causaba una mujer desnuda desayunando despreocupadamente con dos hombres completamente vestidos, ofendía a la moralidad de la época. El cuadro representa un almuerzo en un bosque, cerca de Argenteuil, donde discurre el Sena. La mujer desnuda, cuyo cuerpo está crudamente iluminado, mira directamente al espectador. Está sentada sobre una tela azul, probablemente una parte de las ropas que se ha quitado. Los dos están vestidos como dandis y parecen estar ocupados conversando, ignorando a la mujer. En frente de ellos, se muestran las ropas de la mujer, una cesta de frutas, y un pan redondo. En el fondo, una mujer ligeramente vestida vadea una corriente y es demasiado grande en comparación con las figuras del primer plano. La desproporción entre la mujer del fondo y la barca a la derecha se consideraba una impericia de parte del pintor: en realidad, los mórbidos contrastes cromáticos y la utilización de la perspectiva aérea en clave moderna inscriben esta obra entre las obras maestras del siglo XIX. El fondo pintado toscamente carece de profundidad. Esta impresión se refuerza por el uso de una intensa luz ”fotográfica”: de hecho, la iluminación de la escena es inconsistente y nada natural. El estilo de la pintura rompe con las tradiciones académicas de la época. Se considera un cuadro «preimpresionista» por usar un motivo del entorno inmediato del artista. La hechura es conscientemente clásica. Desayuno en la hierba Autor: Edouard Manet Fecha: 1863 Museo: Museo de Orsay Características: 214 x 269´ 9 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

El pífano es una pintura del Édouard Manet realizada en 1866. En la actualidad, se conserva en el Museo de Orsay, en París. Manet lo pintó influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid. En particular, le impresionó “Pablo de Valladolid”, un retrato de un actor de la época en que desaparecen el fondo o cualquier objeto que sirva de referencia, excepto la propia sombra del personaje. Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles. En opinión de Peter H. Feist, “El pífano” muestra la atracción de Manet por “el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran tamaño, contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo”. Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente coloreada en base a una paleta reducida pero de colores vivos, en la que predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera, etc. Como resultado, la figura destaca “firme, armoniosa y viva”. Además, como en Velázquez, Manet retrata también a un personaje anónimo, un adolescente, músico de la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado a Manet por el comandante Lejosne. El pífano, Tocador de pífano Autor: Edouard Manet Fecha: 1866 Museo: Museo de Orsay Características: 161 x 97 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

El balcón es un cuadro de Édouard Manet. Data de 1868 -1869. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo. Actualmente se conserva en el Museo de Orsay de París (Francia). Manet presentó esta obra en el Salón de París de 1869. La tela representa principalmente a Berthe Morisot (a la izquierda), que se convirtió en 1874 en cuñada de Manet. El cuadro, inspirado por las “Majas en el balcón”, de Francisco de Goya , se realizó en la misma época y con la misma intención que “El almuerzo”. Los tres personajes, todos amigos de Manet, parece que no están relacionados entre sí por nada. Berthe Morisot, a la izquierda, con un vestido blanco de gasa y sentada sobre un taburete negro, hace la figura de heroína romántica e inaccesible. La joven violinista Fanny Claus viste igualmente de blanco y tiene accesorios de color verde: la sombrilla y la cofia, blanca pero con una orla verde. Finalmente, el caballero que está de pie detrás de ellas, con un cigarro en la mano, es el pintor paisajista Antoine Guillemet, con una corbata violeta sobre camisa blanca. Los tres parecen vivir en otro mundo. El verde agresivo y audaz del balcón, por otra parte, hizo correr ríos de tinta. En fondo es oscuro, y en él se puede distinguir el contorno de una jarra. Delante, a la izquierda, se ve una maceta de porcelana con rododendros violetas. 1 Muchachas en el balcón Autor: Edouard Manet Fecha: 1868 -69 Museo: Museo de Orsay Características: 170 x 125 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

Diego Velázquez • Diego Rodríguez de Silva y Velázquez conocido como Diego Velázquez nació en Sevilla el 6 de junio de 1599 y murió en Madrid el 6 de agosto de 1660. Fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. • A los once años inicia su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá hasta 1617, cuando ya es pintor independiente. Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores, destacando como obras “El Aguador de Sevilla” o “La Adoración de los Magos”. • Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. • Tras ponerse en contacto con Peter Paul Rubens, durante la estancia de éste en Madrid, en 1629 viaja a Italia, donde realizará su segundo aprendizaje al estudiar las obras de Tiziano, Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. En Italia pinta “La Fragua de Vulcano” y “La Túnica de José”, regresando a Madrid dos años después. • La década de 1630 es de gran importancia para el pintor, que recibe interesantes encargos para el Palacio del Buen Retiro como “Las Lanzas” o los retratos ecuestres, y para la Torre de la Parada, como los retratos de caza. Su pintura se hace más colorista destacando “La Dama del Abanico”, obras mitológicas como “La Venus del Espejo” o escenas religiosas como el “Cristo Crucificado”. • En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como “La rendición de Breda”. En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: “Las Meninas” y “Las Hilanderas”. • Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como “el pintor más grande que jamás ha existido”.

La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo, pintado entre 1634 y 1635 por Velázquez y que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819. El cuadro se pintó (junto con otros doce) para la decoración del denominado Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Este gran palacio, formado por diversos pabellones entre amplios jardines, se construyó anexo al monasterio de San Jerónimo el Real. El Salón de Reinos era la estancia más relevante del conjunto, pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores y demás autoridades extranjeras. A fin de impresionarles con una imagen de poder bélico y económico, se decidió a decorar este gran salón con imágenes de los principales éxitos militares de España. Junto con los cuadros relativos a batallas, se colgó otra serie de pinturas, debidas a Francisco de Zurbarán, sobre los “Trabajos de Hércules”. Para la serie de doce batallas, se convocó a Velázquez y a otros artistas, como Vicente Carducho, Jusepe Leonardo, Juan Bautista Maíno y Antonio de Pereda. Los dos últimos fueron, junto con Velázquez, quienes realizaron los cuadros actualmente más valorados por los críticos. La serie se conserva en el Museo del Prado. Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse. En este sentido, es una ruptura con la tradicional representación del héroe militar, que solía representarse erguido sobre el derrotado, humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de batallas. Velázquez representa con realismo al general Spínola, al que conocía personalmente, pues habían viajado juntos a Italia en 1629. Un realismo semejante, y la caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos. Las Lanzas, La Rendición de Breda Autor: Velázquez Fecha: 1635 Museo: Museo del Prado Características: 307 x 367 cm. Material: Óleo sobre lienzo

Velázquez sólo pinta cinco al acortar la sala. El Cuarto del Príncipe estaba decorado con pinturas mitológicas, realizadas por Martínez del Mazo, que se pueden contemplar al fondo de la estancia. En la composición, el maestro nos presenta a once personas. La escena está presidida por la infanta Margarita y a su lado se sitúan las meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. En la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles, ante un enorme lienzo. En la derecha se hallan los enanos Mari Bárbola y Nicolasillo Pertusato, este último jugando con un perro de compañía. Tras la infanta observamos a dos personajes más: doña Marcela Ulloa y el desconocido guardadamas. Reflejadas en el espejo están las regias efigies de Felipe IV y su segunda esposa, Mariana de Austria. La composición se cierra con la figura del aposentador José Nieto. Las opiniones sobre qué pinta Velázquez son muy diversas. Soehner, con bastante acierto, considera que el pintor nos muestra una escena de la corte. La infanta Margarita llega, acompañada de su corte, al taller de Velázquez para ver como éste trabaja. Nada más llegar ha pedido agua, por lo que María Sarmiento le ofrece un búcaro. En ese momento, el rey y la reina entran en la estancia, de ahí que algunos personajes detengan su actividad y saluden a sus majestades. Esta idea de tránsito se refuerza con la presencia de la figura del aposentador al fondo, cuya misión era abrir las puertas de palacio a los reyes, vestido con capa pero sin espada ni sombrero. La pequeña infanta estaba mirando a Nicolasillo, pero se percata de la presencia de sus regios padres y mira de reojo hacia fuera del cuadro. Algunos autores piensan que el pintor sevillano está haciendo un retrato del Rey y de su esposa a gran formato, por lo que los monarcas reflejan sus rostros en el espejo. Las dos conclusiones más interesantes de Ángel del Campo son las siguientes: las cabezas de los personajes de la izquierda y las manchas de los cuadros forman un círculo, símbolo de la perfección. En el centro de ese círculo encontramos el espejo con los rostros de los reyes, lo que asimila la monarquía a la perfección. Si unimos las cabezas de los diferentes personajes se forma la estructura de la constelación llamada Corona Borealis, cuya estrella central se denomina Margarita, igual que la infanta. De esta manera, la continuidad de la monarquía está en la persona de Margarita. Del Campo se basa para apoyar estas teorías en la gran erudición de Velázquez. Jonathan Brown piensa que este cuadro fue pintado para remarcar la importancia de la pintura como arte liberal. En cuanto a la técnica con que Velázquez pinta esta obra maestra, el primer plano está inundado por un potente foco de luz que penetra desde la primera ventana de la derecha. La infanta es el centro del grupo. Las figuras de segundo plano quedan en semipenumbra, mientras que en la parte del fondo encontramos un nuevo foco de luz, impactando sobre el aposentador. La pincelada empleada por Velázquez no puede ser más suelta y anticipa la pintura impresionista. Predominan las tonalidades plateadas de los vestidos, al tiempo que llama nuestra atención el ritmo marcado por las notas de color rojo que se distribuyen por el lienzo: la Cruz de Santiago, los colores de la paleta de Velázquez, el búcaro, el pañuelo de la infanta… Pero lo que verdaderamente impacta es la sensación atmosférica creada por el pintor es la llamada perspectiva aérea, que otorga profundidad a la escena a través del aire que rodea a cada uno de los personajes y difumina sus contornos. También es interesante la forma de conseguir el efecto espacial, creando la sensación de que la sala se continúa en el lienzo. Como bien dice Carl Justi: "No hay cuadro alguno que nos haga olvidar éste". Las Meninas, La Familia de Felipe IV Autor: Velázquez Fecha: 1656 Museo: Museo del Prado Características: 318 x 276 cm. Material: Oleo sobre lienzo Estilo:

La fragua de Vulcano es una obra de Velázquez realizada después de su primer viaje a Italia en 1629, los críticos están de acuerdo en fechar la obra en 1630 al mismo tiempo que su cuadro "La túnica de José". Actualmente se encuentra en el Museo del Prado donde ingresó el 5 de agosto de 1819. El cuadro describe el momento en que el dios Apolo, con la corona de laurel, visita el lugar donde Vulcano se encuentra fabricando armas para la guerra. El dios Apolo comunica a Vulcano el adulterio de su esposa Venus con Marte, dios de la guerra, por esa razón todos los personajes miran con cara sorprendida al dios que acaba de presentarse en el estudio, incluso alguno de ellos abre la boca y los ojos para indicar este gesto de sorpresa. Velázquez se inspiró para realizar esta obra en un grabado de Antonio Clempesta, modificándolo ampliamente y centró la acción narrativa en el traje de Apolo, mediante un estilo clasicista barroco que no recuerda nada al tenebrismo. Destaca el interés por el desnudo, como influencia de la estatuaria grecorromana y de la corriente clasicista de Guido Reni. De Reni podría provenir también la composición a modo de friso. A Guercino recuerda, por otro lado, los tonos claros de la figura de Apolo. Esta obra la realizó en Roma sin mediación de encargo a instancias del pintor Pedro Pablo Rubens que había visitado España aquel mismo año de 1629. La Fragua de Vulcano Autor: Velázquez Fecha: 1630 Museo: Museo del Prado Características: 223 x 290 cm. Material: Óleo sobre lienzo

Francisco de Goya • Francisco de Goya y Lucientes nació en Zaragoza, el 30 de marzo de 1746 y murió en Burdeos, Francia, el 15 de abril de 1828 fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. Desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. • Goya se desvincula del estilo característico de su tiempo. Quizá su figura sea más atrayente por lo que supone de ruptura. Sus padres formaban parte de la clase media baja de la época. La familia se trasladó a Zaragoza. Allí recibió sus primeras enseñanzas; fue a la escuela del padre Joaquín y parece que acudió a la Escuela de dibujo de José Ramírez. Con doce años estaba en el taller de José Luzán, quien le introdujo en el estilo decadente de finales del Barroco. • En la capital de España se instalará en el taller de Francisco Bayeu, cuyas relaciones con el dictador artístico del momento y promotor del Neoclasicismo, Antón Rafael Mengs, eran excelentes. Durante cinco años permaneció en el taller. • Posteriormente, decidió ir a Italia por su cuenta. En 1771 se presentó en Parma a un concurso en el que obtuvo el segundo premio y a mediados de 1771 estaba trabajando en Zaragoza. • En 1773 Goya contrae matrimonio en Madrid con la hermana de Francisco y Ramón Bayeu por lo que los lazos se estrechan con su "maestro". Los primeros encargos que recibe en la Corte son gracias a esta relación. Su destino sería la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, para la que Goya realizaba bocetos que después se transformarían en tapices. La relación con la Real Fábrica durará 18 años y en ellos realizará sus cartones más preciados: “Merienda a orillas del Manzanares”, “El Quitasol”, “El Cacharrero”, “La Vendimia” o “La Boda”. También realizó otros encargos importantes; en 1780 ingresa en la Academia de San Fernando para la que hizo un “Cristo crucificado”. Y ese mismo año decoró una cúpula de la Basílica del Pilar de Zaragoza. • Regresó a Madrid para trabajar en la recién inaugurada iglesia de San Francisco el Grande por encargo de un ministro de Carlos III. En Madrid se iniciará la faceta retratística de Goya, pero fue en 1783 cuando retrató a toda la familia del hermano menor de Carlos III, el infante D. Luis, sirviéndole para abrirse camino en la Corte, gracias también a su contacto con las grandes casas nobiliarias como los Duques de Osuna o los de Medinaceli, a los que empezará a retratar, destacando la “Familia de los Duques de Osuna”, uno de los hitos en la carrera de Goya. • En 1789, fue nombrado Pintor de Cámara por Carlos IV. Este nombramiento supone el triunfo del artista. Durante 1792 Goya cayó enfermo, quedando sordo para el resto de sus días. Esta dolencia hará mucho más ácido su carácter y su genio se verá reforzado. El estilo suave y adulador dejó paso a una nueva manera de trabajar. Al fallecer su cuñado en 1795 Goya ocupó la vacante de Director de Pintura en la Academia de San Fernando. Este mismo año se iniciará la relación con los Duques de Alba, especialmente con Doña Cayetana, cuya belleza y personalidad cautivarán al artista. De la relación que mantuvo con ella, surge la hipótesis de que Doña Cayetana fuera la protagonista del cuadro más famoso de Goya: la “Maja Desnuda”. • En 1798 el artista realiza la llamada Capilla Sixtina de Madrid: los frescos de San Antonio de la Florida. El contacto con los reyes va en aumento hasta llegar a pintar La Familia de Carlos IV. La “Condesa de Chinchón” será otro de los fantásticos retratos. El estallido de la Guerra de la Independencia en mayo de 1808 supone un grave conflicto interior para el pintor ya que su ideología liberal le acerca a los afrancesados y a José I mientras que su patriotismo le atrae hacia los que están luchando contra los franceses. Este debate interno se reflejó en su pintura, que se hizo más triste, más negra, como muestran “El Coloso” o la serie de grabados “Los Desastres de la Guerra”. Al finalizar la contienda pinta sus famosos cuadros sobre el Dos y el Tres de Mayo de 1808. La Corte madrileña sustituciyó a Goya como pintor de moda por el valenciano Vicente López. Goya inicia un periodo de aislamiento y amargura con sucesivas enfermedades que le obligan a recluirse en una finca en las afueras de Madrid en la que realizará su obra suprema: las “Pinturas Negras”, en las que recoge sus miedos, sus fantasmas, su locura. Le acompañó su ama de llaves, Dª. Leocadia Zorrilla Weis, con quien tendrá una hija, Rosario. De su matrimonio con Josefa Bayeu había nacido su heredero, Francisco Javier. • Aunque viajó a Madrid en varias ocasiones, sus últimos años los pasó en Burdeos donde realizará su obra final, la Lechera de Burdeos, en la que anticipa el Impresionismo.

La maja desnuda es una de las más célebres obras de Goya. El cuadro es una obra de encargo pintada antes de 1800. Luego formó pareja con “La maja vestida”, datada entre 1802 y 1805, probablemente a requerimiento de Manuel Godoy. En esta pintura se retrata de cuerpo entero a una hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho y mirando directamente al observador. No se trata de un desnudo mitológico, sino de una mujer real, contemporánea a Goya, e incluso en su época se le llamó “la Gitana”. Se ha especulado con que la retratada sea la Duquesa de Alba, pues a la muerte de esta en 1802, todos sus cuadros pasaron a propiedad de Godoy, a quien se sabe que pertenecieron las dos “majas”, en forma similar a lo ocurrido con la “Venus del espejo” de Velázquez. Sin embargo no hay pruebas definitivas ni de que este rostro pertenezca al de la duquesa ni de que no hubiera podido llegar la “Maja desnuda” a Godoy por otros caminos. En el diseño de este cuadro el dibujo es decisivo, por ese motivo y por el predominio de una gama cromática fría se nota la influencia del neoclasicismo, si bien Goya va mucho más allá. Aunque se ubica dentro de la estética del neoclasicismo, esta obra de Goya es audaz y atrevida para su época, como audaz es la expresión del rostro y actitud corporal de la modelo, que parece sonreír satisfecha y contenta de sus gracias. Más aún, es la primera obra de arte (conocida) en la cual aparece pintado el vello púbico femenino, lo cual resalta el erotismo de la composición. Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, que contrasta con el resto del ambiente, y junto a esa luminosidad la típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos. Si en la cultura occidental hasta Goya y desde hacía siglos casi siempre se recurría a subterfugios para representar a la mujer desnuda, en la “Maja desnuda” tenemos a una mujer real. Es notable que, aún dentro de la típica fuerza de las pinceladas que caracterizan a Goya, el artista se ha esmerado en el tratamiento de las carnaduras y sombreados acompañadas por la figuración sutil de las telas, la coloración se hace con un minucioso juego de verdes que contrasta con blancos y rosados, de este modo la maja casi parece suspendida mediante su brillo y delicadeza. Maja desnuda Autor: Francisco de Goya y Lucientes Fecha: 1800 Museo: Museo del Prado Características: 97 x 190 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo:

Saturno devorando a sus hijos es una de las Pinturas Negras realizadas por Goya más desgarradoras y trágicas. Goya, igual que hizo Rubens en su “Saturno” para la Torre de la Parada, ha elegido el momento en que el dios del tiempo desgarra el cuerpo de su hijo para que ninguno pudiera destronarle. Pero Júpiter escapó al rito antropófago de su padre y consiguió acabar con su tiranía. Un espacio totalmente oscuro rodea la figura del dios, en la que destaca su deformidad y su rostro monstruoso. Es una magnífica representación de como el tiempo lo devora todo, una de las obsesiones del pintor. La restauración que sufrió la obra al ser pasada del muro al lienzo fue bastante libre y decepcionante, aunque hay que advertir que había perdido grandes zonas de pintura, sobre todo en los ojos. La mayor parte de los expertos coinciden en plantear que la avanzada edad de Goya motivaría una decoración en la que primaba la melancolía y la tristeza por el tiempo pasado, aunque también se hagan referencias al presente. Incluso se ha llegado a ver en esta escena una imagen de Fernando VII devorando a su pueblo. Saturno devorando a un hijo Autor: Francisco de Goya y Lucientes Fecha: 1820 -23 Museo: Museo del Prado Características: 146 x 83 cm. Material: Óleo sobre lienzo

Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes es un óleo de tema histórico que Goya presentó a un concurso de pintura convocado por la Academia de Parma el 29 de mayo de 1770. La obra se encuentra en la Fundación Selgas-Fagalde sita en El Pito (Cudillero, Asturias) Goya marchó a Italia, sufragándose el viaje por sus propios medios, en 1770 con el objeto de aprender de los grandes maestros italianos. En una de sus estancias, en Parma, decide presentarse a un concurso cuyo tema era obligatorio y consistía en representar en un cuadro a Aníbal vencedor contemplando por primera vez Italia desde los Alpes. En efecto, el cuadro muestra a Aníbal erguido en actitud dinámica, girado el cuerpo hacia un ángel (o genio) que le señala el paisaje Italiano, desde un otero rocoso, y alzándose la visera del yelmo. A su lado izquierdo hay un jinete abanderado y tras él un cielo nuboso del que baja la Victoria en su carro, con la mano en la rueda (posible alusión a la cambiante Fortuna) que porta una corona de Laurel. Parte de la caballería de Aníbal comienza a bajar hacia el valle al extremo derecho del cuadro y al fondo y en la izquierda se vislumbra una batalla. En primer término y de espaldas, contemplando y enmarcando la composición, aparece un robusto cuerpo humano con cabeza de buey, alegoría del río Po, que vierte un recipiente de donde manan las fuentes de este río, como prescribía la representación de la Lombardía en la figuración iconológica de Cesare Ripa. La composición inicial pudo inspirarse en el bajorrelieve de José Arias. En este concurso, en la modalidad de pintura tomó Goya parte tembién, por lo que es muy probable que el aragonés hubiera tomado apuntes del relieve de Arias que luego reutilizó en el diseño del personaje de Aníbal (enormemente coincidente, incluso en la postura con el Trajano que centra la composición del escultor) y en las líneas generales de la composición del cuadro. En cuanto al cromatismo, dominan los azules suaves, los rosas y el gris perla, lo que se ha visto como expresión del carácter clásico e irreal de la escena, que adquiere así tintes heroicos. Aníbal contemplando Italia Autor: Francisco de Goya y Lucientes Fecha: 1771 Museo: Colección Particular Características: 33 x 40´ 5 cm. Material: Oleo sobre lienzo

Pablo Picasso • Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881 y murió en Mougins, Francia, el 8 de abril de 1973. Fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. • Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. • En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte. • Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial. Nació en Málaga, ciudad en la que su padre era profesor de Dibujo y director del Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso pronto se trasladó a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo. • Al regresar a Barcelona, empezó a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que había conocido o cuya obra había visto. Era una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. • La pintura de los años iniciales del siglo XX estaba viviendo continuos cambios y Picasso no podía quedarse al margen. Así que se interesó por Cézanne y partiendo de él desarrolló una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento la imaginación se hace dueña del arte. Picassso era el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesaban por el cubismo, él se preocupaba por el clasicismo de Ingres; durante una temporada llegó a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas. • El movimiento surrealista de 1925 le sirvió como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. A Picasso, como a Goya, le influyó mucho su situación personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, afectaron a su obra. Pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas.

Las señoritas de Avignon es un cuadro de Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Este cuadro es la referencia clave para hablar del cubismo. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro -oscuras. Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su “Visión del Apocalipsis”. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra. Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y los críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial. Se expuso en la Galerie d’Antin (París) en 1916, tras lo cual Picasso la guardó en su estudio, hasta que fue exhibida en 1925 en el Petit Palais. Poco tiempo después el cuadro fue comprado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde es una de las piezas más preciadas de la colección. Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y una nueva etapa en la pintura del siglo XX. Les Demoiselles d´Avignon Autor: Picasso Fecha: 1907 Museo: Museo de Arte Moderno de Nueva York Características: 245 x 235 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Cubismo

Guernica es un famoso cuadro de Picasso, pintado en 1937. El título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la República Española para se expuesto en plena Guerra Civil Española. En la década de 1940, con el régimen dictatorial del general Franco, Picasso dejó que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid. Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos. No es un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises. La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el “Guernica”. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara. En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes: Guernica Autor: Picasso Fecha: 1937 Museo: Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía" Características: 351 x 782 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Cubismo

En el invierno de 1906, antes de partir para Gosol, Picasso realizará dos retratos cumbres en su producción del periodo primitivista, antes de dar el salto al cubismo. Se trata del retrato de Gertrude Stein y del Autorretrato con paleta que contemplamos. Si observamos con detenimiento ambos retratos, podemos comprobar que los rostros de los dos personajes están relacionados. La razón debemos encontrarla en el empleo de las máscaras ibéricas como fuente, marcando la mandíbula y las orejas al tiempo que las sombras bajo la mejilla y la barbilla se interrumpen de manera brusca. El cuerpo es volumétrico, casi arquitectónico, definido gracias a intensas líneas de color negro. Sin embargo, el resto de la composición pertenece claramente al periodo rosa como podemos apreciar en la postura frontal de la figura o el colorido empleado, jugando con tonos rosas, azules, blancos y grises. Los ojos abiertos del artista parecen indicar la expectación sobre lo que pronto va a llegar: la revolución cubista. Autorretrato con la paleta en la mano Autor: Picasso Fecha: 1906 Museo: Museo de Arte de Filadelfia Características: 92 x 73 cm. Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Cubismo

Paul Rubens • Peter Paul Rubens nació en Siegen, Alemania, el 28 de junio de 1577 y murió en Amberes, Bélgica, el 30 de mayo de 1640. Fue el pintor barroco más popular de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Se calcula que llegó a pintar unos 3. 000 cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller. Rubens dominaba diversas lenguas y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas. • En 1570 tuvo que huir por motivos religiosos y se refugió en Colonia, en Renania del Norte-Westfalia (Alemania). En 1578, con la muerte de la princesa Ana de Sajonia, se le permitió volver a residir en Colonia, donde posiblemente, Rubens inició su formación artística. • En 1589, dos años después de la muerte de Jan, padre de Paul, la madre de Rubens regresó a Amberes, donde practicaron el catolicismo y él prosiguió con su formación. Estudió latín, alemán, español y francés, pero las penurias económicas de la familia le obligaron a abandonar los estudios y entró como paje al servicio de la condesa de Lalaing. Se cree que tuvo dos maestros de pintura, Adam van Noort y Otho van Vaenius. • De sus obras de juventud, existe una llamada de muchos nombres: “Retrato de un joven sabio”, “El relojero” y “El hombre de veintiséis años”. Es una pintura al óleo sobre una plancha de cobre que se encuentra en una colección particular de Nueva York. • Rubens obtuvo el grado de maestro en el gremio de San Lucas. Además, existe un certificado de "buenas costumbres y de buena salud" que data del 8 de mayo de 1600, que el artista pidió para poder realizar un viaje a Italia. • En 1600 estuvo en Venecia, Italia, donde obtuvo el cargo de pintor de la corte del Duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga. Su cargo le obligaba a ejecutar los retratos del duque y su familia, copiar las pinturas de grandes artistas que deseara el duque y cuidar de la decoración de sus palacios. Los Gonzaga tenían la fama de ser unos grandes amantes de las artes y unos buenos mecenas, por lo que Rubens se encontró con gran cantidad de obras importantes de grandes maestros italianos como Tiziano, Paolo Veronese y Tintoretto; también algunos como Annibale Carracci y Caravaggio considerados ya del incipiente estilo barroco. • Por orden de su mecenas Rubens se trasladó a Roma para adquirir objetos antiguos y hacer copias de otros pintores. En Roma se sabe que realizó tres cuadros, encargados por el príncipe Alberto de Austria, regente de los Países Bajos, que debían ser dados en la Basílica de la Santa Cruz de Jerusalén en Roma. Estos cuadros formaban parte de un tríptico formado por: “La invención de la Santa Cruz por Santa Elena”, “La Coronación de espinas” y “La Elevación de la Cruz”. • El 5 de marzo de 1603 viajó a España para entregar unos regalos enviados por el duque de Mantua al rey Felipe III de España y a su ministro el Duque de Lerma. Durante su estancia en Madrid se le encargó la realización de varias pinturas sobre bustos de apóstoles, actualmente conservados en el Museo del Prado. Entre las obras realizadas destaca el “Retrato ecuestre del Duque de Lerma”.

Al poco de llegar a Amberes procedente de Italia, Rubens recibe su primer encargo importante: el retablo de la Erección de la Cruz destinado al altar mayor de la iglesia de Santa Walpurgis. Cornelis van der Geest, un rico e influyente comerciante, encargó la obra, estableciendo una estrecha relación con el pintor. A pesar de que el encargo debía presentar la estructura de un tríptico en el que se incluyeran imágenes de santos y episodios de sus vidas, el pintor flamenco resolvió acertadamente el envite al trasladar estos temas a las alas exteriores para realizar una composición unitaria en las tres tablas, ocupando el espacio central el episodio principal, siguiendo las directrices de la Contrarreforma. Rubens realizó un boceto preparatorio que se conserva en el Museo del Louvre donde encontramos significativas diferencias respecto a la obra definitiva. El maestro flamenco tomó como referencia compositiva la Crucifixión de Tintoretto. La potente anatomía de los sayones y sus escorzadas posturas están inspiradas en la estatuaria clásica y en Miguel Angel, dos de sus fuentes favoritas. Para el claroscuro debemos buscar la inspiración en Caravaggio, pintor italiano que debió conocer en Roma. Con estas diversas fuentes, Rubens crea una obra difícilmente superable, en la que la violencia, la tensión y el dramatismo están contenidos de manera espectacular. La composición se organiza con una acentuada diagonal típica del Barroco, que se proyecta desde el fondo del espacio pictórico hasta el plano del espectador, precipitándose hacia ese plano dos de los sayones. Los gestos de tensión se convierten en otro foco de atención, especialmente el rostro de Cristo. Los ojos de Jesús se dirigen hacia la parte superior de la escena, concretamente hacia las estatuas de Dios Padre y los ángeles que remataban el retablo original, donde se había estudiado especialmente el efecto que causaría ya que el altar se elevaría por diecinueve escalones. En la actualidad, el retablo se puede contemplar junto al Descendimiento de la cruz en el transepto de la catedral de Amberes. La erección de la Cruz Autor: Peter Paul Rubens Fecha: 1610 -11 Museo: Catedral de Amberes Características: 462 x 300 cm. Material: Óleo sobre tabla Estilo: Barroco Centroeuropeo

Para el altar mayor de la catedral de Amberes Rubens pintó la “Asunción de la Virgen” entre 1624 y 1627, la interpretación más interesante de las realizadas por el maestro. En 1618 Rubens es invitado a presentar dos modelos a las autoridades eclesiásticas y un año después firma un contrato con el deán Johannes del Rio. En el proyecto se planteaba la realización de un altar donde se integrarían la escultura y la pintura, ya que Dios Padre estaría esculpido sobre el cuadro. Jan y Robert de Nole fueron los encargados de la ejecución del marco escultórico. Rubens se puso a trabajar en el cuadro hacia 1624 pero, con motivo de la epidemia de peste que asoló Amberes, abandonó la ciudad en agosto del año siguiente, regresando en febrero de 1826. En este momento fue autorizado a pintar su obra in situ, finalizándola un año más tarde. Tomando como referencia la magnífica Asunción pintada por Tiziano para la iglesia de Santa Maria dei Frari de Venecia, el maestro flamenco crea una obra maestra protagonizada por el momento de la asunción de María, rodeada de una amplia corte de ángeles. Dos de ellos proceden a coronarla con flores. En la zona terrenal, formando un grupo compacto, dos mujeres examinan el sarcófago vació mientras que algunos de los apóstoles dirigen su mirada al cielo, especialmente la figura de San Juan que ocupa la zona izquierda de la composición, sirviendo de enlace entre el mundo terrenal y el celestial al tocar con su brazo una de las piernas del querubín; otros discípulos se abalanzan sobre el sarcófago para comprobar el milagro. Las tonalidades rojas, doradas y azules de los ropajes de los discípulos se reflejan en el grupo de ángeles y en la túnica de la Virgen. Las pinceladas son más rápidas y fluidas, creando un efecto atmosférico de clara inspiración veneciana. Asunción de la Virgen Autor: Peter Paul Rubens Fecha: 1624 -27 Museo: Catedral de Amberes Características: 490 x 325 cm. Material: Óleo sobre tabla Estilo: Barroco Centroeuropeo

Las típicas escenas de aldeanos flamencos fueron protagonistas de algunas obras de Rubens. Un grupo de hombres y mujeres de la campiña flamenca danza al son de la música de un flautista que se ha subido al árbol. Un perro refuerza el ritmo frenético de la composición corriendo alrededor de los aldeanos. Posiblemente se trate de una de las escenas más frescas y alegres de las que pintó el maestro, iluminada por una luz de atardecer que inunda todo el escenario. Los escorzos de las figuras, vestidas con ropajes de vivos colores, son marca característica de Rubens. El realismo con el que ha captado el momento hace que los espectadores se animen a integrarse en la danza, participando así de la fiesta a la que el pintor nos invita. La “Kermese” del Louvre también responde a las características de esta gran obra, en la que observamos un interesante contraste con el Jardín del Amor. Danza de Aldeanos Autor: Peter Paul Rubens Fecha: 1635 Museo: Museo del Prado Características: 73 x 106 cm. Material: Óleo sobre tabla

Caravaggio • • • • Michelangelo Merisi da Caravaggio nació en Milán el 29 de septiembre de 1571 y murió en Porto Ércole el 18 de julio de 1610. Fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. La cercanía con las familias Colonna y Sforza, ayudaron más tarde a Caravaggio en su carrera. Tras concluir su aprendizaje comenzó a moverse en el circuito Milán-Caravaggio, y probablemente visitó Venecia, donde debió conocer las obras de Giorgione y de Tiziano. Su familia le mostró el patrimonio artístico y cultural de Milán, su ciudad natal. . Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó a Roma. Caravaggio pintó varios cuadros durante esa época, entre los que se incluyen “Muchacho cogiendo fruta” (su primera pintura conocida), “Cesto con frutas” y “Baco”. Estas tres obras demuestran una particularidad física, por el cual Caravaggio adquirió renombre: las frutas de la canasta en “Cesto de frutas”. , Caravaggio abandonó el taller de Cesari en 1594, decidido a abrirse paso por su propia mano. “La buenaventura” es su primera composición con más de una figura. Este tema fue un poco nuevo para la sociedad romana. “Los jugadores de cartas” es psicológicamente más compleja que sus anteriores obras y por ello fue considerada como su primera obra maestra. Al igual que “La buenaventura”. Más importante aún, fue atraída por el patronato del cardenal Francesco María Del Monte, en Roma. Para el cardenal y su círculo amante del arte, Caravaggio ejecutó un gran número de obras de cámara, como “Los músicos”, “Apolo tocando el laúd”, “Chico mordido por una lagartija”. Caravaggio adquiere una nueva forma de realismo, pues por primera vez le son encargados trabajos religiosos. La contrarreforma necesitaba adornar sus templos, y Caravaggio fue uno de los comisionados para ilustrar sus nuevos templos. La primera de estas pinturas fue “Magdalena Penitente”, en la que muestra a la pecadora bíblica abandonando su vida de cortesana y sentándose a llorar en el piso. En 1599, presumiblemente bajo la influencia del cardenal Del Monte, Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesia romana de San Luis de los Franceses. Los dos trabajos hechos para este encargo fueron: “El martirio de San Mateo”, y “La vocación de San Mateo”, entregados en 1600. El tenebrismo se mostró una vez más en estos trabajos, aumentando el claroscuro y un realismo barroco muy emocional. Fue criticado por su excesivo realismo. Mientras que algunos de los pintores italianos aclamaron a Caravaggio por estas obras, que lo encumbraban. Justo en ese año surgió el primer gran escándalo de su carrera: Caravaggio debía pintar a San Mateo inspirado para escribir su evangelio, junto a un ángel que supuestamente le dictaría las divinas enseñanzas. Pero Caravaggio representó al santo como un hombre viejo, parecido a un jornalero, con la frente arrugada y sosteniendo torpemente el libro, como si estuviese cansado. El ángel fue pintado como un adolescente que llevaba la mano de Mateo cual maestro que enseña a escribir al alumno. La obra fue rechazada por el clero y el pueblo. Caravaggio debió pintarla de nuevo. De forma similar, “La conversión de San Pablo” tampoco fue aceptada. Otros trabajos incluyen El entierro de Cristo, la “Madonna de Loreto”, “Madonna con el niño y Santa Ana” y la “Muerte de la Virgen”. “La muerte de la Virgen”, fue comprada por el Duque de Mantua por consejo de Rubens, como un obsequio para el monarca Carlos I de Inglaterra. Finalmente entró en la corte francesa en 1671. Caravaggio tuvo una vida tumultuosa. Con una gran capacidad de enfrascarse en riñas. En 1606 mató, probablemente por accidente, a un hombre llamado Ranuccio Tomassoni. Con una orden de aprehensión a sus espaldas, Caravaggio huyó a Nápoles. Ahí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Pronto se convirtió en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó “Siete acciones de misericordia” y la “Madonna del Rosario”, entre otros. Luego de este suceso, Caravaggio marchó a Malta. Los principales trabajos de esta época fueron “La degollación de San Juan Bautista” y “Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt”. Las circunstancias que rodean al brusco cambio de fortuna del pintor no han sido reveladas del todo, pero se señala que se debió a una riña callejera en la que una casa resultó con serios daños y un caballero fue herido de gravedad. Fue expulsado de la Orden. Luego Caravaggio se asentó en Sicilia. Continuó realizando trabajos bien pagados, como “La sepultura de Santa Lucía”, “La resurrección de Lázaro” y “La adoración de los pastores”. Su estilo siguió evolucionando, con la particularidad de que ahora se mostraban en sus cuadros figuras aisladas ante un enorme vacío. Después de nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles. Ya había obtenido perdón, gracias al nuevo Papa, el cardenal Camilo Borghese y pudo regresar a Roma. En Nápoles realizó “La negación de San Pedro” y “El martirio de Santa Úrsula”, su última pintura. Nuevamente, el estilo de Caravaggio evolucionaba. En Nápoles fue víctima de un intento de asesinato. Al recuperarse pintó “Salomé sostiene la cabeza de Juan el Bautista”, mostrando su propia cabeza en el plato, En ese mismo tiempo pintó “David con la cabeza de Goliat”. Una de sus obras más conocidas de la época es “La negación de San Pedro”.

La Muerte de la Virgen es una obra maestra de Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año 1606 y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París. Es un lienzo de gran tamaño representando la muerte de la Virgen María. Este cuadro se realizó en un tiempo en que el dogma de la Asunción de María no se había enunciado formalmente ex cátedra por el papa. Aunque su asunción en cuerpo y alma sea un dogma, no hay evidencia documental en relación con la muerte de la Virgen. La pintura recuerda al “Entierro de Cristo” en el Vaticano en cuanto a su tamaño, sobriedad y el naturalismo fotográfico. Su naturalismo es típico de la Contrarreforma. Las figuras casi tienen tamaño real. El centro de atención del cuadro es la figura de la Virgen María, representada de manera muy parecida a una mujer del pueblo, sin atributos místicos, evidenciándose su santidad sólo en el halo. Por otro lado, la María de Caravaggio sí está muerta. No representa una asunción sino su muerte, con la mano apuntando al suelo. Sus contemporáneos acusaron a Caravaggio de usar como modelo de la Virgen a una prostituta. Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los Apóstoles. En primer plano, María Magdalena llora sentada en una simple silla, con la cabeza entre las manos. Los Apóstoles, a su alrededor, también se muestran entristecidos, pero no mediante expresiones exageradamente emotivas, sino ocultando los rostros. Caravaggio, maestro de los lienzos oscuros y tenebristas, no está interesado en un ejercicio manierista que capte la variedad de emociones. Los gemidos discurren en un silencio emocional sin rostro. El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro, y el que se arrodilla, a su lado, quizá sea Juan el Evangelista. La escena transcurre en un ambiente humilde. Los colores son muy oscuros, con los únicos toques luminosos del rojo de la ropa de la muerta y un gran telón rojo que pende por la parte superior del lienzo, motivo usual en un cuadro fúnebre. Nada hay en este cuadro que revele la naturaleza sagrada de su tema. Su tratamiento es naturalista, incluso brutal y de gran crudeza, lo que motivó su rechazo. Para comprender el cuadro se ha de tener presente que Caravaggio estaba próximo a las posiciones pauperísticas de muchos movimientos religiosos contemporáneos, como los Oratorianos. La Virgen es retratada como una joven, porque representa alegóricamente la Iglesia inmortal, mientras que el vientre hinchado, simboliza la gracia divina de la que está "grávida". Se trata de una obra trascendental dentro de la historia de la pintura. El tema sagrado se ha despojado de todo manierismo e irrealidad. Los personajes se representan según modelos del natural, personas del pueblo, y se iluminan de manera tenebrista. Representa de manera realista el dolor de la pérdida de un ser querido. Muerte de la Virgen Autor: Caravaggio Fecha: 1605 -06 Museo: Museo Nacional del Louvre Características: 369 x 245 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano

La negación de San Pedro es uno de los últimos cuadros de Caravaggio. Actualmente se exhibe en Nápoles. En el claroscuro, dos mujeres señalan con sus dedos a Pedro, mientras que un soldado completa el trío. De esta manera, Caravaggio representó simbólicamente las tres negaciones de Pedro hacia Cristo. Caravaggio, en esta obra de sus últimos años, ha sintetizado hasta su máximo extremo la narración de la escena. Resulta difícil identificar el tema, la Negación de San Pedro, que solamente puede rastrearse en los gestos de los personajes. Éstos se han visto reducidos a tan sólo tres, Pedro, una mujer y un soldado. Además, están captados de medio cuerpo y se encuentran aislados de cualquier referencia paisajística o arquitectónica. Así pues, como decíamos, tan sólo los gestos y las expresiones nos permiten establecer que se trata de la Negación: San Pedro, como un viejo vestido con una túnica pobre y el manto marrón, se señala con gesto sorprendido y dice algo con energía, al tiempo que evita la mirada del soldado. La mujer se dirige al soldado y señala a Pedro, identificándole como seguidor de Cristo. La figura del soldado queda totalmente en la oscuridad. Destaca la coraza y el casco, a la moda romana del siglo XVII. Negación de San Pedro Autor: Caravaggio Fecha: 1609 -10 Museo: Shickman Gallery Características: 94 x 125 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano

Salomé con la cabeza de Juan el Bautista es un cuadro de Caravaggio, realizado en 1607. El cuadro muestra a Juan el Bautista tras ser decapitado, algo muy común en la pintura barroca italiana. Salomé, con un aire de frialdad, siente haber cumplido su misión. Ensangrentada, la cabeza del Bautista no es otra que la del propio Caravaggio. El tema de la decapitación de San Juan Bautista es muy frecuente en la pintura del Barroco, así como la aparición junto al mártir de la princesa Salomé. Sin embargo, no es tan usual la manera de presentar a los personajes: Salomé lleva la bandeja con la cabeza del santo, pero está con una expresión de vacío absoluto, ligeramente apartada del tema y sin dar muestras de repulsión, alegría o arrepentimiento. Simplemente está ausente de lo que ha ocurrido. Por contra, el verdugo no muestra la frialdad que exige su profesión, sino que mira con expresión concentrada y adusta la cabeza del muerto. En su mirada podemos encontrar reprobación. Pero además aparece un tercer personaje no identificado, una vieja que retuerce sus manos ante el asesinato consumado. Se ha creído que hace referencia al destino o a las parcas que cortan los hilos de la vida del hombre, pero nada es seguro. Caravaggio repite el modo de ejecución de gran parte de su pintura, con fondos extremadamente oscuros que se pierden, contra los que se recortan las figuras, muy iluminadas. Salomé con la cabeza del Bautista Autor: Caravaggio Fecha: 1607 Museo: National Gallery de Londres Características: 91´ 5 x 107 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano

Tiziano • Tiziano Vecellio o Vecelli, nació en Pieve di Cadore, Belluno, en 1477 y murió en Venecia, el 27 de agosto de 1576. Fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió drásticamente. • En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental. • Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los 18 años para integrarse en la escuela de Giorgione. • La concepción poética de la pintura de éste dejó una profunda huella en Tiziano, como resulta evidente en todas sus obras de juventud, y muy especialmente en la enigmática alegoría “Amor sagrado y amor profano”, lienzo con el que se consagra como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje. Con anterioridad había colaborado con Giorgione en la realización de los frescos de la fachada del Fondaco dei Tedeschi y había realizado en Padua los “Milagros de san Antonio”. No tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia y fue nombrado pintor oficial de la República. • El artista comenzó la parte más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y contrastados y figuras poderosas, como “La Asunción” o el “Retablo Pesaro” para Santa Maria dei Frari. Son obras que muestran una gran vitalidad. Los mismos esquemas dinámicos se repiten en las obras mitológicas de este período, como “La bacanal” o “Baco y Ariadna”. Por entonces, Tiziano se reveló también como un gran retratista, con obras como el llamado “Ariosto”, en las que establece un esquema nuevo. • Hacia 1530, perdió a su esposa, y seguramente como consecuencia del impacto emocional que ello le causó, su estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas, y hacia colores mucho más claros y complementarios. Recibió encargos de Carlos I de España y Francisco I de Francia, monarcas a los que retrató en obras magistrales. Carlos I quedó tan entusiasmado con el arte de Tiziano que lo nombró pintor de la corte. También los príncipes italianos solicitaron sus servicios, y así para el duque de Urbino pintó la famosa “Venus de Urbino”. • Entre 1545 y 1546, Tiziano realizó un viaje a Roma, que supuso el punto de partida hacia un nuevo tratamiento del color a base de pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas. Entre 1548 y 1562 fue reclamado por Carlos I y luego por su hijo Felipe II, para quien, además de retratos, realizó una serie de cuadros de tema mitológico. • Su última obra documentada es la “Piedad de Venecia”, que presenta ciertas afinidades con el manierismo. La grandeza de Tiziano como pintor, su fama de artista inimitable y la gran influencia que ejerció sobre sus coetáneos y sucesores contrastan con su carácter de hombre avaricioso y que se servía en ocasiones del engaño para obtener ventajas.

La Asunción de la Virgen es un cuadro de Tiziano. Fue acabada en 1518. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia. Es un retablo monumental, el de mayor tamaño de la ciudad de Venecia, y está dedicado a la Asunción de María. La pintura muestra diferentes acontecimientos en tres capas. En la inferior están representados los Apóstoles, con los brazos alzados hacia el cielo, con la excepción de san Pedro, cuyos brazos están cruzados. Miran a la Virgen María, vestida de azul y rojo, que está volando entre ellos y Dios, en pie sobre una nube y está rodeada de querubines celebrando y bailando. Junto a Dios, que la está esperando, hay otro querubín sosteniendo la corona de la Gloria Santa. En este cuadro, Ticiano rompe con la dulzura y el tonalismo de Giorgione. Se nota la influencia de Miguel Ángel en la figura de Dios Padre, y la de Rafael Sanzio en la composición piramidal. Los tres planos están unidos por un efecto de luz insólito. Los personajes están representados en movimiento, con posiciones distintas: de frente, de espaldas o en escorzo. Asunción Autor: Tiziano Fecha: 1517 Museo: Iglesia de Santa María dei Frari (Venezia) Características: 690 x 360 cm Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

En 1516 Tiziano inicia una estrecha relación con Alfonso d´Este, el duque de Ferrara, quien encargará al pintor algunos cuadros de la Cámara de Alabastro para su castillo de Ferrara. Durante cuatro años Tiziano realizó tres cuadros mitológicos: la “Ofrenda a Venus”, la “Bacanal” y el “Baco y Ariadna”. Ariadna era hija del rey Minos y fue ella quien dio a Teseo el hilo con cuya ayuda el héroe ateniense consiguió escapar del laberinto. El héroe y la joven huyeron de Creta pero Teseo abandonó a Ariadna en el litoral de la isla de Naxos. Cuando ella descubrió que había sido abandonada rompió a llorar siendo escuchada por Baco, que se apiadó de ella. El dios del vino se enamoró de ella y la tomó por esposa. Cuando ella falleció, Baco recuperó la corona de oro que le regalara y la convirtió en estrella. En este cuadro podemos contemplar el momento en el que el cortejo de Baco llega ante Ariadna. Una carroza tirada por tigres, danzantes, sátiros y músicos forman el cortejo mientras que el dios aparece en la zona del fondo, subido a una mula. Ariadna se sitúa en la izquierda, haciendo un primer gesto de desprecio. En la zona de la derecha encontramos al Laoconte con las serpientes rodeando su cuerpo. Las figuras están integradas a la perfección en el paisaje, y hay una sensación de fuerza y tensiónl. El color y la luz serán una crean una acertada sensación de movimiento y alegría que provoca la integración del espectador en la escena. Las tonalidades brillantes, las calidades de las telas, el detallismo en algunas zonas son elementos que identifican el estilo tizianesco de estos años iniciales de la década de 1520. Baco y Ariadna Autor: Tiziano Fecha: 1520 -22 Museo: National Gallery de Londres Características: 175 x 190 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

Retrato de hombre llamado El hombre del guante, es un cuadro ejecutado por el Tiziano hacia 1520 -1523. Se trata de un óleo sobre lienzo. Actualmente se exhibe en el Museo del Louvre de París, Francia. Se trata de un retrato, género en el que Ticiano consiguió crear un nuevo tipo, en el que la hondura psicológica venía dada por la atención que prestaba a la expresión del retratado. Contribuye así al desarrollo del retrato psicológico. En este caso es un joven aristócrata, representado con gran sencillez. La elegante apariencia, con el toque refinado de los guantes de piel y el cabello, cuidadosamente peinado, sugieren que se trataba de un aristócrata en torno a los veinte años, seguidor de la moda veneciana de la época. El retratado está sentado frente al espectador y se apoya en un bloque de mármol. El rostro está vuelto hacia un lado. La camisa blanca ilumina el rostro. En la pechera se distingue un colgante de color rojo con un zafiro y una perla. El resto de la vestimenta y el fondo son oscuros, concentrándose toda la atención en el rostro. Se aprecia la influencia de Giorgione en el rostro soñador, y la de Leonardo en el realismo de las manos, en las que se aprecian los tendones y las venas. Tiziano concentra su interés en los dos elementos que permiten apreciar la personalidad del modelo: la mirada y las manos. La mirada del hombre se dirige hacia la derecha, en la misma dirección que señala el dedo de su mano desnuda. Una mano está enguantada y sostiene el guante de la otra. Los guantes castaños están representados de manera minuciosa. El peso de la composición cae totalmente al lado inferior derecho de la pintura. Hombre con un guante Autor: Tiziano Fecha: 1520 -22 Museo: Museo Nacional del Louvre Características: 100 x 89 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

Paul Cézanne • Paul Cézanne nació el 19 de enero de 1839 y murió el 22 de octubre de 1906. Fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Hasta 1895, expuso de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores» ignorado, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación. • Instaló su primer estudio en la casa de campo de su padre, hasta que en 1861 su madre y su hermana le apoyaron para reunirse en París con su amigo Zola, que se había trasladado allí un año antes. Una vez en la capital francesa, se inscribió en la Academia Suiza para preparar el examen de ingreso en la de Bellas Artes. En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez. • Sintiéndose incapaz de pintar, regresó a Aix, pero en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura. Allí reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Pissarro. Gracias al contacto con este último, Cézanne daría un giro radical en su estilo. • En 1886 su obra fue rechazada por el Salón de Otoño por vez primera, lo que se repetiría una y otra vez hasta el final de sus días. Conoció por entonces a la modelo Hortense Fiquet, de la que tendría un hijo, y se trasladó con ella a L´Estaque, localidad en la que pintó paisajes y bodegones en los que se aprecia una mayor fluidez y vivacidad de los colores debido a la influencia de los impresionistas. • Se convenció de la importancia de pintar al aire libre, y, tras volver nuevamente a París en 1872, realizó una colección de paisajes en Louveciennes junto a Pissarro y otros artistas que inauguraron su período impresionista. En 1878 se estableció casi permanentemente en Provenza, alcanzando la madurez expresiva que iba a configurar uno de los estilos más representativos e influyentes del arte del siglo XX. • Llevó a cabo su actividad pictórica en una reclusión casi total, acentuada por la ruptura con su antiguo amigo Zola. En 1886 murió su padre y Cézanne abandonó a su esposa y a su hijo en París, pasando a instalarse en Aix. Cézanne continuó con su actividad prácticamente en el anonimato, hasta que en 1895 el marchante Ambroise Vollard organizó, con el apoyo de Pissarro, Renoir y Monet, una exposición sobre su obra que fue bien recibida por la crítica, lo que le abrió las puertas del Salón de los Independientes cuatro años más tarde. • El primer Salón de Otoño de 1904 le dedicó una sala de forma exclusiva. Dicha exposición confirmó a Cézanne como el padre de cubistas y fauvistas, y ejerció un gran impacto sobre artistas como Picasso, Braque o Dérain. • La tendencia constructivista de Cézanne fue la semilla que germinó en el movimiento cubista, . Compaginó así el estilo directo y vivaz del impresionismo con la precisión en la composición, el ritmo y la cadencia en un intento de solidificar el impresionismo.

Los jugadores de cartas es un cuadro del Paul Cézanne. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado entre 1889 y 1892. Actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia. Sobre el tema de la partida de cartas, Cézanne pintó cinco cuadros diferentes entre 1890 y 1896. Comenzó la tela estando en Suiza y la acabó en Aix-en-Provence. Este lienzo pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que Cézanne produce sus principales lienzos. Es un periodo en que Cézanne fue invitado a exponer con el grupo Les XX en Bruselas y, más tarde, celebró su primera exposición en París. Todos los volúmenes están definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. Son dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz, Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en una escena de vida. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo del ojo del jugador de la derecha. Pinta con la técnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la izquierda. éste lleva un sombrero de forma cilíndrica. En el cuadro, Cézanne no proporciona sólo una impresión, sino también una descripción del sentido interno de la acción, como si fuese la síntesis destinada a permanecer en la mente bajo la forma del recuerdo. Jugadores de cartas Autor: Paul Cézanne Fecha: 1890 -95 Museo: Museo de Orsay Características: 47 x 57 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo

Las grandes bañistas es un cuadro de Paul Cézanne. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1906. Se encuentra en el Museo de Arte, Filadelfia, Estados Unidos. Es la tela más grande jamás pintada por Cézanne. La trabajó durante siete años en el estudio que tenía en Lauves, y es la más trabajada de las versiones del tema de los bañistas, tratado reiteradamente por el pintor, desde 1870 hasta su fallecimiento en 1906. La gama de los colores está reducida a tonos sobrios: ocre, malva y verde o azul verdoso. El cuadro se compone de dos grupos de figuras de bañistas, entre las que hay una mancha blanca que podría ser un perro. Están a la orilla de un río, en el que puede verse a una figura nadando. Más allá, en línea con el perro y la nadadora, se sitúan dos figuras en la otra orilla; y, detrás de ellas, un castillo. Hay dos grupos de árboles inclinados por encina de las bañistas. Los cuadros de los bañistas serán fundamentales para la historia posterior del arte, influyendo profundamente a todos los protagonistas de la vanguardia, desde Matisse a Braque, de Picasso a Moore. Este estilo final de Cézanne anuncia ya el cubismo. Grandes bañistas Autor: Paul Cézanne Fecha: 1900 -05 Museo: National Gallery de Londres Características: 126 x 196 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo

La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus es un cuadro de Paul Cézanne. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado entre 1898 y 1900. Actualmente, se encuentra en Museo de Arte, Baltimore, Estados Unidos. Esta obra pertenece al género paisajístico, uno de los favoritos de Cézanne, junto al bodegón y el retrato. La montaña de Sainte-Victorie es, además, uno de sus temas predilectos. Era un macizo calcáreo del sur de Francia. Cézanne la hizo famosa con sus cuadros. Le dedicó numerosos cuadros en dos épocas: de 1882 a 1890 y de 1901 a su muerte. Esta visión desde Bibémus se enmarca en la segunda época. Cézanne no pretendía una representación estática del paisaje. Quería lograr la unidad entre el color, la composición, la superficie y la tectónica. Además, buscaba dar una base teórica a sus experiencias y experimentos. Montaña Sainte-Victorie vista desde la cantera de Bibémus Autor: Paul Cézanne Fecha: 1897 h. Museo: Museo de Baltimore Características: 65 x 80 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo

Rafael Sanzio • Raffaello Santi o Sanzio, también conocido como Rafael, nació en Urbino, actual Italia, en 1483 y murió en Roma en 1520. Fue Raffaello Santi o Sanzio, también conocido como Rafael un pintor y arquitecto italiano. Sus obras representan el Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz, la composición y la perspectiva. • Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas filosóficas de la época y en la pintura. A los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. Desde 1504 hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la influencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. • De entre sus obras de este período (“El sueño del caballero”, “Las tres Gracias”), se aprecian sus variaciones sobre el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes sagrados, dotados de cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, están situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos. En estas telas, Rafael muestra su inigualable talento para traducir a un lenguaje sencillo y asequible los temas religiosos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en la “Madona del gran duque”, “La bella jardinera” o “La Madona del jilguero”, entre otras obras. • En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano. Con sólo veinticinco años, era un pintor de enorme reputación. En las habitaciones de Julio II, Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura. • Entre 1509 y 1511 decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó las figuras de la Teología, la Filosofía, la Poesía y la Justicia en los cuatro medallones de la bóveda, para desarrollar de forma alegórica estos mismos temas en cinco grandes composiciones sobre las paredes: “El triunfo de la Eucaristía”, “La escuela de Atenas”, “El Parnaso”, “Gregorio IX promulgando las Decretales” y “Triboniano remitiendo las pandectas a Justiniano”. En un espacio de gran amplitud, organizado con un perfecto sentido de la perspectiva, Rafael dispone una serie de grupos y figuras, con un absoluto equilibrio de fuerzas y una sublime elegancia de líneas. • En la Estancia de Heliodoro, decorada de 1511 a 1514, Rafael desarrolló cuatro temas históricos: “La liberación de San Pedro”, “Misa de Bolsena”, etc. En la estancia del Incendio del Borgo (1514 -1517) predomina ya la aportación de los discípulos sobre la del maestro, lo mismo que en la Estancia de Constantino, donde sólo la concepción del conjunto corresponde a Rafael. • El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de otras obras, como los frescos de “El triunfo de Galatea” para la Villa Farnesina. A este período corresponden también numerosos cuadros de la Virgen con el Niño y retratos romanos. En ambos casos, el dibujo es de una calidad inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma. • A partir de 1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con pequeñas escenas del Antiguo Testamento. “La Transfiguración”, última obra del artista, es considerada por algunos el compendio perfecto de su arte.

La Transfiguración es una pintura de Rafael, que fue realizada entre 1517 y 1520, dentro del periodo romano del artista. Esta obra está considerada su última pintura, que dejó inacabada y que se cree fue completada por su alumno Giulio Romano poco después de la muerte de Rafael. Es una pintura al óleo sobre tabla. Se conserva en la Pinacoteca Vaticana (Museos Vaticanos), Ciudad del Vaticano. Constituye un resumen de toda la evolución artística de Rafael. Inicialmente, la “Transfiguración” se había pensado para representar la aparición de Dios, pero influido por Sebastiano del Piombo divide la escena, adoptando una composición original. Las dos partes en las que se divide, narran episodios sucesivos del Evangelio de Mateo: la parte superior de la pintura muestra la transfiguración de Jesucristo en el monte Tabor, con Cristo transfigurado flotando en frente de nubes suavemente iluminadas, perdiendo la materialidad para transformarse en Espíritu Santo entre los profetas Moisés y Elías con quienes está conversando. Debajo de él hay tres discípulos, en tierra, asustados. En la parte inferior, Rafael representa a los Apóstoles intentando liberar a un niño poseído de los demonios. Son incapaces de curar al niño enfermo hasta la llegada de Jesucristo transfigurado, quien lleva a cabo el milagro. La Transfiguración de Rafael constituye el comienzo de una nueva era, prefigurando el manierismo, como se evidencia en las posturas estilizadas y retorcidas de la parte inferior; pero también anticipa el arte barroco, como se evidencia en la tensión dramática de tales figuras, y el fuerte uso del claroscuro. Presenta así una nueva tipología de cuadro que marcará todo el curso del siglo XVI. La pintura puede interpretarse como una representación de una dicotomía: arriba, el poder redentor de Cristo, abajo, las debilidades de los hombres. La zona celestial de Cristo redentor se caracteriza por la pureza y la simetría, con figuras menos táctiles y tratadas con colores más claros. En cambio, la zona inferior es una escena oscura y caótica. Ambas partes, sin embargo, mantienen cierta relación gracias a la pared rocosa en sombras. También hay figuras en la parte inferior que apuntan a la superior. Transfiguración Autor: Rafael Fecha: 1518 -20 Museo: Museos Vaticanos Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

Los desposorios de la Virgen es un cuadro de Rafael Sanzio, que data de 1504. Es una pintura ejecutada con temple y óleo sobre tabla. Se conserva en la Pinacoteca de Brera de Milán, Italia. Esta tabla representa la transición del Prerrenacimiento al Alto Renacimiento En los Desposorios de la Virgen se ha querido ver el manifiesto de los principios del arte renacentista italiano. Rafael realiza una obra de perfección extraña. Lo que más destacar de la composición es la presencia del templo circular al fondo de la escena, por encima de los personajes. Posee todos los rasgos clasicistas que se pretendían aplicar a la arquitectura renacentista. Este tipo de templo simboliza la perfección divina, que a su vez es la que representa la Virgen o el mismo sacramento del matrimonio, la unión de los contrarios para producir un ser perfecto. La explanada donde se encuentran las figuras posee unas baldosas rectangulares que permiten representar la proyección del espacio en perspectiva hacia un punto de fuga central. Los personajes están simétricamente distribuidos a los lados del sacerdote, a un lado las mujeres y al otro los hombres. Para romper la monotonía, se encuentran pintados grupos de paseantes en toda la explanada y las escalinatas del templo. La idea de la composición está inspirada en la Entrega de las llaves que Perugino pintó en las paredes de la Capilla Sixtina. Desposorios de la Virgen Autor: Rafael Fecha: 1504 Museo: Pinacoteca di Brera Características: 117 x 170 cm. Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

El Pasmo de Sicilia se encuentra en el convento de Olivetanos de Santa María della Spasimo en Palermo. Fue enviado a España en 1661 por el Virrey de Nápoles para decorar la sala del Ochavo en el Alcázar de Madrid. Rafael se inspira en los libros apócrifos. Jesús, con la cruz a cuestas, cae en la subida al monte Calvario donde será crucificado. La Virgen María sale a su encuentro rodeada por las Santas Mujeres. Los sayones obligan al caído a levantarse mientras soldados a caballo vigilan la marcha. Al fondo se puede contemplar el monte con las dos cruces de los ladrones. Se representa el dramatismo y la tensión, centrándose en las figuras de Cristo y María (cuyas miradas se enlazan con cariño y compasión). Se aprecia la monumentalidad de las figuras y sus poses escultóricas, marcando sus músculos. La belleza de los rostros, el detallismo de las telas y el vibrante colorido son marcas especiales de su pintura. El Pasmo de Sicilia, Caída camino del Calvario Autor: Rafael Fecha: 1515. Museo: Museo del Prado Características: 318 x 229 cm. Material: ´´Oleo sobre tabla

Tintoretto • Venecia, 1518 - id. , 1594) Pintor italiano. En la Venecia de la generación posterior a la de Tiziano, las dos grandes figuras de la pintura fueron Tintoretto y el Veronés; mientras que éste se trasladó a la ciudad de la laguna desde su Verona natal, El Tintoretto era veneciano y prácticamente no se movió de la ciudad que lo vio nacer. • Apenas nada se sabe de su etapa de formación, para la cual se apuntan diversos nombres en función de los rasgos estilísticos de sus primeras obras. Lo único seguro es que tenía en la pared de su estudio la frase «el dibujo de Miguel Ángel y los colores de Tiziano» , que constituye una muestra clara de sus preferencias estilísticas. • Aunque se estableció por su cuenta en 1539, El Tintoretto no realizó una obra verdaderamente notable hasta 1548 (El milagro del esclavo), siendo aquellos primeros años de mera supervivencia; al parecer, no dudaba en competir deshonestamente con sus rivales para llevarse él los encargos. • Más tarde no le faltó trabajo, ya que gustó mucho su pintura de efectos espectaculares, ambientada en espacios que parecen escenarios teatrales y animada por una iluminación, unos gestos y un movimiento que acentúan los efectos de dramatismo; basta con pensar, por ejemplo, en su abundante recurso a los escorzos. • Sus obras de mayor alcance son las que realizó entre 1565 y 1587 para la Scuola de San Rocco, que se conservan in situ. Son una serie de escenas de la vida de Cristo en la planta superior y de la vida de la Virgen en la inferior, interpretadas con un gran sentido decorativo y una viveza cautivadora. • Además de estas pinturas, las más apreciadas de su prolífica producción son el Lavatorio de los pies y la Última Cena, esta última destacable sobre todo por la novedad de la composición y la iluminación con respecto a los modelos anteriores. La arquitectura, el lujo de los vestidos y las joyas, y la ambientación fantástica son rasgos que caracterizan algunas otras de sus obras mayores.

San Marcos liberando al esclavo, es uno de los cuadros más conocidos de Tintoretto. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1548, encontrándose actualmente en la Galería de la Academia de Venecia, Italia. Es uno de los primeros cuadros realizados por Tintoretto sobre el patrono de Venecia, Marcos el Evangelista. Entre 1548 y 1563, Tintoretto ejecutó diversos lienzos sobre la vida de san Marcos. Son representaciones caracterizadas por una acción vehemente, desconocida hasta entonces en la pintura veneciana, con violentos escorzos. Fue pintado para la Scuola Grande di San Marco. Es una obra maestra innovadora que asienta su estilo y consagró al maestro. Fue muy celebrada, representando en la actualidad una de las obras más destacadas de la Galería de la Academia de Venecia. Representa un episodio tomado de la “Leyenda dorada” de Jacobo de la Vorágine: el servidor de un caballero provenzal va a ser castigado con tortura por haber venerado las reliquias del santo. La figura sentada en la parte del lado derecho, vestida de rojo intenso, es el caballero de provenza, señor de quien va a ser castigado. Sin embargo, es salvado por la milagrosa intervención del santo. El santo está pintado en un sorprendente escorzo, en lo alto, en paralelo al escorzo de la figura del esclavo que yace en el suelo. Las figuras se enmarcan en un escenario arquitectónico. Pueden observarse aquí las diversas influencias de Tintoretto: por un lado, las anatomías y los escorzos típicamente miguelangelescos, por otro, los intensos y vivos colores propios de la escuela veneciana. San Marcos liberando al esclavo Autor: Tintoretto Fecha: 1548 -1566 Museo: Galería de la Academia de Venecia Características: 416 cm × 544 cm Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo

La última cena, es la última gran obra de Tintoretto. Está realizada en óleo sobre lienzo. Fue pintado en los años 1592 -1594, y se encuentra en la Basílica de San Giorgio Maggiore de Venecia, Italia. La última cena es un tema clásico en la pintura religiosa católica. Este cuadro, junto con la “Recogida del maná” y “La deposición”, fueron realizados para la iglesia y el monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia. En la “Última cena” de da Vinci, los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi matemática. En las manos de Tintoretto, la misma escena aparece dramáticamente distorsionada, utilizando una perspectiva oblicua. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña. Es una obra oscura, en la que destaca el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo. La última cena Autor: Tintoretto Fecha: 1592 -1594 Museo: Basílica de San Giorgio Maggiore Características: 365 cm × 568 cm Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Marienismo

San Jorge luchando con el dragón es un cuadro de Tintoretto. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado hacia 1550 -1560. Fue adquirido por la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe. Representa un episodio popularizado por la “Leyenda dorada” de Jacobo de la Vorágine: La leyenda del dragón relacionada con el santo Jorge de Capadocia. Un dragón hace un nido en la fuente que provee de agua a una ciudad. Como consecuencia, los ciudadanos debían apartar diariamente el dragón de la fuente para conseguir agua, lo que conseguían mediante la ofrenda de un sacrificio humano que se decidía al azar entre los habitantes. Un día resultó seleccionada la hija del rey. Cuando estaba a punto de ser devorada por el dragón, aparece San Jorge, oficial romano, se enfrenta con el dragón, lo mata y salva a la princesa. Los agradecidos ciudadanos abrazaron el cristianismo. La batalla entre San Jorge y el Dragón simbolizaba la lucha entre el bien y el mal. Era un tema clásico en la pintura occidental Domina la composición la figura de la princesa en el primer plano. Mira hacia atrás, atrayendo con su mirada la del espectador hasta la figura de san Jorge que lucha con el dragón y el mar al fondo. El tema está tratado con un gran dinamismo entre las direcciones opuestas de la princesa, que parece que va a salir por el lado inferior derecho del cuadro, y la dirección del caballero, hacia la izquierda. Se trataría de una composición centrífuga, en zigzag. Hay cierta teatralidad en la escena, como puede verse en el viento que azota la capa de la princesa y en la aparición en lo alto de Dios Padre bendiciendo la victoria del santo sobre el dragón. Inusual es también la presencia de un cadáver con los brazos extendidos, en la postura de Jesucristo crucificado. Se cree que con ello pretende establecer un paralelismo entre san Jorge vencedor del mal y Jesucristo. Los ricos verdes del paisaje se consiguen gracias a la malaquita. Resulta básica en la obra de Tintoretto. También es propio de este pintor el uso de destellos de luz como los que pueden verse en la figura de Dios Padre, lo que contribuye a la teatralidad del cuadro. San Jorge luchando con el dragón Autor: Tintoretto Fecha: 1550 -1560 Museo: National Gallery de Londres Características: 157 cm × 100 cm Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo

Giovanni Bellini • Giovanni Bellini, también conocido por su apodo Giambellino, nació en Venecia, Italia, en 1424 y murío en la misma ciudad en 1516. Fue un pintor cuatrocentista italiano. • Inició su carrera como ayudante en el taller de su padre. En su primera época sufrió una gran influencia por su cuñado, Andrea Mantegna, de quien tomó el aspecto escultórico de las figuras, la potencial elocuencia de los contornos muy marcados y, en ocasiones, el tipo de composición, como en la obra de su primera época “La oración del huerto”. En las obras de Giovanni Bellini se puede captar una percepción, propia y sutil, del color y la luz, de una excepcional sensibilidad para los paisajes y de una compenetración con el tema humano directa y delicada. • Bellini comenzó a tomar contacto con el óleo a través de la pintura flamenca. Su colorido adquirió mayor profundidad y se dedicó a investigar las interacciones de color, luz, aire y materia más a fondo. El resultado fue que la distinción entre masa y espacio se tornó menos clara; el aire comenzó a adquirir cuerpo entre ellos; las líneas de los contornos empezaron a desaparecer gradualmente para ser reemplazadas por transiciones de luz y sombra. “San Francisco” representa un primer estadio de ese proceso, que ya denota una evolución más avanzada en dos obras fechadas en la década de 1480: “Madona de los arbolitos” y “La Virgen, el Niño y santos” y culmina hacia 1500 en el espléndido periodo final de Giovanni Bellini • Ademas, introdujo innovaciones que sentarían precedente en una serie de retablos monumentales en los que se representa a la Virgen entronizada entre santos. El equilibrio entre las figuras, el espacio, la luz, la arquitectura y, a veces, el paisaje, es de una perfección de gran naturalidad y, a través de él, logra una imagen de serena grandeza, compleja pero armoniosa. Obras como “La Virgen con el Dogo Agostino Barbarigo”, son un magnífico ejemplo del más puro estilo renacentista.

Oración en el huerto es una obra de Bellini pintada al temple sobre tabla en 1455. Se conserva en el museo National Gallery de Londres. Esta obra es considerada como el punto de partida del paisaje veneciano. Aún existe un cierto aire flamenco en el aspecto acartonado de las formas, hallándose una estrecha relación con la Oración en el huerto que pinta Mantegna. Se observa el aspecto escultórico de las figuras y las rocas, así como un interés exacerbado por la perspectiva. Giovanni aporta su vivo colorido y la iluminación típicamente veneciana, resultando sus obras un anticipo de los maestros del Cinquecento. Los tres apóstoles aparecen en primer plano en posturas escorzadas mientras que Cristo se presenta de espaldas, elevando su mirada hacia el ángel que se aparece en el cielo. Las tropas que van a arrestar al Mesías se encuentran al fondo, dirigidas por Judas, en un sensacional efecto crepuscular tras las montañas. Oración en el huerto Autor: Giovanni Bellini Fecha: 1455 Museo: National Gallery de Londres Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

La Virgen y el Niño con santos es una de las obras del periodo de madurez de Bellini. En origen estaba realizado al óleo sobre tabla, pero fue pasado a lienzo. Se pintó en 1505. La obra está firmada y datada “IOANNE BELLINVS MCCCCCV” sobre un “cartellino” fijado en el escalón del trono de la Virgen. Se conserva en la iglesia de san Zacarías en Venecia (Italia), en su emplazamiento originario. En el centro de la tela está representada la Virgen María en un trono con el Niño en brazos. A la derecha está santa Catalina de Alejandría, y delante tiene a san Pedro. En la parte opuesta están Santa Lucía detrás y San Jerónimo delante. La Virgen y el Niño con santos Autor: Giovanni Bellini Fecha: 1505 Musero: Iglesia de San Zacarías, Venecia Características: 500 cm × 235 cm Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento

Esta Alegoría cristiana es una de las obras del periodo de madurez de Bellini. Se conserva en la Galería de los Uffizi, en Florencia (Italia). Está realizado al temple sobre tabla. Fue pintado hacia 1490. Se cree que pudo ser una obra encargada por Isabel de Este. Puede ser una alegoría del Purgatorio. En un marco arquitectónico con un colorido paisaje al fondo, se muestran diversas figuras de santos cuyo nexo de unión o sentido general de la obra no está muy claro. La terraza tiene elaboradas baldosas de mármol. La profundidad del paisaje se logra por el cromatismo. Se distingue a san Sebastián, a la derecha con una flecha clavada. Junto a él, san Jerónimo o quizá una representación del santo Job; estas dos figuras no presentan el mismo modelado que el resto. Al otro lado de la balaustrada, a san Pablo, con un gran manto rojo y una espada en la mano. En la parte de la izquierda, María en un trono. En el extremo de este lado, una figura con turbante. Esta alegoría se relaciona con las obras maestras que Bellini elaboraría a finales del siglo XV y principios del XVI. Alegoría del cristiano Autor: Giovanni Bellini Fecha: 1490 Museo: Galería de los Uffizi Características: 73 x 119 cm Material: Témpera sobre madera Estilo: Renacimiento Italiano

Giorgione • Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione, nació en Castelfranco Véneto en 1477 y murió en Venecia en 1510. Fue un pintor italiano, representante destacado de la escuela veneciana. • Es una de las figuras más oscuras de la historia del arte, ya que nada se sabe de su vida y muy poco de su obra, sobre la que existen numerosos problemas de atribución, entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Pese a ello, puede afirmarse sin lugar a dudas que el artista fue un innovador, una figura fundamental en la evolución de la pintura veneciana. • Llegó a Venecia hacia el año 1500 y se formó en el taller de Giovanni Bellini, antes de establecerse por su cuenta en asociación con Vincenzo Catena. Participó en dos importantes encargos públicos: un lienzo para la sala de audiencias del palacio ducal (perdido) y los frescos exteriores del Fondaco dei Tedeschi, en colaboración con Tiziano. Además, pintó por encargo para coleccionistas privados, y en esto se diferencia de los otros artistas de su tiempo, que trabajaron sobre todo para grandes instituciones públicas o de la Iglesia. • Se le considera el inventor del paisaje emocional, es decir, de la naturaleza representada en función del estado de ánimo del artista. Constituye una buena muestra de ello su obra más admirada, “La tempestad”, donde el tema parece un mero pretexto para la realización de un ejercicio de imaginación creadora; este cuadro ejerció una gran influencia en la pintura posterior. • Un papel de primer orden desempeña también el paisaje en otra de las grandes creaciones de Giorgione, “Los tres filósofos”, una pintura de significado incierto en la que resulta muy innovador el que la pincelada se orinte casi exclusivamente a la creación de efectos cromáticos. Obras de atribución segura son también el retrato de Laura y “Venus dormida”.

La tempestad es una famosa pintura renacentista de Giorgione hacia 1508. La Tempestad es el título que se le asignó a este lienzo mucho tiempo después de que su autor, Giorgione, muriera prematuramente. La obra fue pintada entre 1505 y 1510, siéndole dado este título gracias al rayo que rompe el pesado cielo que amenaza tormenta. Bajo tan tétrico dosel, se observa la figura de una joven madre desnuda con su bebé y, al otro lado, un caballero vestido de manera principesca. Las figuras están incluidas en un paisaje silvestre, mientras un fondo urbano amurallado y con torres cierra la escena. Las figuras están separadas por un podio con dos columnas truncadas que no sujetan nada, por ello, la presencia de estos elementos soporta un trasfondo simbólico que no se ha logrado comprender. Se han dado multitud de explicaciones a esta obra: mitológicas, alegóricas, políticas, literarias e incluso se ha visto como una fusión de diversas interpretaciones. Pero posiblemente, la obra sólo representaría una tempestad con una mujer. Manteniéndose libre de todo esquema gráfico Giorgione construye las imágenes por capas superpuestas de color, generando una nueva síntesis cromático-espacial que marcará el inicio de la pintura en el sentido moderno. La tempestad Autor: Giorgione Fecha: 1518 Museo: Galería de la Academia de Venecia. Características: 82 cm × 73 cm Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento

Los tres filósofos es una obra de Giorgione realizada al óleo sobre lienzo en 1505. Esta genial pintura se encuentra en el “Kunsthistorisches Museum” (Viena). En la perfección de este lienzo se aprecia la relación entre pintura y naturaleza y la plasmación de la luz y la atmósfera que son características de Giorgione. Las tres figuras se insertan a la perfección ante la naturaleza, recibiendo un potente foco de luz que resalta las tonalidades de sus vestimentas y crea una sensación atmosférica. La disposición de las figuras en el espacio es muy acertada, situándolas en diferentes planos mientras que el punto de fuga se halla en el paisaje, en tanto en cuanto se acerca más a la realidad y se intenta representar la naturaleza tal y como es. La poesía que el maestro aporta al paisaje estaría en relación con su elevada cultura, estrechamente relacionada con el neoplatonismo, por lo que algunos especialistas interpretan esta escena como una alegoría de las tres edades del hombre, mientras otros críticos consideran que estamos ante un tema menos profano al apuntar a los tres Reyes Magos, que hacen sus cábalas para encontrar la estrella que les guiará al Niño Jesús. Los tres filósofos Autor: Giorgione Fecha: 1505 Museo: Kunsthistorisches Museum Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

Con motivo del matrimonio entre Gerolamo Marcello y Morosina Pisan, el 7 de octubre de 1507 fue encargada esta Venus dormida a Giorgione. El maestro de Castelfranco dejó inacabada la obra al fallecer inesperadamente de peste en octubre de 1510, siendo Tiziano el encargado de realizar el paisaje en el que se ubica la Venus. Las casas que se aprecian en la colina son muy similares a las que aparecen en el “Noli me tangere” de la National Gallery de Londres por lo que se considera que ésta sería la parte del paisaje que pintó el de Cadore. Otros especialistas piensan que el paisaje no sería la zona en la que intervino Tiziano, sino en las telas blancas y rojas sobre las que descansa la sensual figura de la diosa. Venus aparece recostada ante un fondo de paisaje, en el que la figura se integra espectacularmente. Una luz dorada baña el sensual cuerpo, cubriéndose la diosa el pubis. Dicha iluminación resalta las brillantes tonalidades de las telas. La sensación atmosférica creada es una herencia de Leonardo, artista por el que Giorgione sentía especial admiración. Venus dormida Autor: Iniciado por Giorgione y acabado por Tiziano Fecha: 1507 -10 Museo: Gemäldegalerie de Dresde Características: 108 x 174 cm Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

Gustave Courbet • Gustave Courbet nació en Ornans, Francia, el 10 de junio de 1819 y murió en La Tour-de-Peilz, Suiza, el 31 de diciembre de 1877. Fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático. • Nació en un pueblo próximo a Besançon, en el Doubs francés, cuyo paisaje refleja en sus cuadros. Estudió en Besançon y luego en París (1840). Sus padres deseaban que emprendiese la carrera de Derecho, pero al llegar a París se volcó en el arte. • Viajó a Holanda (1846) y Alemania (1853). Como él, sus amistades eran contrarias al academicismo artístico y literario; entre ellas Baudelaire, Corot y Daumier. A partir de la revolución de 1848, Courbet fue etiquetado de “revolucionario peligroso”. • En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero el rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros le hizo inaugurar una exposición individual ubicada en las proximidades del campo de Marte, a la que bautizó con el nombre de "Pabellón del Realismo". Entre las obras que exhibió en dicho lugar cabe mencionar “El taller del pintor”. • Tuvo fama de arrogante y efectista. Algunos le achacaban que provocaba escándalos sólo para entretener a las clases biempensantes y que, en realidad, su arte se mantenía fiel a cierta exquisitez formal. Sin embargo, otras voces como Delacroix lamentaban que Courbet malgastaba su habilidad. • A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de Honor, pero la rechazó. Si bien accedió a participar en el breve gobierno de la Comuna de París de 1871. De él, el filósofo Proudhon, quiso hacer un pintor proletario. Creía que el arte podría subsanar las contradicciones sociales. • Durante la Comuna se le encargó la administración de los museos de París. Tras caer dicho gobierno, el gobierno posterior le responsabilizó de la destrucción de la columna Vendôme dedicada a Napoleón Bonaparte. Un consejo de guerra lo condenó a seis meses de prisión y a pagar 300. 000 francos. Al salir de la cárcel escapó a Suiza (1873) para evitar que el Estado le obligara a pagar la multa.

El taller del pintor es un cuadro de Courbet. Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1855, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, de París, Francia. Este monumental cuadro es el más emblemático, considerado una alegoría real de su entorno político, artístico y cultural. Las figuras en la pintura son representaciones alegóricas de varias influencias en la vida artística de Courbet. A la izquierda están figuras humanas de todos los niveles de la sociedad. En el centro, Courbet trabaja en un paisaje, mientras se aparta de una modelo desnuda que es un símbolo de la tradición artística de la academia. A la izquierda están amigos y asociados de Courbet. La escena tiene lugar en el taller de Courbet en París. Se divide en tres partes: en el centro, el artista, con una modelo desnuda detrás suyo; a su derecha, los “simpatizantes”; a la izquierda, “los que viven de la muerte y la miseria”. La intención de Courbet era hacer desfilar por su lienzo a toda la sociedad. Justo entre los dos mundos hay un maniquí que representa a San Sebastián atravesado por flechas: simbolizaría a la Academia. En el centro, el pintor, su modelo y los recuerdos dispersos de su pasado. Sobre el caballete figura un paisaje del Franco Condado su paisaje natal. El artista se sienta sobre una silla, de perfil. Courbet interpreta en este cuadro el papel de mediador, de regulador. Delante de la tela, un pastorcillo del Franco Condado, símbolo de la inocencia y de la vida. A la derecha del pintor está su modelo desnuda, que observa al pintor trabajar; con las dos manos agarra un gran paño. La modelo y el niño serían los espectadores ideales, pues representan la percepción genuina, de la verdad. Entre las personas representadas al lado izquierdo se encuentran: un cazador, que representa la caza. Un sombrero y un puñal que simbolizan la poesía romántica. Una máscara sobre un diario representa la prensa. Enfrente, una irlandesa dándole el pecho a un niño, alusión a la gran hambruna de 1845 en Irlanda, o a la miseria en general. Delante, un rabino representa la religión hebraica y un segundo judío, el comercio. Este último ofrece una estola a un burgués. Este burgués podría ser quizá el abuelo de Courbet o el banquero y ministro de economía Achille Fould recaudando la plata necesaria para el golpe de Estado. Entre los otros símbolos y figuras alegóricas de este lado de la obra, se puede igualmente remarcar un jergón para el teatro y un sacerdote para la religión católica. En el fondo se encuentra un segador y un terrateniente simbolizando la vida de los campos o las naciones en lucha por su independencia. Un enterrador, un obrero desempleado simbolizaría el paro, y una mujer pública desnuda, el vicio. Los «simpatizantes» de Courbet , se encuentran a la derecha. Son, en total, doce personajes. En primer plano, Charles Baudelaire, leyendo sentado en una mesa; simboliza la poesía. A su lado una pareja burguesa visitando el taller. Algunos reconocen en ellos a la pareja Sabatier, coleccionistas de Montpellier y furieristas militantes. A sus pies, su niño lee, es la infancia estudiosa. En medio del grupo una pareja se abraza representando el amor libre. Champfleury, el amigo del pintor, se encuentra sobre un taburete y representa la prosa. En el fondo, Proudhonm, por la filosofía, Promayet por la música, Max Buchon por la poesía realista, Urbain Cuenot, un amigo íntimo de Courbet, y Alfred Bruyas. Estudio del pintor Autor: Gustave Courbet Fecha: 1854 -55 Museo: Museo de Orsay Características: 359 x 598 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Realismo Francés

Entierro en Ornans es uno de los cuadros más conocidos de Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre tela. Fue pintado en 1849, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, de París. La pintura fue presentada en el Salón de 1850, provocando un escándalo, ya que se había dado el tratamiento, en formato y estilo, de una pintura de historia a lo que no era sino un entierro de pueblo. Esta pintura marcó el nacimiento del realismo. Transmite con el máximo realismo posible un funeral al que asiste toda la comunidad, desde los representantes del ayuntamiento hasta las plañideras oficiales, pasando por los hidalgos y la familia del pintor. Incluso un perro perdiguero se presenta en primer plano. Se puede decir que esta obra es un panfleto del nuevo estilo artístico considerado como un arte científico, naturalista, anticlásico, antirromántico, antiacadémico, progresista y social, cuya única fuente debía ser la observación directa del natural. Las figuras forman un grupo compacto y se recortan sobre las planas montañas de la localidad, representadas en diversas actitudes y posturas, siendo una de las mejores galerías de retratos de la historia del arte. Las tonalidades empleadas son bastante oscuras. El estilo de Courbet es muy seguro, dominado por un poderoso dibujo y un acertado estudio lumínico. Desgraciadamente empleaba mucho betún para las tonalidades negras, lo que provoca problemas de conservación en sus lienzos. Esperando obtener un sonoro triunfo en el Salón de París presentó su lienzo pero recibió sonoras críticas y sólo alguna que otra alabanza, especialmente de los jóvenes pintores. Entierro en Ornans Autor: Gustave Courbet Fecha: 1849 -50 Museo: Museo de Orsay Características: 314 x 663 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo : Realismo Francés

El origen del mundo es un cuadro realizado por Gustave Courbet en 1866. Es una pintura al óleo sobre lienzo, que representa en primer plano un pubis femenino, el de un tronco de mujer desnudo, reclinado sobre las sábanas de un lecho y que tiene las piernas separadas. La escala, el encuadre y el punto de vista elegidos por el artista supusieron una radical novedad respecto de toda la tradición pictórica anterior, produciendo en el espectador una fuerte impresión de sensualidad y erotismo. Nos encontramos ante una de las obras más sorprendentes y desconcertantes del maestro del Realismo, Gustave Courbet. El espectador contempla en esta pequeña tela los órganos sexuales de una mujer sin rostro, en una "indecente" postura. La obra representa un paso más en el descubrimiento del cuerpo femenino, enlazando con el más puro realismo defendido por el maestro. Según los especialistas, la obra fue pintada en 1886 por encargo del diplomático turco Halil Serif quien en esos momentos residía en París. Permaneciendo durante más de 100 años en colecciones privadas, en 1913 la galería Bernheim-Jeune vendió el lienzo al pintor húngaro Ferenz Hatvany. Se piensa que la llegada de la Segunda Guerra Mundial llevó el lienzo a manos del ejército alemán en primer lugar y después pasó al ejercito soviético. En 1947 Hatvany lo recuperaba y se trasladó con él a París para venderlo ocho años despues. El comprador era el famoso psicoanalista Jacques Lacan quien decidió también ocultar la obra, en esta ocasión bajo una esquemática pintura con el mismo título de André Masson. La obra permaneció oculta durante bastante tiempo lo que llevó a los especialistas a considerar que se había perdido. Los herederos de Lagan vendieron en 1995 el lienzo al Estado francés, pasando a engrosar la colección del Museo d´Orsay y perdiendo el halo de misterio que le rodeaba. Origen del mundo Autor: Gustave Courbet Fecha: 1866 Museo: Museo de Orsay Características: 46 x 55 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Realismo Francés

Renoir • Pierre Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 y murió el 3 de diciembre de 1919, es uno de los más célebres pintores franceses. Perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. • Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del rococó. • En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino con formas gruesas. • Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. "El palco", "El columpio", "El Moulin de la Galette", "Le dèjeuner des canotiers", "Bañistas", son sus obras más representativas. • En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de estilo clásico, romántico y realista no fueron inicialmente bien criticados. Sin embargo, la primera obra que expone en la galería “l’Esméralda” en 1864 recibió una muy buena acogida, pero después de la exposición la destruyó. Pintó gran cantidad de paisajes y de cuerpos humanos, principalmente femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue su amante). La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867 con la exposición de la “Lise à l’ombrelle”. • El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y 1883. Pinta gran cantidad de paisajes pero sus obras más características tiene por tema la vida social urbana. En todos sus temas el énfasis lo pone en la juventud y la vitalidad. Su más grande obra durante este período es “Déjeuner des canotiers”. De esta época data su “Retrato de Madame Charpentier con sus hijos”. Le fue encargado por el editor Charpentier, quien le ayudó en años difíciles. • Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período ingresco. Los contornos de sus personajes se vuelven más precisos. Dibuja las formas con gran precisión, los colores se vuelven más fríos. Al convertirse en padre por primera vez deja la pintura por un tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más importante obra de este período “Grandes baigneuses”. • De 1890 a 1900, Renoir cambia nuevamente su estilo. Ahora es una mezcla de sus estilos impresionista e ingresco. Su primera obra de este período “Jeunes filles au piano”, es adquirida por el estado francés para ser expuesta en el Museo de Luxemburgo. • Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su período de Cagnes. En esta época sufre graves crisis de reumatismo. Con el nacimiento de su tercer hijo en 1901 su pintura toma un nuevo matiz. Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir continúa pintando para ahogar su pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta terminar su composición "Descanso tras el baño".

Almuerzo de remeros es una obra de Renoir realizada en 1881 al óleo sobre lienzo. Se conserva en el museo National Gallery de Washington. La composición fue realizada en el restaurante de Fournaise, posando sus amigos Aline Charigot (la mujer de la izquierda con el perrito), el pintor Caillebotte (sentado a horcajadas en primer plano) o la modelo Angèle mirando al pintor. Lhote, Lestringuez y otros conocidos del artista también se distribuyen por el lienzo de manera acertada. Un perfecto bodegón de botellas, frutas, platos y copas preside la composición. Las figuras se sitúan bajo un toldo que evita la entrada de la luz solar, provocando sombras coloreadas típicas del Impresionismo. La factura es cuidadosa, destacando el perfecto dibujo de las figuras, mientras que el fondo está más abocetado. La luz tomada directamente del natural, la disposición de las figuras en la escena, los rostros de los personajes muy realistas y la sensación de vida que se respira en el conjunto hacen de esta obra una de las más atractivas del pintor. Almuerzo de remeros Autor: Pierre Auguste Renoir Fecha: 1881 Museo: National Gallery (Washington) Características: 129´ 5 x 172´ 7 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

Grandes bañistas es una obra de Renoir realizada en 1885 a sanguina. Es una de las obras más ambiciosas pintadas por Renoir, expuesta en mayo de 1887 en la sexta “Exposition Internationale” de la galería Georges Petit. Para su ejecución buscó la inspiración en un relieve que decora una de las fuentes de Versalles en el que se representa el Baño de las ninfas. Renoir realizó diversos estudios a lápiz y sanguina como éste, en el que ya establece las líneas básicas de la composición definitiva. Los firmes trazos recuerdan a las obras de Ingres, uno de los artistas más admirados por Renoir, empleando el dibujo y el modelado para recuperar el volumen y la forma que estaban perdiendo los impresionistas, interesados por el efecto de la luz y la atmósfera. Grandes bañistas Autor: Pierre Auguste Renoir Fecha: 1885 Museo: Colección Particular Características: 108 x 162 cm. Material: Sanguina Estilo: Impresionismo

Baile en el Moulin de la Galette es una de las obras más célebres Renoir, que se conserva en el Museo de Orsay en París, siendo uno de los cuadros más emblemáticos del museo. Renoir era maestro en representar los eventos comunes cotidianos. En esta obra maestra del impresionismo fija un momento de la vida parisina. Presenta a la gente sencilla y popular que se divierte un soleado día de verano en el moulin de la Galette. Este establecimiento era un antiguo molino, reconvertido en café, al que se acudía los domingos, porque allí se celebraba un baile. La composición se desarrolla en torno a un esquema curvilíneo, siguiendo las diagonales del cuadro. La pincelada es borrosa. Consigue un gran colorido y efectos de luz, como filtrada a través de las hojas. En el primer plano aparece Georges Rivière, amigo de Renoir. Era un escritor y crítico que defendía a los impresionistas. Baile en el Moulin de la Galette Autor: Pierre-Auguste Renoir Fecha: 1876 Museo: Museo de Orsay, París Características: 131 cm × 175 cm Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

Edgar Degas • Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas nació en París el 19 de julio de 1834 y murió el 27 de septiembre de 1917, fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel. • Después de regresar de Italia, Degas copió pinturas en el Louvre. En 1865 algunos de sus trabajos fueron aceptados en el Salón, y gradualmente ganó respeto en el mundo del arte. En 1870, hacia el final de la Guerra Franco-Prusiana, Degas se alistó en la guardia nacional, lo que le dejó poco tiempo para su pintura. Durante el entrenamiento con el rifle se le diagnosticaron problemas en su visión. • Finalizada la guerra, Degas visitó a su hermano René en Nueva Orleans, y produjo un número de trabajos, muchos sobre familiares, antes de regresar a París en 1873. El siguiente año, Degas ayudó a organizar la primera exhibición impresionista. Los impresionistas hicieron siete presentaciones posteriores, en las que Degas exhibió su trabajo. Por este entonces Degas se convertiría también en fotógrafo amateur. • En 1874, tras la muerte de su padre, surge una demanda del estado que revela que su padre contrajo enormes deudas. De repente se encontraba dependiente de las ventas de su arte como única fuente de ingresos. Después de varios años su situación financiera mejora, y las ventas de su trabajo artístico le permiten dar rienda suelta a su pasión por coleccionar trabajos de los artistas a quienes admiraba. • A medida que pasaron los años Degas se aisló. La controversia del Caso Dreyfus reveló sus inclinaciones antisemitas, rompiendo con sus amigos judíos. Se cree que estuvo trabajando en pastel hasta fines del año 1907, y también que continuó haciendo escultura hasta finales de 1910. Aparentemente dejó de trabajar en 1912, cuando la demolición de su residencia en la rue Victor Massé lo forzó a mudarse al boulevard de Clichy. Nunca se casó y pasó los últimos años de su vida prácticamente ciego.

Carreras de caballos. Antes de la salida es un cuadro del pintor francés Edgar Degas. Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1862. Actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, de París, Francia. Las carreras de caballos es uno de los temas favoritos del pintor, en los que explora el movimiento. Representa una escena antes de la salida. El primer plano lo ocupan los caballos y sus yóqueys, vestidos con maillots de colores. Detrás se ve la fila de los espectadores. El fondo está ocupado por un prado, a lo lejos se ven las chimeneas de las fábricas y toda la parte superior está dominada por un cielo brumoso. El cuadro presenta un carácter instantáneo y espontáneo. El encuadre, con su corte en la parte inferior y el lado derecho es, al parecer, arbitrario. Antes de la carrera Autor: Edgar Hilaire Degas Fecha: 1882 Museo: Colección Particular Características: 26´ 5 x 34´ 9 cm Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

La taza de té es un cuadro del pintor francés Edgar Degas. Está realizado al pastel. Fue pintado hacia 1894. Actualmente, se encuentra en la Tate, de Londres, Reino Unido. En esta obra, Degas representa a una mujer peinándose su cabello pelirrojo, mientras a la derecha se ve a una criada que le trae una taza de té. Sobre el tocador se ve un tibor oriental. El autor se centra más en la composición, insertando el acto de peinarse en un rectángulo formado por los brazos de la mujer y el borde de la mesa. Contrasta la forma suave de la figura central con la de la criada, de perfil muy marcado. La tensión y energía que se desprende de este contraste resulta enfatizada por el rico tratamiento de las paredes y de los muebles. Es uno de los últimos cuadros de Degas antes de quedarse ciego. Es un tipo de obra frecuente en la producción de Degas. A pesar de su naturalidad y aparente espontaneidad, son cuadros cuidadosamente estudiados. La taza de té Autor: Edgar Degas Fecha: 1894 Museo: Características: 95, 5 x 110 cm Material: Pintura al pastel Estilo: Impresionismo

El foyer de la danza en la Ópera es un cuadro del pintor francés Edgar Degas. Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1872. Actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, de París, Francia. Edgar Degas es conocido sobre todo por estos cuadros de bailarinas de ballet, vestidas de tul, con lazos y sus características zapatillas, tanto en ensayos como sobre el escenario. En este caso se ve al maestro del ballet, en pie al lado derecho, apoyado en un bastón con el que marca el ritmo y corrige los movimientos. Hace un gesto con la mano a la bailarina que está ensayando, que aparece en el lado izquierdo del cuadro. Al lado del maestro está un violinista, sentado ante el atril. Alrededor de estas figuras, hay otras bailarinas, unas en la barra de la pared del fondo, otras mirando la escena. El foyer de la danza en la Ópera Autor: Edgar Degas Fecha: 1872 Museo: Museo de Orsay Características: 32 x 46 cm Material: Óleo sobre tela Estilo: Impresionismo

Bernini • Gian Lorenzo Bernini nació en Nápoles el 7 de diciembre de 1598 y murió en Roma el 28 de noviembre de 1680. Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. • Torbellino imparable y artista sinergético, escultor, arquitecto, escenógrafo, pintor y dramaturgo. Hijo del escultor florentino Pietro Bernini, trasladado a Roma con su familia en 1606, su vida se desarrolla en la ciudad papal, que sólo abandonaría cuando viajó a Francia a la corte de Luis XIV (1665). Roma constituyó, pues, su espacio vital y su taumatúrgico taller operativo, que acabaría transformando en el más bello espejo de su tiempo. Su aprendizaje lo efectuó entre el taller del padre y el equipo que con él laboraba en la capilla Paolina de Santa Maria Maggiore. De la consumada habilidad del padre aprendió a tallar el mármol sin plan previo. Así, partiendo de sugestiones tardo-manieristas, y tal vez del naturalismo de Mariani, prosiguió con el estudio de los maestros renacentistas, de los mármoles antiguos atesorados en las colecciones papales e, incluso, de los pintores modernos. Profundizó así en la tradición diseñadora italiana y en los problemas de la representación de la figura humana, que tanto interesara durante el Renacimiento. Por lo demás, el mismo Bernini, durante su estancia en Francia declaró su admiración juvenil por la estatuaria griega, y en particular por la de la tardía Antigüedad helenística, con la que se sintió ligado por afinidades tanto técnicas y formales (inigualable pericia, y aproximación ilusionista y natural con los materiales) como continuistas y de sentimientos (repertorio temático y visual, y absoluta libertad expresiva). • En sus primeras obras se aproxima al complejo mundo que definió su formación. Como hiciera Michelangelo, Bernini, en sus años de restaurador de antigüedades, compitió con la estatuaria antigua, hasta el punto de que su primer grupo: “Júpiter niño” y la “Cabra Amaltea” (1615 -16) se tuvo hasta hace poco por obra helenística. Los ecos miguelangelescos tomados de la “Piedad” de Florencia se ven en su “San Sebastián”; o los esquemas tardo-manieristas aparecen, impetuosamente revisados, en su “Neptuno con un tritón” para la villa Montalto.

Apolo y Dafne es una estatua realizada Bernini entre los años 1621 y 1624. Pertenece al estilo barroco. Se trata de una escultura a tamaño real de mármol, expuesta en la Galleria Borghese en Roma. Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él. Para ello lanzó al hermoso dios una flecha de oro, que causa un amor inmediato a quien hiere; por el contrario, hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causa el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su madre, la cual determino convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios. La obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa. La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de Bernini. También en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho andrógino, joven y delgado, con un peinado casi femenino, aspectos representados también en estatua. Aunque Apolo predicaba la virtud griega de la sophrosyne, la moderación y la sobriedad, estatua le muestra persiguiendo desesperadamente a su amor. Esta escultura se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares. La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos. Apolo y Dafne Autor: Gianlorenzo Bernini Fecha: 1622 -25 Museo: Galería Borghese (Roma) Características: 243 cm de altura Material: Mármol Estilo: Barroco

El éxtasis de Santa Teresa es una obra de Bernini. Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma, donde actualmente se encuentra. Esta considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano. Todo el conjunto fue supervisado y completado durante el papado de Inocencio X. Durante este tiempo, la implicación pasada del escultor con los gastos derrochadores del previo papado Barberini había hecho que Bernini cayera en desgracia y se le privó en gran medida del mecenazgo papal. Bernini estaba por lo tanto disponible para el veneciano Cardenal Federico Cornaro (15791673), que había elegido la iglesia, por otro lado, de los Carmelitas descalzos como su capilla de enterramiento. Tenía razones para evitar que lo enterrasen en Venecia. Eligió una capilla que previamente había presentado a “San Pablo en éxtasis”, y el cardenal lo remplazó con una imagen de la primera santa carmelita en éxtasis. Representa a Santa Teresa de Jesús, escritora mística y reformadora de la sociedad religiosa, que fue beatificada en el año 1614 por Paulo V. La capilla es una explosión de mármol de color, metal y detalles. Filtros de luz a través de una ventana por encima de santa teresa, subrayados por rayos dorados. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz descendente del Espíritu Santo representado en forma de paloma. Las dos figuras principales derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en uno de sus escritos, en el que un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer. Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo. El éxtasis de Santa Teresa Autor: Gianlorenzo Bernini Fecha: 1647 -52 Museo: Iglesia de Santa Maria della Vittoria de Roma Características: 350 cm. altura Material: Mármol Estilo: Barroco Italiano

La Fuente del Tritón se erige en el Quirinal (Roma, Italia), cerca de la Fontana de Trevi. Fue realizada Bernini. Esta espectacular fuente, está ubicada en el centro de la Plaza Barberini, cerca de la entrada al Palacio Barberini, que Bernini ayudó a rediseñar para su patrón, Maffeo Barberini, que se había convertido en papa. En la fuente, que Bernini ejecutó en travertino en 1642– 43, el dios marino Tritón aparece lanzando un chorro de agua a través de una caracola, sentado sobre una enorme concha sostenida por cuatro delfines que entrelazan la tiara papal con llaves cruzadas y las abejas heráldicas de los Barberini en sus colas escamosas. El “Tritón”, se erigió para proporcionar agua del acueducto de Acqua Felice en una celebración dramática. Fue el último gran encargo de su gran mecenas La Fuente del Tritón es una de las evocadas en la obra de Ottorino Respighi “Fontane di Roma”. La leyenda aplicada a la Fontana de Trevi se ha extendido también a esta: que cualquier visitante que lanza una moneda al agua tiene garantizado su regreso a Roma. Dos bocetos en terracota que se encuentran en el Detroit Institute of Arts, se han atribuido con seguridad a Bernini, y reflejan su exploración de los temas de la fuente de los delfines entrelazados y el musculoso Tritón, con cola escamosa. Fuente del Tritón (Roma) Autor: Gianlorenzo Bernini Fecha: 1642 -43 Museo: Aire libre Características: 2 m. altura Material: Mármol Estilo: Barroco Italiano

Miguel Ángel • Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Miguel Ángel en español), conocido como “el maestro de lo sublime”, nació el 6 de marzo de 1475 en Capresse, Italia. Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y su obra arquitectónica. • Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. • Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II; y en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos. • Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad entró en el taller de los famosos Ghirlandaio (Domenico y Davide); su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios. • Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa. • En 1496 se trasladó a Roma, donde esculpió un "Baco ebrio" antes de dedicarse a la temática de inspiración religiosa, que dominaría su arte a partir de 1498. Su obra maestra en este período es la"Piedad del Vaticano" de mármol que se encuentra en la basílica de San Pedro de Roma. • En 1501 Miguel Angel recibió el encargo de realizar las quince figuras de la capilla Piccolomini en la catedral de Siena y el "David" de mármol. • Entre 1536 y 1541 realizó lo que probablemente puede considerarse la máxima expresión del arte pictórico del Renacimiento: Los frescos de la Capilla Sixtina. Al concluir este trabajo, dedicó su atención a las obras de arquitectura. Miguel Angel realizó los planos de la cúpula de San Pedro, que no llegaría a ver concluida, y llevó a cabo otros monumentos romanos, como la Porta Pia, el palacio Farnesio, que había sido iniciado treinta años antes y no terminado hasta entonces, o la urbanización de la plaza del Capitolio. • Venerado en los Estados Pontificios y Florencia, y ensalzado como gran personalidad artística de su tiempo, Miguel Angel falleció en Roma, el 18 de Febrero de 1564, cuando contaba con 89 años de edad.

El David es una escultura de mármol blanco de 4, 1 m. 1 de altura realizada entre 1501 y 1504 por encargo de la “Opera del Duomo” de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. Es considerada una de las obramaestras del Renacimiento y una de las esculturas más famosas del mundo. Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia, aunque hasta 1910 estuvo ubicada en la Plaza de la Señoría de la capital toscana. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios. David Autor: Miguel Angel Fecha: 1501 -1504 Museo: Galería de la Academia de Florencia Características: 517 cm. altura Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano

La Piedad del Vaticano fue elaborada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede. En esta exquisita escultura se ve a una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto, el cual, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella. Piedad Autor: Miguel Ángel Fecha: 1498 -99 Museo: Basílica de San Pedro del Vaticano Características: 174 cm. altura Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano

El Moisés es una escultura de mármol de Miguel Ángel realizada entre 1513 y 1515, centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II, el “Moisés” y la tumba se colocó en la iglesia de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La estatua se representa con cuernos en su cabeza. Se cree que esta característica procede de un error. La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, se convirtió en una de las grandes decepciones de la vida del artista. Tras la muerte del papa en 1513, la escala del proyecto se redujo paulatinamente hasta que, en 1542, un contrato final especificó una tumba con un muro sencillo y con menos de un tercio de las figuras incluidas en el proyecto original. El espíritu de la tumba, sin embargo, se puede observar en la figura del “Moisés” Fue diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras siete enormes formas de temática similar. El líder de Israel se presentado, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta representación en el pasaje de éxtasis tras recibir los Mandamientos en el Monte Sinaí, mientras que, en el valle al pie del monte, el pueblo de Israel se entrega una vez más a la idolatría. De nuevo, Miguel Ángel utiliza una cabeza vuelta, concentrando una expresión de tremenda ira que se refleja también en la poderosa constitución de la estatua y a sus ojos. La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes, que provocan cierta tensión psíquica, se puede apreciar estudiando minuciosamente la escultura. Tal y como afirma un escritor, si este titán se levantara, el mundo se rompería en pedazos. Miguel Ángel lleva la cólera sagrada de “Moisés” hasta su punto más álgido. Sin embargo, la contiene, puesto que los pasionales seres del artista tienen prohibida la liberación de sus energías. Es una representación neoplatónica, la parte derecha está estable, es la parte divina, por donde le viene la inspiración, en contraposición la parte izquierda es la parte por donde le viene el peligro y el mal. Está tenso, viendo como su pueblo ha caído en la idolatría. Tiene cuatro elementos neoplatónicos, la tierra, representada en la pierna con los pliegues de la ropa a modo de cueva. El aire cuando respira, se percibe en las aletas de su nariz, que se expanden. El agua representada en sus barbas a modo de cascada. La sangre fluye de manera contenida, parece que está a apunto de estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psique se puede captar a través de su gesto y su mirada Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista. La leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo "¿porque no me hablas? “. Moisés Autor: Miguel Ángel Fecha: 1513 -1515 Material: Mármol

Donatello • Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) nació en Florencia, Italia, el 1386 y murió el 13 de diciembre de 1466. Fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano. • Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero ya desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento. • Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes estatuas para nichos destinadas a Orsanmichele y la catedral de Florencia. La gravedad y el realismo de estas monumentales figuras de mármol contrastan vivamente con la gracia y el decorativismo del gótico internacional. Donatello comenzó esta serie en 1411 con el “San Marcos” y la concluyó en 1436 con el llamado “Zuccone”. A esta serie pertenece también el “San Jorge”, su primera obra famosa. • Donatello emprendió a partir de 1427 la realización en Pisa de la tumba del cardenal Brancacci, en la que esculpió en relieve el tema de la Asunción de la Virgen. Poco después, la tumba de Baldasare Coscia para el baptisterio de Florencia permitió al artista dar sus primeros pasos en el difícil arte de la fundición en bronce. • El viaje a Roma que realizó el escultor hacia 1430 -1432 condicionó de manera decisiva toda su producción posterior, ya que le brindó la oportunidad de conocer en directo el arte de la Antigüedad. A su regreso a Florencia comenzó la famosa “Cantoría” para la catedral. Poco posterior es su escultura más famosa, el “David” en bronce. • En 1443, el artista se estableció en Padua, seguramente después de haber recibido el encargo de esculpir la estatua ecuestre del “Gattamelata”. Realizada al estilo del Marco Aurelio romano, posee la fuerza expresiva de sus estatuas anteriores, que se transmite también al caballo, representado con brío y vitalidad. • En la misma ciudad obró el retablo mayor del santuario de San Antonio, en el cual combinó siete estatuas y cuatro relieves en el siglo XVI. En estos relieves, que representan los milagros de San Antonio, son magistrales el sentido dramático y la organización del espacio. Donatello volvió en 1454 a Florencia, donde esculpió sus obras de mayor fuerza emocional en las que trabajó las expresividad de la deformación. A este período corresponden “Judit y Holofernes” y “María Magdalena”, en madera. Donatello influyó de decisivamente en la escultura florentina hasta inicios del siglo XVI.

Donatello firmó el contrato con la catedral de Santa Maria del Fiore de Florencia en 1433 para realizar una de las dos cantorías o tribunas de la iglesia. La primera, para la instalación del órgano, se pidió su realización a Luca della Robbia, para colocarla por encima de la puerta de la “sacristía de las Misas” en el sureste del crucero. La de Donatello tenía que estar dispuesta simétricamente, en el lado contrario sobre la otra “sacristía de los Canónigos” y estaba destinada para los niños del coro de la catedral, fue terminada en 1439. Ambas tribunas se conservan en el Museo dell'Opera del Duomo. La tribuna muestra la combinación de arquitectura, relieve y mosaico policromo, mezclado con motivos clásicos de dentellones y guirnaldas. Descansa sobre cinco fuertes ménsulas. En los “putti” copiados de antiguos sarcófagos romanos, consigue el máximo movimiento y expresividad gracias a la composición de los pequeños cuerpos de los ángeles, en contraposición con las columnas de separación de las escenas. Los pequeños ángeles bailan alegremente, con distintas posiciones, entre las columnillas. Representan los cantos de alabanza a Dios. Además, los destellos dorados brillantes de los mosaicos, acentúan la sensación de movimiento e imaginativa variedad de los elementos decorativos. Donatello diseñó el vitral “La Coronación de la Virgen”, de cerca de cuatro metros de diámetro y aún visible desde la nave de la catedral de Santa Maria del Fiore. En el círculo exterior se ven querubines y serafines y la escena central es la Virgen recibiendo la Corona por parte de Cristo, sentados sobre tronos, este tema estaba muy difundido en la época y muy relacionado con la Virgen María, a la que estaba dedicada la catedral. Cantoría Autor: Donatello Fecha: 1433 -39 Museo: Museo dell´Opera del Duomo de Florencia Características: 348 x 570 cm. Material: Mármol Estilo: Renacimiento Italiano

Uno de los principales encargos de Cosme de Médici fue la obra del David realizada hacia 1440, para situarla en los jardines de su palacio de Florencia, donde permaneció hasta el año 1495, cuando es trasladada al Palazzo Vecchio. En la actualidad se encuentra en el Museo del Bargello. Es una obra que exalta el cuerpo humano, que por primera vez se representaba desnudo en bronce, de tamaño natural, desde la Antigüedad clásica. Donatello representó un gran conocimiento de los clásicos unido al concepto humanista del renacimiento, buscando la perfección de la belleza en el cuerpo de David. El cuerpo está modelado por amplias y sencillas masas composiciones en diagonales, que demuestran el claro contorno de sus líneas. Se encuentra la escultura apoyada sobre su pierna derecha, y el pié izquierdo sobre la cabeza de Goliat vencido, con una pose descuidada. David de bronce Autor: Donatello Fecha: 1430 Características: 158 cm. Museo: Museo del Bargello de Florencia

Judith y Holofernes es una escultura de bronce realizada por Donatello entre 1453 y 1457. Desde 1988 se conserva en la Sala de los Lirios del Palazzo Vecchio en Florencia. Donatello fue el primer escultor, desde las esculturas antiguas, en realizar un diseño individual y libre de estructuras arquitectónicas. El trabajo no fue diseñado para su visión desde un solo punto de vista, sino que pide una vuelta alrededor de la escultura para mirar por todas partes. La estructura de la obra es piramidal, con el vértice en el hierático rostro de Judith y la hoja de la espada. Otro punto central del grupo es la cabeza de Holofernes en la que convergen las diagonales del grupo. El texto bíblico indica que la heroína necesitó dos golpes para cortar la cabeza del enemigo y el momento exacto de la acción es entre los dos cortes, como demuestra la herida en el cuello de Holofernes está desnudo y modelado de acuerdo con las normas de la anatomía, mientras Judith está enteramente cubierta por la ropa. La cabeza cubierta con un velo de Judith, no le sobresale ni siquiera un pelo, mientras que la cabellera de Holofernes es larga y salvaje. Su identificación con el «vicio» se ve confirmada por una serie de atributos, entre los que destaca el medallón que resbala por la espalda, donde se retrata un caballo irritado. Incluso las escenas de bacanales hace recordar la embriaguez y el desenfreno del tirano. El cuerpo de Holofernes cae ya sin fuerzas y se sostiene sólo por la mano de Judith. El pie derecho de la heroína lo puso en los genitales, el otro pie lo tiene en la muñeca y la rodilla cubre la mitad del medallón alegórico. La figura de Judith triunfante se levanta con su espada. Su vestido está hecho de un tejido con pliegues, con rica decoración, que contrasta, con el liso del rostro. La expresión de la juventud presenta toda una gama de emociones profundas psicológicas: concentración, decisión, fuerza, además de los conflictos internos de los que buscan el apoyo de su Dios, porque para salvar a su pueblo tiene que asumir el pecado del asesinato. El rostro de Holofernes es áspero y desfigurado. Se asienta sobre una almohada. Esta base de la escultura en forma de cojín, es un elemento naturalista. Judith y Holofernes Autor: Donatello Fecha: 1453 -1457. Museao: Palazzo Vecchio, Florencia. Características: 236 cm de altura Material: Cobre

Fidias • Fidias, nació en Atenas, hacia 490 a. C. y murió en Olimpia, hacia 431 a. C. Fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, pintor y arquitecto, perteneciente al primer clasicismo griego. Fidias diseñó las estatuas Atenea en la Acrópolis de Atenas y la colosal estatua sentada de Zeus en Olimpia. Las obras atenienses fueron aparentemente encargo de Pericles en 447 a. C. Es posible que Pericles usase el dinero de la Liga de Delos para pagarle. • Fue el artista más famoso del mundo clásico, y el que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. La vida de Fidias nos es, en su mayor parte, desconocida. Apenas se sabe nada de su formación, si bien se cree que tenía experiencia como grabador, pintor y repujador. • Fidias sobresalió tanto en la escultura como en el relieve. La primera obra que se conoce de él es la “Atenea Lemnia, ” una estatua de la diosa destinada a la Acrópolis de Atenas, de la que se conservan un busto en el Museo Arqueológico de Bolonia y una figura casi completa en el Albertinum de Dresde. • En el 438 a. C. se consagró la “Atenea Partenos”, la obra que le significó la fama. La patrona de Atenas está representada en estatua de nueve metros de altura como una diosa guerrera, con escudo y casco, preparada para la defensa de la ciudad. • Además de la Atenea para el Partenón, Fidias realizó otra estatua, ésta para el santuario de Olimpia: la efigie de Zeus, incluida por los antiguos entre las siete maravillas del mundo. Era una estatua sedente del dios, de doce metros de altura, que destilaba grandeza y majestuosidad. • Pero lo que engrandeció el nombre del artista ya en su tiempo y ha mantenido inalterada su fama a través de los siglos son las esculturas del Partenón. Finalizada la construcción del templo, Fidias y su taller se ocuparon de la decoración escultórica, que incluía un friso en bajorrelieve de unos ciento sesenta metros de longitud, dos frontones decorados con figuras exentas y noventa y dos metopas en altorrelieve. • Las piezas que se conservan se encuentran en su mayoría en el British Museum. Gozan de particular celebridad el grupo de las “Tres Parcas” y los fragmentos de la “Procesión de las Panateneas”, sobre todo el grupo de los dioses del Olimpo, donde es de admirar el magistral tratamiento de las telas, que se adhieren al cuerpo y dibujan sus contornos, una faceta creativa que ha contribuido decisivamente a la fama del arte fidíaco. • Entre las restantes obras que se atribuyen a Fidias se encuentran el “Apolo Parnopios”, estatua de bronce erigida en la Acrópolis de Atenas; el “Anadumeno de Olimpia”, en bronce, que se identifica como el Farnesio de mármol del British Museum de Londres; la “Amazonas de Éfeso”, creada en competencia con Policleto y Cresilas; y el “Anacreonte”, identificado con la estatua Borghese de Copenhague. • Los últimos años de la vida de Fidias están son un misterio. A la caída de su protector, Pericles, el escultor fue acusado de malversación del oro destinado a la estatua de Atenea, y pese a demostrar su inocencia, por haber incluido su retrato y el de Pericles en el escudo de la diosa Atenea.

Atenea Partenos es una enorme escultura de la diosa griega Atenea, obra de Fidias. Estaba alojada en el Partenón, en la Acrópolis de Atenas. Se han realizado diversas réplicas y obras inspiradas en ella. Fue la imagen de culto más renombrada de Atenas, considerada uno de los mayores logros del escultor. Fidias empezó su obra alrededor del 447 a. C. , Lacares retiró las láminas de oro en el 296 a. C. para pagar a sus tropas, y el bronce fue probablemente dorado más tarde. Resultó dañada por un incendio hacia el 165 a. C. , pero fue reparada. Continuaba estando en el Partenón en el siglo V. La obra tuvo un gran impacto entre sus contemporáneos, hasta el punto de que dio origen a una tradición de estatuas criselefantinas, en la cual encontramos de nuevo a Fidias, con la estatua de Zeus en Olimpia, y a otros escultores. El tipo general de la “Atenea Partenos”, aunque no su carácter y calidad, puede aquilatarse a partir de su imagen en monedas y sus reproducciones en miniaturas esculpidas, como objetos votivos, y en las representaciones sobre gemas grabadas. La cabeza de Atenea aparece ligeramente inclinada hacia adelante. Está de pie con su mano izquierda posada sobre un escudo vertical. Su rodilla izquierda está ligeramente doblada, su peso desplazado levemente hacia su pierna derecha. Su quitón está ajustado en la cintura por un par de serpientes, cuyas colas se entrelazan en la espalda. Los mechones del pelo caen sobre el peto de la diosa. La Niké de su mano derecha extendida es alada. La posición exacta de una lanza, a menudo omitida, no se ha determinado completamente. La escultura fue montada sobre un núcleo de madera, cubierto con placas de bronce moldeadas y recubiertas a su vez con láminas de oro desmontables, salvo en las superficies de marfil de la cara y los brazos de la diosa. La obra original de Fidias tenía unas dimensiones de 12 m de altura, aproximadamente. Atenea Varvakeion Autor: Fidias Fecha: 448 a. C. Características: 12 m. de h. aproximadamente Material: Madera, oro, bronce y marfil.

Por los cuatro lados del friso del Partenón se representa el cortejo procesional de las fiestas panatenaicas, festividad celebrada en honor de Atenea cada cuatro años, que culminaba con la entrega del peplo a la diosa, es decir, una escena real protagonizada por la sociedad ateniense y por el pueblo ático. Por lo que se refiere al estilo, se manifiesta la presencia de jóvenes maestros, discípulos de Fidias, como Agorácritos y Alcamenes. Partenón. Jinetes del friso de las Panateneas Autor: Fidias Fecha: 425 -420 a. C. Museo: Museo de la Acrópolis de Atenas Material: Relieve

Conocido como Grupo de Afrodita, formaba parte del frontón oriental del Partenón, siendo considerado una de las cumbres y máxima evolución del estilo Partenón. La diosa que aparece plácidamente recostada, lujosamente vestida y resplandeciente de belleza es Afrodita, probablemente ocupada en mirarse al espejo que sostendría en la mano derecha. La acoge en su regazo Artemis, su antigua enemiga hasta que la originalísima iconografía fidíaca las reconcilia, símbolo del espíritu conciliador que Pericles quiere para Grecia. La tercera diosa es seguramente Leto, madre de Artemis y de Apolo. Partenón (Atenas). Frontón oriental. Diosas Autor: Fidias Fecha: 445 -38 a. C Museo: British Museum Material: Mármol Estilo: Grecia

Auguste Rodin • François-Auguste-René Rodin nació en París el 12 de noviembre de 1840 y murió en Meudon el 17 de noviembre de 1917. Fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado de dar un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado el primer moderno. • Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura. • Su primera obra, “El hombre de la nariz rota”, tuvo muy malas críticas en 1864. Tras unos años al servicio del empresario Albert Carrier-Belleuse, para quien trabajó en la decoración de la fachada de la Bolsa de Bruselas, en 1875 emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel. El resultado de su contacto con él fue “La edad del bronce”, presentada en el Salón de 1877, que desagradó profundamente por su extraordinario realismo. • Seguía sin triunfar como escultor, lo que consiguió al fin en 1881, cuando presentó en el Salón “San Juan Bautista predicando”. Entonces recibió la gran petición de su vida: las puertas monumentales del futuro Museo de Artes Decorativas de París, que nunca llegaron a realizarse, si bien se fundieron en bronce en 1928, y para las que Rodin esculpió una de sus obras maestras, “El pensador”. • Aceptó el encargo de levantar el monumento de “Los burgueses de Calais”, una obra de dramatismo contenido. Fueron éstos sus años de máxima creatividad, con obras como “El beso” que han llevado a considerarlo el principal escultor impresionista, junto con el italiano Medardo Rosso. Con posterioridad, siguió creando obras de inspiración personal, pero se centró en los retratos y en la realización de monumentos públicos, tales como los dedicados a Victor Hugo y a Balzac.

Las puertas del infierno es un monumental grupo escultórico creado por el artista francés Auguste Rodin. Contiene 180 figuras. Fueron encargadas en 1880 por Edmond Turquet a Rodin en nombre del estado para el futuro Museo de Artes Decorativas de París a fin de desagraviarlo tras su mala acogida inicial, pero el proyecto quedó cancelado y permaneció en el taller del escultor que le fue haciendo añadidos hasta su muerte. Actualmente se encuentran en el Museo Rodin de París, pero no están completas. El material es bronce, aunque no se fundió hasta después de la muerte del artista. La iconografía está basada en “La Divina Comedia” de Dante y en los poemas de Baudelaire de su obra “Las flores del Mal”, tratando de realizar una gran alegoría del amor y la condena. Tal vez se trate de una reflexión sobre la condición humana, con sus luces y sombras. Romanticismo y simbolismo se aprecian en esta obra, que precisamente por su temática se aleja de los intereses de los impresionistas, a los que, sin embargo, se acerca dada su preocupación por los efectos de la luz y por afinidad artística y personal. Algunas de las más de doscientas figuras representadas las reprodujo el autor más tarde, como es el caso de “El pensador”, que se aprecia en el dintel de esta puerta, así como Las tres sombras que aparecen en el ático. Predomina el altorrelieve, llegando incluso a lo exento. El conjunto recuerda al “Juicio Universal” de su admirado Miguel Ángel, así como a las obras de Gustave Doré o las obras de William Blake. Las referencias clásicas son claras: el dintel a modo de tímpano o el ático, así como las pilastras en las jambas, como también lo es su referencia a las puertas del Baptisterio de la Catedral de Florencia. Por otra parte el papel de la luz, los claroscuros y la poco definida línea de sus figuras, son elementos modernos que nos permiten aproximarlo a los impresionistas. Puerta del infierno Autor: Auguste Francois R. Rodin Fecha: 1880 -1917 Características: 6, 5 m. de alto, 4 m. de ancho y 1 m. de profundidad

El pensador es una de las más famosas esculturas en bronce de Auguste Rodin. La pieza formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante. Cada una de las estatuas representaba a uno de los personajes principales del poema alegórico. “El pensador”, en su origen, buscaba representar a Dante frente a “Las Puertas del Infierno” (como llamó al portal del que formaría parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía. Rodin hizo un primer modelo de la escultura en yeso en 1880. La primera escultura a gran escala se culminó en 1902. Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. “El Pensador” está fundido en bronce y fue terminado en 1880. El pensador Autor: Auguste Francois R. Rodin Fecha: 1880 Museo: Museo Rodín Características: 71, 9 x 45, 1 x 56, 2 Material: Bronce

El Beso apareció originalmente entre un grupo de relieves El sistema usado por Rodin para hacer sus esculturas de gran tamaño consistía en emplear a escultores que esculpiesen a escala un modelo menor en algún material más fácil de esculpir que el mármol y una vez terminadas, Rodin daba los toques finales él mismo. En “El Beso” puede verse el libro en la mano de Paolo. Cuando los críticos de arte vieron la escultura en 1887. En 1888, el gobierno francés encargó a Rodin la primera versión en mármol de “El Beso” de gran tamaño y apareció por primera vez en el Salón de París en 1898. Fue muy popular. En 1900, Rodin hizo una copia por encargo de Edward Perry Warren, un excéntrico coleccionista americano que vivía en Sussex, Inglaterra. Pero “El Beso” había sido encargada por el Estado francés y no estaba disponible. En 1914, fue prestada al ayuntamiento de Lewes, Sussex, pero el tema erótio de la escultura fue considerado ofensivo. Tres años más tarde, en 1917, “El Beso” regresó a los establos donde había estado. Durante algunos años, permaneció en la galería de arte de Cheltenham, hasta que en 1953, la galería Tate lanzó una campaña pública para la compra de la escultura. decorando la monumental puerta de bronce de la mansión Cozzi, “Las Puertas del Infierno”, de Auguste Rodin. Elaborada entre 1886 y 1890, la escultura corresponde al momento en que Rodin trabaja junto con Camille Claudel. El beso Autor: Auguste Francois R. Rodin Fecha: 1886 Características: 183 cm. Altura Material:

Antonio Canova • A causa de sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, empezó a dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó fama y prestigio. • Sus primeras obras venecianas, como “Orfeo y Eurídice” o “Dédalo e Ícaro”, están impregnadas todavía del espíritu barroco que reinaba en la ciudad de la laguna. Cuando era ya un artista consagrado, se estableció en Roma (1781), donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la Antigüedad clásica. • Sus primeras obras del período romano, como “Teseo y el Minotauro”, manifiestan ya la maestría técnica y la perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. Canova perfeccionó su plasmación del desnudo y superó las deficiencias de sus primeros estudios anatómicos. • En su estudio romano desplegó una enorme actividad para poder atender todos los encargos que recibía de las más destacadas personalidades del momento, desde Napoleón hasta Catalina la Grande de Rusia. Era ya por entonces el principal escultor del estilo neoclásico. • Canova realizó esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Este escultor, plasmó la belleza natural en reposo, libre de cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan con la etapa precedente. • En esta línea se inscriben sus dos creaciones más conocidas: el retrato de la hermana de Napoleón, Paulina Borghese, y las “Las tres Gracias”. Paulina Borghese está esculpida como una Venus, sobre un diván, con la elegancia y la ligereza características de Canova. “Las tres Gracias” encarnan el desnudo femenino en toda su perfección, y en ellas el artista parece querer reflejar algo de su mundo interior. • Canova tiene, además, el mérito de haber renovado profundamente el género del sepulcro monumental. Entre las muchas efigies oficiales que realizó es particularmente célebre el “Napoléon desnudo”, cabal ilustración de los ideales neoclásicos. Su fama como artista le abrió numerosas puertas y lo convirtió en un hombre enormemente influyente, a quien el Papado encomendó misiones delicadas, como la recuperación de las obras de arte expoliadas por Napoleón.

Hércules y Licas es un grupo escultórico de mármol del escultor Antonio Canova que ejecutó entre 1795 y 1815 y se encuentra en la Galeria Nacional de Arte Moderno de Roma. El grupo escultórico sigue una precisión geométrica absoluta. El héroe aparece en un momento de máxima tensión muscular, justo en el acto de levantar por el pie al infortunado muchacho, que en vano se resiste, aferrándose al altar que se encuentra detrás de Hércules y a la piel del león abandonado a sus pies. Licas está fuertemente izado y suspendido en el aire un momento antes de ser arrojado al mar. El grupo, muestra el arco de torsión de los dos cuerpos desnudos, emitiendo una energía intensa, que hace patente el clímax desesperado en la cara del niño y el enojado Hércules, enmarcado por espesa barba rizada, el héroe aparecería completamente desnudo si no fuera por el tenue velo que Canova utilizó para cubrir la masa de los músculos. Hércules y Licas Autor: Antonio Canova Fecha: 1795 -1815 Museo: Galeria Nacional de Arte Moderno de Roma Material: Mármol Características: 335 cm

“Psique reanimada por el beso del amor”, también llamada “El amor de Psique” o “El beso”, es una escultura de mármol de estilo neoclásico que representa a Cupido y Psique. Inicialmente tallada para el palacio de F. Berio en Nápoles, esta obra de Canova ilustra adecuadamente, como otras obras suyas de este período, su vinculación teórica con las ideas de Winckelmann, no sólo en cuanto a la imitación analógica de las estatuas griegas, a las que había que imitarlas para alcanzar a ser inimitables, sino también en relación al método de realización, abocetando fogosamente y realizando con flema. Este grupo es poco anterior a una de las obras más meditadas y simbólicas de Canova, el Perseo, verdadera recreación del ideal de la escultura clásica. Eros y Psique Autor: Antonio Cánova Fecha: 1786 -93 Museo: Museo Nacional del Louvre Características: 155 cm. altura Material: Mármol

El monumento funerario de María Cristina de Austria es una obra de escultura neoclásica de Antonio Canova, que se mantiene en el interior del Augustinerkirche de Viena. La obra escultórica se muestra como una gran pirámide blanca abierta en el centro por una oscura abertura, hacia la cual se dirige una triste procesión. Presenta la rigidez que caracteriza la nueva dirección artística de la escultura funeraria, dejando el movimiento en esta tradición del barroco. La pirámide de mármol, tiene sobre la entrada marcada un dintel con la inscripción “uxorio optimae Albertus” y presenta en la parte superior un medallón en relieve con el retrato de María Cristina, con el apoyo de la personificación “La felicidad”, acompañados de un angelote en la izquierda. La procesión sale de la parte izquierda por una escalera, todos los personajes están marcados por una expresión triste y la cabeza hacia abajo: la personificación de la “Virtud” sostiene la urna de las cenizas tras dos niñas, la “Caridad” acompaña bajo su brazo a un anciano ciego, que se sostiene con un palo. La procesión es seguida por toda la estela de una alfombra drapeada, que acompaña hasta la oscuridad del vacío interno, símbolo del mundo de los muertos, para subrayar la continuidad entre la vida y la muerte. A la derecha, dos figuras durmientes, un león, símbolo de la “Fortaleza” y, apoyado en su espalda, un genio alado con suaves curvas. Esto indica que la muerte es vista como un sueño eterno. Monumento funerario de María Cristina de Austria Autor: Antonio Cánova Fecha: 1798 -1805 Museo: Iglesia de los Agustinos de Viena Características: 574 cm. altura Material: Mármol

Praxíteles • Praxíteles de Atenas, hijo de Cefisodoto el Viejo, fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a. C. Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierism. Sus obras están caracterizadas por la llamada “karis” (gracia) ática y la llamada «curva praxiteliana» . • Fue el primero en esculpir la forma femenina desnuda en una estatua a tamaño natural. Aunque no queda ninguna escultura que sea atribuible sin dudas a Praxíteles, numerosas copias de sus obras han sobrevivido; autores contemporáneos escribieron sobre sus obras; y han sobrevivido monedas grabadas con siluetas de varios de sus modelos estatuarios. • Una supuesta relación entre Praxíteles y su bella modelo, la cortesana tespia Friné, ha inspirado especulación e interpretación en obras de arte que van desde la pintura a la ópera cómica o las marionetas. • Algunos escritores han sostenido que hubo dos escultores con el nombre de Praxíteles. Uno sería contemporáneo de Fidias y el otro su más conocido nieto. Aunque la repetición del mismo nombre en generaciones sucesivas es habitual en Grecia, no hay evidencia cierta para ninguna de las posiciones. • Pocas cosas se saben de la vida de Praxíteles: no se sabe siquiera con certidumbre el año de su nacimiento ni el de su muerte. Las fuentes literarias abundan pero son tardías, ninguna de ella es anterior al siglo III. • Nacido en Atenas hacia el 400 a. C. , formado junto a su padre Cefisódoto el Viejo, desarrolló su máxima actividad artística entre los años 370 y 340. Plinio el Viejo sitúa su apogeo artístico desde 364 a 361 a. C. y señala que Eufránor fue un escultor contemporáneo suyo. Se considera generalmente que Praxíteles nació hacia el año 400 a. C. • Estuvo asociado con Friné, una famosa cortesana que le sirvió de modelo y que también fue su amante. Esta circunstancia podría probar que se trataba de un artista con recursos económicos, como también lo demostraría el que fuese honrado con el patronato de uno de los coros de Atenas, algo que había que pagar. Fue también popular entre el pueblo, que gustaba de adquirir sus trabajos aunque Praxíteles no fuese inclinado a ello.

La Afrodita de Cnido es una de las más célebres esculturas de Praxíteles y una de sus primeras obras, realizada en Atenas en torno al año 360 a. C. La escultura representa a la diosa griega del amor, la belleza y la fertilidad femenina de Afrodita, prestándose a realizar, o tras haberlo efectuado, el baño ritual de las Eleusiadas. Tal escultura estaba destinada a exornar el naos de un pequeño templo de dos aberturas a lo largo de un mismo eje, o quizá para ubicarse en un templete en la ciudad helénica de Cnido (en Caria, Anatolia). La Afrodita de Cnido, para la cual sirvió de modelo Friné, fue representada desnuda en actitudes personalmente íntimas. Tal actitud recibió el nombre de replegamiento intimista y se utilizó principalmente en la Antigüedad para representar a divinidades y personajes míticos en poses particularmente despreocupadas. La obra de Praxíteles se hizo rápidamente famosa y fue muy venerada. Se trata de una de las esculturas que posee mayor número de copias y variantes. La desnudez en la Afrodita Cnidia es un logrado elemento de erotismo: la seducción ha sido acentuada merced a la tersura que se ha obtenido en el fino labrado del mármol que constituye a la estatua. Tersura realzada por las curvilíneas y suaves (mórbidas) formas. Formas que se "mueven" con un perfil sinuoso. La representación toma, en efecto, a Afrodita cuando presta al baño, deja caer casi lánguidamente sus vestiduras sobre una hydria que está a su costado. La vestidura y el ánfora, pese a la impresión opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte estructural, de manera que así el cuerpo puede "rotar" levemente hacia adelante y hacia la izquierda, casi en un gesto de pudor. Como si la diosa hubiese sido sorprendida en tal pose por un extraño. Por ello, "lleva" su mano diestra delicadamente a cubrir incompletamente el pubis. Afrodita de Cnido Autor: Praxíteles Fecha: 360 a. C. Material: Mármol

Hermes con el niño Dioniso es una escultura de mármol con una altura de 213 centímetros y que se encuentra en el Museo Arqueológico de Olimpia. Su autoría se atribuye a Praxíteles. Se encontró en el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera donde servía como ornamentación. Se trata de una obra escultórica exenta, inspirada en la mitología griega. El Hermes de Olimpia fue hallado donde, según Pausanias, se encontraba un Hermes de Praxíteles; su verdadera atribución lleva más de un siglo siendo quebradero de cabeza para todos los estudiosos. Ciertamente, se inclina buscando la curva praxitélica, su cara es suave como las de Praxíteles, y el grupo se estructura parece de Cefisódoto el Viejo; la perfección de la talla es sublime, y la estatua ondula en dos dimensiones. Pero, por otra parte, su musculatura es más fuerte que las que suele usar Praxíteles, dando una cierta rigidez a su actitud; su cabello parece inacabado, la frente se abomba sobre los ojos en lo que suele llamarse barra miguelangelesca, un elemento más bien usado en el taller de Lisipo; y, desde luego, el manto que cuelga sobre el árbol es tan realista que bien justifica la conocida frase del sabio alemán al que enseñaron las primeras fotos sacadas a la obra durante la excavación. Siempre se podría pensar que su verdadero autor fuese un Praxíteles que vivió, por lo que sabemos, en la primera mitad del siglo, y que retrató, según nos cuenta Diógenes Laercio, a un hijo de Aristóteles. Ante tal cúmulo de dudas, no queda más que confesar la ignorancia de la ciencia moderna y, por desgracia, expresar el convencimiento de que, en este punto, va a ser duradera. Hermes con el niño Dioniso Autor: Praxíteles Fecha: 360 a. C. Características: 213 cm altura Museo: Museo de Olimpia

El Apolo Sauróctono era una estatua de bronce y de tamaño natural realizada por Praxíteles en el siglo IV a. C. Representaba a Apolo en su adolescencia a punto de herir a un pequeño lagarto que trepaba por el tronco de un árbol. Aparece representado en monedas de Nicópolis. Una copia que se encuentra en el museo del Louvre anteriormente estaba en Italia, en Villa Borghese. Es de mármol. En la época romana debieron ser muy abundantes las copias que se hicieron del original de Praxíteles. En 2004 el museo de arte de Cleveland compró una estatua de bronce que representa al Apolo Sauróctono, que había pertenecido a una colección particular alemana. El tema de la representación de un dios como Apolo en un entretenimiento infantil dentro de un templo es sorprendente y extraño. Apolo, representado como un adolescente, se encontraba en actitud relajada y pensativa antes de herir al pequeño lagarto con una flecha que debía tener en una de sus manos. La postura de Apolo conserva la característica curva praxiteliana en la cadera, compensada con el apoyo del peso sobre una de sus piernas y sobre el árbol. Esta figura podría representar a Apolo en su condición de pastor. Según la mitología griega, Apolo mató a los Cíclopes y por ello fue sentenciado a servir como pastor del rey Admeto. También podría ser una parodia del mito en el que Apolo mató a la serpiente Pitón. Es posible que el propósito de estatua, en la que el lagarto simbolizaría la enfermedad, fuera representar los atributos de Apolo Sauróctonos Autor: Praxíteles Fecha: 360 a. C.

Policleto • Policleto, llamado “el Viejo” para diferenciarlo de su hijo, fue un escultor griego en bronce del siglo V y principios del siglo IV a. C. Junto con Fidias, Mirón y Cresilas, es el más importante escultor de la Antigüedad clásica. Policleto fue famoso sobre todo por sus estatuas de dioses y atletas realizadas en bronce, aparte de la enorme estatua de la diosa Hera, destinada al culto en el Hereo de Argos. • En la actualidad sólo se conocen algunas de sus obras a través de copias helenísticas y romanas, realizadas en mármol. La más celebrada es el Doríforo ( «Portador de lanza» ). El autor aplicó en ella el sistema de proporciones de la figura humana que consideraba ideal y sobre el que escribió un tratado homónimo. Otra de sus mejores obras es el Diadumeno, en la que también representa a un atleta; Policleto fue, de hecho, un gran especialista en la plasmación escultórica de la belleza del cuerpo humano. De su obra más admirada en la Antigüedad, la estatua criselefantina de Hera para el Heraión de Argos, sólo se conocen reproducciones sobre monedas. Fue, junto con Fidias, la gran figura de la escultura griega del siglo V a. C.

El Doríforo es una destacada escultura de Policleto, realizada entre los años 450 y 445 a. C. , identificable como una representación idealizada del mítico héroe Aquiles. Es la representación de un joven en el máximo desarrollo de su fuerza muscular, sin que la figura muestre ningún rasgo de niñez. Representa a una figura desnuda masculina joven en actitud de marcha, con una lanza sobre el hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha y con una leve sonrisa en el rostro, acompañada de una mirada perdida y distante. Esta obra conserva aún rasgos de un cierto arcaísmo: está tallada con cierta rudeza, los músculos de los pectorales son planos, sin apenas relieve, y las líneas de cadera y cintura están perfectamente marcadas. El movimiento de la figura está perfectamente acompasado, con una pierna avanzada hacia delante y la otra un poco más retrasada. La belleza del Doríforo reside primordialmente en su proporción y medida. La pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y retrasada toca el suelo. En la parte superior el brazo derecho no realiza ningún esfuerzo y cae relajado a lo largo del cuerpo, mientras que el brazo izquierdo se dobla para sostener la lanza, el torso presenta una ligera inclinación hacia el lado derecho y la cabeza gira en ese mismo sentido inclinándose levemente. Fue realizado para ser visto de frente, por ello se marca claramente el eje vertical, pero Policleto rompió con la simetría oponiendo las partes del cuerpo respecto del eje, sometiéndolas al servicio de la totalidad. Es la obra más famosa esculpida por Policleto, pues en ella el artista griego concretó el canon de belleza, de 7 cabezas, considerada como el modelo de proporciones del cuerpo humano. La cabeza tiene la medida justa (una séptima parte de la altura total), el vientre y el pecho están muy marcados y presenta una cierta rigidez y algo de exageración antinaturalista en los pectorales e ingles. De esta obra, como de la mayoría de obras griegas, no nos ha llegado más que algunas copias en mármol de un original en bronce. Doríforo Autor: Policleto Fecha: 440 -30 a. C Material: bronce

El Discóforo fue una escultura en bronce de Policleto, creador del Doríforo y el Diadúmenos, y sus muchas copias romanas en mármol. Es una obra temprana de Policleto, que data del 450440 a. C. Representa a un atleta joven, musculado, sólidamente construido, en un momento de reflexión en el momento de desnudarse preparado para lanzar el disco y el momento en el de hecho lo lanza. Este tipo de Discóforo de Policleto se ha conservado en copias de mármol romanas de los siglos I y II. Estas copias a menudo carecen de brazos, que de igual manera se restauran con frecuencia. Una copia en el Museo Torlonia en Roma le muestra con un disco en la mano izquierda. Esta copia sugiere una conexión con un Torso de Éfeso. Puesto que la cabeza representa una cabeza ideal, suele relacionarse con la figura de Hermes. En realidad, hay estatuas de Hermes con el casco alado como un atributo externo, lo que apoya esta interpretación. Las cabezas de Policleto no son retratos fidedignos de personas concretas, por lo que se refieren a una búsqueda mitológica. Discóforo Autor: Polícleto Fecha: 450 -440 a. C. Material: Bronce

El Diadumeno o Diadúmeno es una estatua diseñada por Policleto en el siglo V a. C. La estatua original fue realizada en metal, seguramente en bronce, pero en la actualidad sólo se conservan copias de piedra caliza y mármol. Representa a un atleta griego ciñendo en su cabeza la cinta de la victoria, de donde procede el nombre. Aún está desnudo después de la competición y eleva los brazos para atarse la diadema, una banda en forma de cinta que identifica al ganador y que en la obra original de alrededor del año 420 a. C. estaría representada por una cinta labrada. Diadúmeno Autor: Policleto Fecha: 430 -20 a. C Material: Metal (bronce)

Benvenuto Cellini • Benvenuto Cellini nació en Florencia el 3 de noviembre de 1500 y murió el 13 de febrero de 1571. Fue un escultor, grabador y escritor florentino. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. • Su personalidad es una de las mejor conocidas del Renacimiento italiano gracias a su autobiografía, que gozó de gran fama en los siglos XVII-XVIII, hasta el extremo de encumbrar al artista por encima de sus merecimientos. La obra muestra a un Cellini orgulloso de sí mismo y narra una vida llena de aventuras y de anécdotas que dan origen a páginas de gran interés, reveladoras del ambiente cultural y social de su época. • De 1519 a 1540 residió fundamentalmente en Roma, donde se sabe que recibió encargos del Papa y de otros comitentes destacados, pese a lo cual sólo se conservan de aquel período algunos sellos, monedas y medallas. • En 1540 se trasladó a Francia para trabajar al servicio de Francisco I en Fontainebleau. Por entonces realizó el celebérrimo Salero de oro con esmaltes, que constituye la mejor creación de la orfebrería renacentista gracias a su plasmación en pequeño tamaño y con multitud de detalles de un grupo escultórico. • “La Ninfa de Fontainebleau” es la primera escultura que se conoce de su mano, fechada poco antes de su regreso a Florencia motivado por problemas con la corte, en 1545. En esta ciudad trabajó al servicio de Cosme I de Médicis, para quien realizó bustos y esculturas en metal, entre las cuales se encuentra el famoso “Perseo en bronce” de la Loggia dei Lanzi, que se considera su obra maestra.

Este Salero de Francisco I de Francia es una obra de Benvenuto Cellini, que forma parte de la colección de artes decorativas del Kunsthistorisches de Viena. Está realizado con marfil, oro y esmalte. Fue modelado y fundido en algún momento entre 1539 y 1543 para el rey Francisco I de Francia, a partir de modelos que habían sido preparados muchos años antes para el Cardenal Hipólito de Este salero está formado por una figura masculina que representa al mar y otra femenina que es la tierra. Un pequeño recipiente que se pretende que guarde la sal está colocado cerca de la figura masculina. Pasó a poder de los Habsburgo austriacos como un regalo de Carlos IX de Francia al archiduque Fernando II del Tirol. Originariamente era parte de la colección de arte Habsburgo en el Castillo de Ambras, pero luego se trasladó al Kunsthistorisches de Viena en el siglo XIX. Este salero es la única obra de oro conocida que puede atribuirse con certeza a Cellini. Fue creado en un estilo renacentista tardío y representa alegóricamente la tierra y el mar alegóricamente en las figuras de Neptuno, dios del mar y Ceres, diosa de la tierra, simbolizando su unión al producir sal procedente de la tierra. Salero de Francisco I Autor: Benvenuto Cellini Fecha: 1540 -43 Museo: Kunsthistorisches Museum Características: 26 x 33, 5 cm. Material: Oro Estilo: Renacimiento Italiano

Perseo con la cabeza de Medusa es una escultura realizada en bronce por Cellini, considerada una de las obras cumbres de la escultura manerista italiana y una de las estatuas más famosas de la Piazza della Signoria en Florencia, Italia. Expuesta en la Loggia dei Lanzi, la escultura representa a Perseo de pie sobre el cuerpo de Medusa; apenas la acaba de decapitar con la espada que empuña con la mano derecha, mientras que con la mano izquierda sostiene triunfante la cabeza del monstruo tomada por su cabellera. Erigida sobre un alto pedestal decorado con estatuas de bronce de fina hechura fue concebida de manera de mirar hacia abajo al espectador. Junto con el grupo del Rapto de las Sabinas es la única estatua conservada en la Logge dell'Orcagna que fue concebida especialmente para dicho sitio. En la nuca de la estatua, en posición extremadamente rara, se puede observar un autoretrato doloroso de Cellini. El pedestal, reemplazado en el siglo XX por una copia, es en sí mismo una gran obra: en el refinamiento de los pequeños bronces de las divinidades relacionadas con el mito de Perseo se manifiesta a pequeña escala toda la habilidad que Cellini posee. La escultura de Perseo fue encargada por Cósimo. La obra fue realizada entre 1545 y 1554. La estatua que se observa en la actualidad es la original que solo fue trasladada en 1998 para realizarle una profunda limpieza y restauración. Perseo con la cabeza de Medusa Autor: Benvenuto Cellini Fecha: 1554 Museo: Logia dei Lanzi Características: 320 cm. altura Material: Bronce Estilo: Renacimiento Italiano

A veces, debido al carácter excéntrico, arrebatado o visceral de los artistas, las obras artísticas que producen arrastran consigo más de alguna historia sórdida, en lo que a su concepción se refiere. Un ejemplo es la "Ninfa de Fontainebleau", que esculpió Benvenuto Cellini, cuya historia arrastra adulterio, sadomasoquismo y un intento de asesinato. Cellini contrató a una modelo llamada Catalina, para esculpir su Ninfa, y también para proporcionarse servicios lúbricos. Pero Catalina se enredó con el administrador de Cellini, y éste, al ser sorprendido con la modelo, se las arregló para sobrevivir simplemente corriendo más rápido que el escultor. Este no pudo matar al administrador, pero sí echó a Catalina de la casa, junto con la madre de ella (que vivía allí también) literalmente a puñetazos y puntapiés. Para vengarse, ellas denunciaron a Cellini de haber utilizado a Catalina "al modo italiano", lo que en la Francia de aquel tiempo significaba sodomía. Una acusación de tal tipo en aquellos años era hoguera segura, pero Cellini recurrió a sus amigos italianos en Francia para que armaran un tumulto tal, que lo dejaron libre. Entonces vino la venganza de Cellini. Con un par de matones, y a punta de espada, le arrancó a su antiguo administrador una promesa de matrimonio con la casquivana Catalina, la que le obligó a cumplir. Luego, exigió que Catalina regresara a seguir modelando, la hizo posar en una posición forzadísima a propósito para causarle dolor físico, y siguió sirviéndose sexualmente de ella, esculpiéndole a la criatura que la chica de la escultura abraza, un gran par de cuernos, que simbolizan, por supuesto, los del marido de Catalina. Cuando Cellini le dijo a Catalina todo esto, ella se enfureció, lo que le ganó una ostensible paliza. Increíblemente, Catalina regresó a modelar, apenas recuperada de sus heridas. Desde entonces volvieron a repetirse las sesiones de sexo, modelaje y palizas, con regularidad. Las razones por las cuales Catalina no volvió a modelar para Cellini después de todo eso, son desconocidas. Descripción: Bronce. 205 x 409 cm. Localización: Museo del Louvre. París Autor: Benvenuto Cellini

Filippo Brunelleschi • • Filippo di Ser Brunellesco Lapi, Filippo Brunelleschi nació en 1377 y murió el 15 de abril de 1446. Fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva cónica. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura. No es de extrañar, por tanto, que participara en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el quedó segundo, después de Ghiberti. Se dice que su decepción por este relativo fracaso fue tal que en lo sucesivo decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A Brunelleschi se debe, de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva central, tal como afirma Alberti en su famoso tratado Della pintura. Pero en su época, su fama estuvo asociada, sobre todo, a la cúpula de la catedral de su ciudad natal, Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron. De hecho, en la actualidad la cúpula continúa siendo su obra más admirada. A partir de los monumentos clásicos y de las realizaciones del románico toscano, creó un estilo arquitectónico muy personal, en el que desempeñan un papel fundamental las matemáticas, las proporciones y los juegos de perspectiva. En todos los edificios que llevan su firma, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante fórmulas matemáticas, de manera que, por ejemplo, una sección es la mitad o la cuarta parte del todo, etc. También entran en juego las combinaciones de diferentes figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo), ya que para Brunelleschi, como buen renacentista, la estética no era un juego de azar sino el resultado de la correcta aplicación de una serie de leyes preestablecidas. Su arquitectura elegante y moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo. Son dos obras de planta central, basadas en la armonía visual y en la alternancia, característica del artista, entre arenisca gris y estuco blanco.

A la Capilla Pazzi se accede desde el claustro de la basílica de la Santa Croce (Florencia) ya que se encuentra ubicada en el jardín de ésta. Encargada por la familia Pazzi en 1441 a Filippo Brunelleschi, fue su última obra. Edificio de pequeñas dimensiones y con un pórtico cubierto por bóveda de planta circular que mediante el uso de pechinas crea una bóveda de paraguas, que se construyó como recinto funerario de los Pazzi. Brunelleschi emplea la medida de la proporción áurea (ya empleada anteriormente por los griegos en sus templos) en el diseño de su planta y fachada. Planta rectangular con cúpula central y pórtico. Su fachada es un pórtico de cinco tramos entre seis columnas de orden compuesto, los cuatro extremos adintelados y el central en forma de arco de triunfo semicircular muy alto y de doble anchura, que se cubre por una bóveda de cañón. Sobre tal pórtico se alza un ático decorado con pilastras corintias y seccionado por el gran arco del centro, que se corona en una cornisa muy ornamentada. Combina el adintelado griego con el arco central de origen romano, serviría para suavizar la luz. Arriba sobresale la cúpula con su linterna. Una capilla donde se coloca el altar, ornamentada con pilastras adosadas con acanaladuras y bóvedas de cañón con casetones. El pórtico combina arco central con vanos adintelados (serliana) y frisos a base de tondos y estrigilos. Capilla de los Pazzi (Florencia) Autor: Filippo Brunelleschi Fecha: 1430 -44 Museo: Iglesia de Santa Croce de Florencia Características: Material: Estilo:

El Spedale degli Innocenti (en español: Hospital de los Inocentes) fue un orfanato de niños de Florencia, diseñado por Filippo Brunelleschi 1 2 , quien recibió el encargo en 1419. Está considerado un notable ejemplo de la arquitectura del primer renacimiento italiano. El hospital, con una galería frente a la Plaza della Santissima Annunziata, fue construido y dirigido por el "Arte della Seta" o Gremio de la Seda de Florencia. Este gremio era uno de los más ricos de la ciudad y, como la mayor parte de las cofradías, asumía obligaciones filantrópicas. En el extremo izquierdo del pórtico está la rota, un torno de piedra para meter al niño en el edificio sin que se viera al padre. Esto permitía a la gente abandonar a sus hijos anónimamente, para que fueran cuidados en el orfanato. Este sistema siguió funcionando hasta el cierre del hospital en 1875. Hoy el edificio aloja un pequeño museo de arte renacentista. Hospital de los Inocentes (Florencia) Autor: Filippo Brunelleschi Fecha: 1419 Museo: Características: Material: Estilo:

La capacidad de Brunelleschi, para integrar la tradición en la nueva arquitectura, que ya demostró en la cúpula de la catedral, se puso de manifiesto también en las dos iglesias que realizó con planta basilical: san Lorenzo y el Santo Spirito. En 1418 ocho familias florentinas decidieron la construcción de una iglesia en la que hubiera una capilla para cada una. Fueron los Médici quienes decidieron encargársela a Brunelleschi y, en tiempo de Cosme de Médici, esta familia conseguiría a cambio de una cantidad de dinero que la iglesia quedara sólo para ellos. Es todo un ejemplo de cómo el ascenso social basado en el poder económico se acompañó de una serie de signos externos que atañen directamente al arte. Para San Lorenzo Brunelleschi creó una planta de cruz latina que, a pesar de ser espacialmente longitudinal, produce un cierto efecto visual de centralización en la zona del transepto al penetrar en esa zona la luz de la linterna de la cúpula. Tanto en San Lorenzo, como en la otra iglesia de planta basilical, el Santo Spirito, utiliza el bicromatismo para enfatizar esa perfección geométrica del diseño que tanto debe a la perspectiva. En San Lorenzo volvemos a encontrar las pequeñas ménsulas que marcan el módulo, un módulo que en ambas iglesias está basado sobre el círculo inscrito en un cuadrado. En ambas iglesias la columna, al modo clásico, adquiere una importancia de primer orden y, a la vez que se respetan sus proporciones, su altura resulta aumentada mediante la inclusión de un fragmento de entablamento sobre el capitel. Este elemento probablemente lo tomara Brunelleschi de la Basílica romana de Constantino, aunque allí no aparece sobre columnas exentas, y es un elemento que tendrá su proyección en el Renacimiento español. Iglesia de San Lorenzo (Florencia) Autor: Filippo Brunelleschi Fecha: 1419 Museo: Características: Material: Estilo:

FOTÓGRAFOS

Ansel Adams • Ansel Easton Adams nación el 20 de febrero de 1902 en San Francisco (California) y murió el 22 de abril de 1984. Fue un fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas. • Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (“La Cámara”, “El Negativo” y “La Copia”). • Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio. • Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza. Se inició en la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box Brownie que le dieron sus padres. • En 1930, Ansel Adams conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del estilo “pictorialista” y a encaminarse hacia el estilo de “straight photography”, donde la claridad de la lente es lo más importante, y donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible. • En 1932, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo llamado "f/64". Éste grupo promovió y evolucionó “straight photography”. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que siempre había admirado. Stieglitz le ayudó a hacer su primera exposición. • El 6 de agosto de 1953, Adams comenzó a hacer fotografía comercial. No era algo que le encantase, puesto que creía que no lo dejaba explotar su creatividad, aunque le proporcionaba suficiente dinero para vivir. Trabajó para marcas como IBM, AT&T, Nacional Park Service y Kodak, y para revistas como Life y Fortune, además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad. Este trabajo hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas reconocidas en todo el mundo. • Adams desarrolló el famoso “sistema de zonas”, un método de medición y revelado que se utilizaba para dividir la graduación de luz de una escena en 11 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión. • En 1936 colaboró organizando la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Más tarde colaboraría con Dorothea Lange para un trabajo de la revista Life. Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de América, muchas de ellas centradas en el parque Yosemite. Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad. • Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.

Esta fotografía de Ansel Adams muestra a unos jornaleros ejerciendo sus labores agrícolas frente al Monte Williamson. Es un ejemplo de agricultura intensiva en la modalidad del empleo de abundante mano de obra. La fotografía está hecha en blanco y negro y ofrece una imagen dinámica.

Esta fotografía de Ansel Adams data de 1942 y muestra un amanecer en el Lago Mc. Donald, situado en el Parque Nacional Glacier. La foto es en blanco y negro. Además, se puede apreciar cierta simetría. En la fotografía se puede observar el agua cristalina de este lago, en el que se reflejan las nubes que surcan el cielo de este precioso amanecer. En la parte de arriba de la fotografía (al fondo del paisaje) se encuentran las montañas, que desembocan en el lago, y las nubes del cielo.

En esta fotografía, Ansel Adams ilustra las montañas Tetons y el río Snake. La imagen es en blanco y negro. En ella, se encuentra, en primer plano, una parte del río Snake. En un segundo plano, al fondo del paisaje, se encuentran las montañas Tetons cuyas cumbres se encuentran nevadas. El cielo está nublado.

Bill Brandt • Nació en 1904 en Hamburgo y murió el 20 de diciembre de 1983. Se interesa por la fotografía a partir de los 20 años, cuando todavía residía en Viena. Este gran maestro de la fotografía, optó por resaltar valores como la poesía, la justicia y el amor. • En 1929 se muda a París donde trabajará como asistente de Man Ray, para trasladarse dos años después a Londres. Allí empieza su carrera como fotógrafo independiente. Durante este tiempo Brandt hace fotografías de grandes ciudades inglesas, en un momento en el que se apresura una crisis económica. • En 1944 adquiere una cámara de placa con un gran angular. • Lo relevante de sus paisajes es la preferencia por determinados tipos de luz que estimula la total y absoluta libertad mental. El poeta Aland Ross escribió sobre esta forma característica de los retratos de Brandt, el cual exploró libremente las posibilidades del medio fotográfico sin ligarse a ninguna doctrina. • Hacia los años 50, empieza a positivar sus imágenes en papel contrastado y duro llegando a solidificar los negros proporcionando relieve a altas luces. • A la edad de 40 años Brandt pasa por un tipo de fotografía arquitectónica y social, al retrato. En este momento es cuando tras su experimentación se inicia en la fotografía de desnudos y perspectivas deformadas • Según Bill Brandt, un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez.

En esta fotografía de Bill Brandt, se muestra una bicicleta antigua apoyada sobre una pared, en la que se proyecta la sombra de la bicicleta. La fotografía está tomada en blanco y negro.

Estas dos fotografías de desnudos son de Bill Brandt. Están hechas en blanco y negro. En la primera aparece una mujer desnuda sentada de espaldas. Al fondo de la habitacíon se observa una de las esquinas de la habitación, en la que se encuentra una cama. En la segunda aparece el seno y el brazo derecho de una mujer desnuda. También aparece la parte derecha de la barriga de la mujer y el ombligo.

Michael Martin • Este fotógrafo famoso lleva más de 20 años viajando por todos los desiertos de la Tierra. Como la primera vez que conoció este medio, Michael Martin siente hoy aún una gran fascinación por las insólitas formaciones naturales y los paisajes geográficos del desierto, por su extraordinario mundo animal y vegetal y por los hombres que lo habitan. Ha recorrido todos los desiertos de nuestro planeta. • En sus espectaculares y conmovedoras fotografías muestra no sólo estos inhóspitos y a la vez seductores paisajes, sino a los hombres que han creado allí su hogar. Ellos constituyen el principal centro de atención de su trabajo. El libro titulado "Los desiertos de la Tierra – 365 días” fue su contribución al "Año Internacional de los Desiertos y la Desertificación” declarado en 2006 por las Naciones Unidas. El libro de fotografías muestra, sobre todo, que los desiertos son ecosistemas que hay que proteger, porque, además de arena y rocas, albergan una gran riqueza en formas de vida y cultura.

Esta fotografía de Michael Martin ilustra las Dunas de Arakao y las Montañas de Air, Níger. La fotografía es en color y es una imagen con cierta simetría, aunque se podría decir que es una imagen monótona, pues toda ella es muy similar. La fotografía nos muestra las dunas del desierto en primer plano. Al fondo del paisaje se encuentran montañas bajo un cielo despejado y claro.

Esta fotografía de Michael Martin muestra la salida de la luna en el salar de Uyuni, Bolivia. La imagen es en color y claramente simétrica. Al fondo de la imagen, aparece la luna sobre la superficie. Se observa que el cielo está despejado y que está oscureciendo.

Esta fotografía de Michael Martin muestra un cráter ardiendo en el desierto de Karakum, Turkmenistán. La imagen es en color. En la fotografía aparece un cráter de un volcán ardiendo a la luz de la luna, que está saliendo o se está poniendo. Se puede apreciar el gran resplandor de la lava en el cráter del volcán.

Marcelo Gurruchaga • El fotógrafo Marcelo Gurruchaga llegó al continente antártico, compartió con los científicos y el personal del buque cada minuto en la Antártida. Ahora, a modo de anecdotario, lo ha descrito en su nuevo libro: "Antártida. Los colores del desierto frío". • Con esta impresionantes fotografías, cedidas por el fotógrafo, puedes disfrutar de aquellos lugares recorridos y capturados en su cámara. ¡No te las pierdas! Pincha sobre cualquiera de ella para verla ampliada.

En esta fotografía, Marcelo Gurruchaga ha ofrecido una imagen de un atardecer en la Antártida. En la imagen se pueden apreciar los numerosos islotes de hielo, así como los múltiples colores que se forman. También, cabe destacar el color tan peculiar de las nubes.

Esta fotografía fue tomada por Marcelo Gurruchaga en la Antártida. En ella se encuentra un gaviotín volando. La foto está en color y es dinámica. En la fotografía se ve a un gaviotín volando con gotas a su alrededor.

Esta fotografía de Marcelo Gurruchaga ilustra grietas glaciares de la antartida. Es una imagen en color. En ella, se pueden observar la gran cantidad de grietas que hay en el glaciar

Kike Calvo • Kike Calvo es un fotógrafo español, afincado en Nueva York. Nació en Zaragoza en 1972. Tras cinco años estudiando Economía en la Universidad de Zaragoza, y haber obtenido varios premios en Periodismo de la Universidad de Idaho, forjó su pasión por la fotografía • Todo comenzó cuando realizó un viaje por Nicaragua con la cámara de su tío. Allí desarrolló su ojo para contar historia. Su cámara fue su único maestro para captar la esencia del país. • Este fotógrafo autodidacta ha refinado su estilo, estudiando formación profesional varias escuelas, entre ellas en la Unidad de Fotografía de las Naciones Unidas. Le han concedido varios premios, como son los caso del galardón de Periodismo en 1999. • El trabajo de Kike Calvo refleja los escenarios de más de 65 países. Es de los pocos fotógrafos españoles que ha podido ser testigo de las Islas Galápagos y de las aguas lejanas del Ártico. También ha recorrido Australia, Israel, Islas Maldivas, Bolivia, Brasil, Hawai, Hong Kong, Egipto, Belice, México, Canadá, Portugal, Tailandia y Costa Rica, entre muchos otros. • Su estilo fotográfico se enmarca en un contexto conservacionista. Ha fotografiado la complejidad ambiental, la belleza del páramo y la magnificencia de la diversidad mundial. Su trabajo, una combinación periodística y artística, se muestra en Nueva York, Japón, Francia, el Reino Unido, Hong Kong, Polonia, Austria, Bélgica, Alemania, Países Bajos y Australia. • Las instantáneas de Kike Calvo han sido expuestas en numerosas ocasiones: en la oficina central de las Naciones Unidas, en el Centro Rey Juan Carlos en Nueva York, en el Instituto Cervantes de Nueva York, de Chicago o de Manila (Filipinas). • Su estilo claro y pensativo llamaron la atención de la empresa Coca-cola quien le invitó como conferenciante al Foro Estambul 2007. La organización le definió como un fotógrafo "con la capacidad de inspirar al público por sus palabras e imágenes".

En esta fotografía de Kike Calvo se observan las ballenas de joroba de República Dominicana. La fotografía es en color y dinámica. La fotografía se tomó a tres ballenas bajo agua. A las ballenas les brillan las aletas con la luz del sol.

Esta impresionante fotografía de Kike Calvo muestra a un tiburón blanco devorando a su presa. La foto es dinámica y en color. En la fotografía se observa la impactante escena de un tiburón blanco saliendo del agua para devorar a un pez.

Esta fotografía de Kike Calvo muestra al mayor de los felinos entre la maleza. La imagen es en color y dinámica. La foto es tomada a un tigre tendido entre las hierbas y plantas.

DIRECTORES DE CINE

Steven Spielberg • Steven Allan Spielberg nació en Cincinnati (Ohio) el 18 de diciembre de 1946 Es un director, guionista y productor estadounidense de cine. Es uno de los directores más reconocidos en la industria del cine mundial. Ha sido condecorado con la Orden del Imperio Británico y la National Humanities Medal. • Pasó su infancia en Haddon Heights, Nueva Jersey y Scottsdale, Arizona. A lo largo de su adolescencia, Spielberg se hizo aficionado rodando peliculas de 8 mm con sus amigos. En 1958, se convirtió en un Boy Scout, y cumplió un requisito para la insignia de mérito de fotografías, por lo que filmó un corto de 9 Minutos de 8 mm llamada 'El Duelo Final'. • A los 13 años, Spielberg ganó un premio por una película de guerra de 40 minutos llamada 'Escape to Nowhere' que se basó en una batalla en el este de África. En 1963, a los 16 años, Spielberg escribió y dirigió su primera película independiente, una aventura de ciencia ficción de 140 minutos llamada Fireligth. También hizo varias películas de la Segunda Guerra Mundial inspirado en historias de guerra contadas por su padre. Después de que sus padres se divorciaran, se trasladó a Saratoga, California con su padre. • Después de mudarse a California, presentó una solicitud para asistir a la escuela de cine University of Southern California Escuela de Teatro, Cine y Televisión en tres ocasiones, pero no tuvo éxito. Él era un estudiante, posteriormente, de la California State University, Long Beach. Mientras asistía a la Estatal de Long Beach en la década de 1960, Spielberg se convirtió en miembro de la fraternidad Theta Chi. Su verdadera carrera comenzó cuando ingresó en Universal Studios como pasante no remunerado, siete días a la semana y fué invitado al departamento de edición. Después de ello, Spielberg se hizo famoso, la USC le otorgó un doctorado Honoris Causa en 1994. • En el mundo del espectáculo, se le conoce como "El Rey Midas de Hollywood". Según la revista Forbes la riqueza de Spielberg supera los 3. 0 Billones de dólares norteamericanos. • Spielberg ha producido “Poltergeist (película)”, “Transformers: Revenge of the Fallen”, “Los Picapiedra”, “Casper”, “Men in Black”, “Impacto profundo”, “Jurassic Park” y “La Máscara del Zorro” entre otras. • Además de fundar su propia productora (Amblin Entertainment), Spielberg fundó Dream. Works SKG con Jeffrey Katzenberg y David Geffen en 1994. Este estudio es responsable de películas como “American Beauty”, “Gladiator”, “Náufrago”, “Memorias de una Geisha” y las de animación por ordenador “Shrek”, “Kung Fu Panda”, “Madagascar”, entre otras.

E. T. , el extraterrestre es una película estadounidense de ciencia ficción de 1982, coproducida y dirigida por Steven Spielberg, escrita por Melissa Mathison y protagonizada por Henry Thomas, Robert Mac. Naughton, Tom Byron, Drew Barrymore, Dee Wallace y Peter Coyote. El concepto de E. T. está basado en un amigo imaginario de Spielberg, creado tras el divorcio de sus padres. En 1980, Spielberg conoció a Mathison y desarrollaron una nueva historia a partir de un proyecto fílmico estancado de ciencia ficción/horror ”Night Skies”. La película fue rodada de septiembre a diciembre de 1981 en California, con un presupuesto de 10. 5 millones de dólares. A diferencia de la mayoría de las películas, la película fue rodada en un aproximado orden cronológico, con el fin de facilitar las actuaciones emocionales del joven reparto y que fuesen más convincentes. La película trata sobre un extraterresre queda abandonado en la Tierra. Un niño lo encontrará y lo acogerá en su casa, ayudado por su hermana pequeña y su hermano mayor. El niño comenzará a desarrollar una fuerte empatía con el alienígena. Mientras, los científicos lo buscan por toda la zona. Pronto, el extraterrestre echará de menos su hogar, e intentará contactar con su planeta para que acudan a recogerle.

Salvar al Soldado Ryan, es una película de guerra estadounidense dirigida por Steven Spielberg en 1998. Es destacable precisar que esta película recaudó en taquilla, solamente en Estados Unidos, 216 millones de dólares. A 12 años de su estreno, aún es considerada por muchos como la mejor película bélico-dramática que se ha hecho. Aclamada internacionalmente por las críticas y la audiencia, Salvar al Soldado Ryan de Steven Spielberg es una inolvidable película que ha causado un profundo y duradero impacto en todas las partes del mundo. Ganadora de cinco premios de la Academia incluido mejor director, la película también ha conseguido Oscars por cinematografía, sonido y la edición de efectos de sonidos. Además, Spielberg recibió su tercer premio del grupo de directores de América, la Legión Americana “El Espíritu de Normandía” la premió con un premio USO al mérito del USO de la ciudad de Washington, así como el mayor premio del servicio civil público de la Armada. Seleccionada más de 160 semanas en cabeza de las listas, Salvar al Soldado Ryan, tiene el honor de incluir un Globo de Oro como la mejor película (drama) y Mejor Director, el productor de los premios Guild de América y diez nominaciones a los premios de la Academia Británica del cine. Fue la película más premiada en 1998. Mirando a través de los ojos de un soldado americano, la historia comienza con la Segunda Guerra Mundial el histórico día del Desembarco de Normandía, este tiene que embarcar en una peligrosa misión especial. El Capitán John Miller tiene que cruzar las líneas enemigas con sus hombres para encontrar al soldado James Ryan, al que le han matado tres hermanos en combate. ¿Por qué se arriesgan ocho hombres para salvar la vida de uno? Sobre la real brutalidad de la guerra, cada hombre consigue su propia respuesta -y la fuerza para triunfar sobre un futuro incierto, con honor, decencia y coraje.

Indiana Jones y el templo maltdito es una película estadounidense de aventuras dirigida por Steven Spielberg y producida por George Lucas en 1984. Es la segunda película en estrenarse de la saga de Indiana Jones iría en esta ocasión acompañado de otra mujer, Willie Scott (una Kate Capshaw que celebró el rodaje casándose con Spielberg), que viene a ser el personaje cómico necesario en la película, y un niño oriental precoz y karateka, Tapón (Ke Huy Quan). Para enfrentarse a una secta de monjes seguidores de la diosa hindú de la muerte Kali y su líder Mola Ram quien tienen una mina secreta en la cual esclavizan e influencian niños robados de aldeas a trabajar y también realizan sacrificios humanos en nombre de Kali. El éxito de la película fue innegable. El eminente arqueólogo Indiana Jones está en su segunda aventura, esta vez para hacer frente al gran terror que rodea al misterioso Templo Maldito. Después de aterrizar de emergencia en la India, Indiana Jones y sus compañeros de aventura Tapón (Short Round) y Willie Scott, terminan en una pequeña y angustiada aldea en la que los residentes reclaman que un poder oscuro ha robado su piedra preciosa. . . y a sus hijos! Accediendo a ayudar a la aldea, Indiana y sus amigos parten hacia un Palacio cercano para averiguar más sobre los acontecimientos extraños. Asegurándole a Indiana no tener idea lo que habla, el primer ministro Chatter Lal los invita a pasar la noche en el Palacio. Sin embargo, es esa noche cuando Indiana descubre un pasaje secreto, lleno de trampas caza-bobos, hacia un templo, y se encuentra con algo que él pensaba extinto hace mucho tiempo. Al parecer el antiguo culto Thuggee está intentando levantarse una vez más, creyendo que con el poder de las cinco piedras Sankara pueden dominar el mundo. Ahora, depende de Indiana el ponerle fin a la campaña de Thuggee, rescatar a los niños perdidos, conquistar la chica y destruir el Templo Maldito.

James Cameron • James Francis Cameron nació en Kapuskasing, Ontario, Canadá, el 16 de agosto de 1954. James Cameron es director, guionista y productor de cine, así como autor de dos de las películas más caras de la historia del séptimo arte: Titanic y Avatar. Reconoce que productor de cine, así como autor de dos de las películas más caras de la historia del séptimo arte: Titanic y es un amante del cine, con una especial devoción por el género de la ciencia ficción. Este sentimiento le surgió cuando vio en 2001: “Una odisea del espacio”, de Stanley Kubrick. En 1984 digirió y escribió, como todas sus películas, ”Terminator”, protagonizada por Arnold Schwarzenegger. Fue un film que sorprendió y encandiló al publico por la originalidad de su guión. Tal fue la excelente acogida por parte del público que años más tarde volvió a crear las secuelas ”Terminator 2: el juicio final”(1991) y ”Terminator 3: La rebelión de las máquinas” (2003). Otro de los grandes éxitos de Cameron fue ”Aliens: El regreso”(1986) ganadora de dos Oscars en la 60ª ceremonia por los efectos de sonido y visuales. En 1989 reapareció con Abyss, otra cinta del género de ciencia ficción premiada por la Academia de Cine de Hollywood con la estatuilla a los efectos visuales. En 1994 volvió a contar con la colaboración de Arnold Schwarzenegger para protagonizar “Mentiras arriesgadas”, cuyo film solo estuvo dirigido por él. Fue premiado como Mejor Director por el la Academia de Cine de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror. En 1995 cambió de parecer y sólo aceptó escribir el guión de ”Días extraños”. En 1997 Cameron se convirtió en uno de los directores de cine más destacados al presentar su obra maestra, ”Titanic”, protagonizada por ”Leonardo Di. Caprio” y ”Kate Winslet”. La cinta obtuvo 14 nominaciones a los Oscars, de los cuales 11 fueron premiados, entre ellos el de Mejor Director. Además, el público reaccionó de la mejor forma posible acudiendo al cine a verla, convirtiéndola en una de las películas más taquilleras de la historia con más de varios millones de personas que acudieron a verla. Y, tras un parón en el cine, Cameron se dedicó a escribir series televisas como ”Dark Angel”(2002) o ”Terminator: The Sarah Connor Chronicles” (2009), ambas de gran éxito entre la población americana. Cameron volvió a impresionar con ”Avatar” (2009) una cinta de ciencia ficción protagonizada por ”Michelle Rodríguez” , ”Zoe Saladana” y Sam Worthington (Jake). Cinta que recibió múltiples premios de los Festivales de cine más importantes dentro del séptimo arte, entre ellos dos Globos de Oro 2010: Mejor Director y Mejor Película Dramática. • En 2011 Cameron tiene previsto presentar su nuevo proyecto, tanto en dirección como guión, “Battle Angel”, con un hilo argumental futurista ambientada en el siglo XXVI. En este caso el reparto aún está por decidir.

Aliens, el regreso es la segunda parte de la saga de ciencia ficción “Alien”, dirigida por James Cameron. Si la primera película creó el concepto de la feroz criatura asesina, la segunda le da forma al Universo imaginario de Alien, del cual se basan para hacer más novelas e historietas, así como los videojuegos correspondientes a su historia. Ripley, unica sobreviente del Nostromo, es descubierta en hibernacion medio siglo despues por una nave de rescate. Al regresar a la Tierra, Ripley se entera de que una colonia de humanos ha poblado el mismo planeta en donde por primera vez se vieron los aliens. Luego de que se pierde el contacto con la colonia, ella es enviada de vuelta al planeta junto a un grupo armado con la mision de destruir la amenaza alienigena para siempre y rescatar a los sobrevivientes, en caso de que hubiesen conseguido sobrevivir.

Terminator II: El juicio final (1991) es una película de acción escrita, producida y dirigida por James Cameron. La secuela de ”The Terminator” (1984), que precede a ”Terminator 3: La rebelión de las máquinas” (2003), está protagonizada, entre otros, por Arnold Schwarzenegger, Edward Furlong, Linda Hamilton, Robert Patrick, Earl Boen y Joe Morton. Tras el éxito de la primera película, y aprovechando la popularidad de Schwarzenegger, Cameron repitió los esquemas de la producción original. También tiene el mérito de ser una de las primeras películas en las que se utilizaron imágenes generadas por ordenador (CGI) para recrear al antagonista. Fue la producción más cara de la historia, en el momento de su estreno, con un coste de 100 millones de dólares. Se convirtió en la segunda película más taquillera de la historia en su momento, recaudando en todo el mundo 520 millones de dólares, siendo tan sólo superada por ”E. T. , el extraterrestre”. La película fue galadornada con premios cinematográficos estadounidenses e internacionales, además de cuatro Oscars: Mejores efectos visuales, Mejor sonido, Mejor maquillaje y Mejor edición de sonido. Sarah Connor, la madre soltera del rebelde John Connor, está ingresada en un psiquiátrico. Tras haber sido informada por un viajero del tiempo de que su hijo se convertiría en el salvador de la humanidad del futuro amenazada por un diabólico mundo de máquinas, se ha convertido en una especie de guerrera que ha educado a John en tácticas de supervivencia, pero todos creen que está loca y que es peligrosa, por lo que está encerrada. Cuando un nuevo androide mejorado proveniente del futuro, un T-1000, llega para asesinar a John, un viejo modelo T-800 será enviado para protegerle

Avatar es una película de ciencia ficción estadounidense, escrita, producida y dirigida por James Cameron y protagonizada por Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang y Michelle Rodríguez. Ambientada en el año 2154, los acontecimientos que narra se desarrollan en Pandora, una luna del planeta Polifemo habitada por una raza humanoide llamada na'vi, con la que los humanos se encuentran en conflicto debido a que uno de sus clanes se encuentra asentado alrededor de un gigantesco árbol que cubre una inmensa veta de un mineral muy cotizado y que supondría la solución a los problemas energéticos de la Tierra: el unobtainium. Jake Sully, un marine quedó parapléjico, es seleccionado para participar en el programa Avatar, un proyecto que transporta la mente de los científicos a unos cuerpos artificiales de na'vi para que así la comunicación con los nativos resulte más sencilla. A pesar del fin científico del proyecto, el coronel Quaritch, quien dirige la defensa de la base humana en Pandora, convence a Jake para que le proporcione información sobre los nativos en caso de que fuera necesario recurrir a la fuerza para que se marchen. En un principio, Jake cumple profesionalmente su misión, pero se enamora de una de las nativas, Neytiri, y se da cuenta de que éstos jamás renunciarán a su tierra, haciendo inevitable un conflicto armado; en él deberá decidir de qué lado está. El presupuesto oficial de “Avatar” fue de 237 millones de dólares, aunque algunas estimaciones lo sitúan entre los 280 y los 310 millones, más otros 150 millones dedicados al marketing. La película se estrenó el 18 de diciembre de 2009 en gran parte de Europa y en Estados Unidos, así como en México , Paraguay , Venezuela y Uruguay, aunque en algunos países se proyectó en fechas distintas. El día de su estreno ”Avatar” logró reunir una recaudación de 27 millones de dólares, aumentando esta cifra hasta los 241 millones tras su primer fin de semana en taquilla. Transcurridas tres semanas, se situó como la segunda película con mayor recaudación de todos los tiempos, siendo sólo superada por ”Titanic”. Avatar consiguió superar esa marca en menos de seis semanas, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia del cine hasta la fecha. Avatar fue nominada al Premio Oscar 2010 en la categoría de mejor película.

Woody Allen • Allen Stewart Konigsberg nació en el Bronx, New York, el 1 de Diciembre de 1935 Se matriculó en el City College de Nueva York y posteriormente en la Universidad del mismo estado. • Pronto comienza a escribir chistes y parodias que muestra a sus amigos, pasando a formar parte de un programa de televisión llamado "Your Show of Show", el cual tiene un éxito extraordinario, aunque Woody todavía no aparezca en la pantalla. • En 1961 hace sus primeras apariciones personales en público, contando así sus propios chistes, y logra trabajos periódicos en "The Bitter End" Greenwich Village, algún night club como "The Blue Angel" de Nueva York y "The Duplex", y por supuesto en la televisión. Todo ello le lleva, en 1965, a su primera aparición en el cine, haciendo un corto papel en "What's New, Pussycat? “. Después vendrá otra corta aparición en "Casino Royale", para llegar por fin al primer film como protagonista titulado "Take the Money and Run" (Toma el dinero y corre), que le convierte en algo así como un cómico para intelectuales. • En 1976 realiza una película denuncia sobre la caza de brujas norteamericana titulada "The Front" (La tapadera), pero que no logra entusiasmar al público y ni siquiera se estrena en todos los países, además de suponerle un revés en cierto sector de Norteamérica. No obstante y seguro de lo que pretende, realiza al siguiente año "Annie Hall", con Diane Keaton, que supone un éxito de público total en el mundo entero y la Academia le premia con un Oscar al mejor director y al mejor guión. • Su filmografía es muy extensa, pero mientras algunas de sus películas han sido grandes éxitos de taquilla, otras solamente han tenido éxito en Europa, quizás porque poco a poco ha dejado a un lado su papel como cómico indiscutible y ha realizado películas con grandes críticas sociales que no fueron del agrado del público. No obstante, el paso del tiempo hace justicia y hoy día se le puede considerar un autor-actor del mismo nivel que Charles Chaplin. • En sus últimas películas, "Misterioso asesinato en Manhattan", "Balas sobre Broadway” o “Poderosa Afrodita”, retoma de nuevo el estilo que le hizo popular y logra de nuevo el aplauso del público. Cuando rodó la película "Hannah y sus hermanas" tenía 49 años y ese fue su film número 17, y seguía con su peculiar forma de rodar, totalmente diferente al de cualquier director norteamericano. • Sigue prefiriendo su trabajo en la ciudad de Nueva York antes que en Los Angeles y fiel a sus principios, realiza casi siempre sus propias películas, en las cuales suele ser también el guionista, algo muy poco habitual en América.

Dos extraños amantes es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen, por la que ganó el Oscar al mejor director en 1977. Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton y por el propio Woody Allen. El cineasta se da el lujo de jugar con las reglas cinematográficas: sus personajes le hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo, digresiones y hasta una secuencia de animación parodiando la cinta animada ”Blancanieves y los siete enanitos” de Walt Disney. Se encuentra en el puesto número 31 de la lista de las 100 mejores peliculas de la Historia del Cine y en el puesto número 4 de las mejores comedias. La cinta es un relato sobre un comediante neurótico neoyorquino, Alvy Singer (Allen), y su compañera sentimental, Annie Hall (Diane Keaton), tan neurótica como él. Comienza con su primer encuentro y nos cuenta la historia de su relación afectiva a lo largo de los años, a modo de documento sobre el amor en los años 1970. Se dice que la historia habla de la ruptura real entre Allen y Keaton, quienes fueron pareja en la vida real. La película ganó cuatro Oscar, a la mejor película, al mejor director, a la mejor actriz principal (Keaton), y al mejor guión original, y obtuvo una nominación al mejor actor principal (Allen), premios que el cineasta no fue a recoger, ya que ni siquiera se presentó en la ceremonia (cosa que repitió todos los años, hasta el 2003 cuando pisó por primera vez la alfombra roja de este evento).

Match Point es una película de Woody Allen estrenada en 2005, la primera de las tres que realizaría en Gran Bretaña. Chris Wilton (Jonathan Rhys-Meyers) es un joven tenista profesional retirado de origen irlandés, que encuentra trabajo como profesor de tenis en un club frecuentado por familias adineradas. Allí conoce a un tenista aficionado de similar edad, Tom Hewett (Matthew Goode), con quien traba amistad. Tom Hewett introduce a Chris en la vida de los milonarios de Londres, y así el ambicioso Chris conoce a Chloe Hewett (Emily Mortimer) la hermana de Tom. Igualmente conoce a Nola Rice (Scarlett Johansson) una actriz estadounidense que ha sido amante de Tom en el pasado. Chris logra ganar la confianza de la familia Hewett y se hace novio de Chloe, lo cual le permite integrarse por completo en un ambiente de riqueza y lujo. No obstante, Chris y Nola Rice (quien carece del dinero e influencias de Chloe Hewett) inician en simultáneo un furtivo romance. El azar, la ambición, el sexo y la pasión guiarán las acciones de Chris Wilton, que al final opta por matar a su amante para poder seguir ganando dinero en la empresa familiar. Se trata de una de las mejores películas del director estadounidense Woody Allen. Cabe destacar que Allen no filmó esta película en su Nueva York natal, sino que la rodó en Inglaterra. Allen reflexiona sobre la identificación fraterna, el deseo y el amor, el sentimiento de culpa, el azar y el ascenso social.

Vicky Cristina Barcelona es una película escrita y dirigida por Woody Allen, rodada en Nueva York y en Cataluña y Asturias. El inicio del rodaje fue en junio de 2007 en España, y terminó a finales de agosto. Está protagonizada por los actores españoles Javier Bardem y Penélope Cruz, así como por la estadounidense Scarlett Johansson y la británica Rebecca Hall. El film se encuentra ambientado principalmente en Barcelona, Avilés y Oviedo. Fue preestrenada en España el 18 de septiembre en la gala de inauguración de la 56ª edición del Festival de San Sebastián, y el estreno en las salas comerciales tuvo lugar el 19 de septiembre. Dos jóvenes estadounidenses, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensata y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y se encuentra en búsqueda de nuevas aventuras. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor que aún mantiene una relación conflictiva con su ex mujer, María Elena (Penélope Cruz).

Christopher Nolan • Christopher Nolan nació el 30 de julio de 1970. Es un director de cine, guionista y productor inglés. • Saltó a la fama con su segundo largometraje ”Memento”, basado en un relato corto escrito por su propio hermano, Jonathan Nolan, que luego adaptarían juntos a un guión convencional para rodar la película y por el cual fueron candidatos Oscar en la categoría de mejor guión original. • Nolan nació en Londres donde empezó a realizar películas a la edad de siete años usando la cámara Súper 8 de su padre y sus juguetes como personajes. • Fue educado en Haileybury College, una escuela independiente en Hertfordshire, Inglaterra, y luego estudió literatura inglesa en la University College de Londres, mientras tanto realizó varios cortometrajes en una escuela de cine. Su corto ”Tarantella” fue proyectado en Image Union, una exhibición de cine independiente en PBS, en 1989. • A partir del Siglo XXI y partiendo de su obra maestra "Memento" se ha consolidado como uno de los directores más importantes de la época tanto en Europa como en EEUU gracias también a la saga Batman (ambas dentro de las 100 mejores películas de la lista de las 250 mejores según [IMDb] al igual que "Memento") y "El truco final“. Todas han tenido una respuesta muy favorable tanto del público como de los críticos por su muestra de cine de autor superando el también existente comercio. Inception es su última película. • En su penúltima película (El Caballero Oscuro) innovó el uso de las cámaras de alta definición IMAX para las escenas de acción (sin precedentes conocidos pues son habituales como planos fijos en documentales).

Amnersia es una película de suspense estrenada en 2000, nominada al Globo de Oro por mejor guión y nominada a dos Premios Óscar (por su guión original y edición). Una de las mayores peculiaridades de la película reside en su línea temporal, la cual en vez de ser lineal va hacia atrás "a saltos", mostrando según avanza la película las causas de lo ya visto, en vez de sus consecuencias. Entre éstas, hay escenas en blanco y negro que progresan en orden normal, pero intercaladas en mitad de la historia. Al llegar al final de la cinta, se aúnan. “Amnesia” es la historia de Leonard, quien sufrió un trauma cerebral que le causó amnesia anterógrada. Leonard es incapaz de almacenar nuevos recuerdos, sin embargo, posee memoria sensorial y recuerda cómo realizar las acciones cotidianas. Para "recordar" los sucesos de su vida crea un sistema usando fotos instantáneas para tener un registro de la gente con la cual se relaciona, dónde se hospeda y otros elementos básicos para el desarrollo de su vida. Además de las fotografías, también toma notas y se tatúa pistas del asesino de su esposa, a veces demasiado ambiguas. Leonard busca vengarse del hombre que violó y asesinó a su mujer, y que le provocó su enfermedad, a la vez que se siente culpable por no haber creído en Sammy, otro personaje que sufrió su mismo problema. Los temas principales de la película son la naturaleza de la memoria, la identidad, el tiempo, el recuerdo inconexo, la realidad, la manipulación y la venganza.

Batman: el caballero oscuro es una película estadounidense dirigida y coescrita por Christopher Nolan y basada en uno de los personajes de DC Comics, Batman. Se trata de una secuela de la película de 2005 ”Batman Begins”, dirigida también por Nolan, que reinaugura los derechos de Warner sobre Batman, tratando de lograr una versión más realista y que difiere de la primera por tener una mayor apego a situaciones cotidianas que envuelven al público en la trama. El director Nolan vuelve a asumir las labores en la dirección, y Christian Bale retoma el papel protagónico. En esta segunda entrega fílmica puede apreciarse la aparición de su principal némesis: El Joker interpretado por el actor australiano Heath Ledger. Este filme es la quinta película más taquillera de la historia del cine en Estados Unidos, recaudando más de 1000 millones de dólares. La película tuvo su estreno oficial el 14 de julio de 2008 únicamente en Nueva York. Posteriormente, entre el 16 y 18 de julio, se estrenó en Australia, Canadá, Estados Unidos y gran parte de Latinoamérica. En España se estrenó el 13 de agosto de 2008. Con la ayuda del teniente Jim Gordon y el fiscal de distrito Harvey Dent, Batman se propone desmantelar las organizaciones criminales que infestan las calles de Gotham una vez para siempre. El triunvirato demuestra ser efectivo, pero pronto se verán atrapados por una mente criminal en auge conocida como El Joker. El reino de caos y anarquía que desata El Joker obliga al Caballero oscuro a decidir entre ser héroe o ser vigilante.

Origen es una película de ciencia ficción escrita, producida y dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por Leonardo Di. Caprio, Ellen Page, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy, Michael Caine, Cillian Murphy, Tom Berenger y Marion Cotillard. Fue estrenada en EEUU el 16 de julio de 2010. En México se estrenó el 23 de julio, en Argentina el 29 del mismo mes y en España la película se estrenó el 6 de agosto de 2010. “Origen” recaudó 62, 8 millones de dólares en su primer fin de semana, en 3. 792 cines de Estados Unidos. Hasta el momento, la cinta ha recaudado más de 291 millones de dólares en dicho país, y más 500 millones en el resto del mundo, obteniendo un total de 819 millones de dólares. Nueva película de acción e intriga del aclamado Christopher Nolan. Film protagonizado por el popular Leonardo Di. Caprio. En esta ocasión el protagonista es un ladrón de sueños, esto es, experimenta con un sistema a través del cual logra penetrar en la mente de las personas, apoderándose de sus secretos más íntimos y profundos. En principio este ingenio mecanismo se ha creado para trabajar a favor a la justicia pero el mismo plantea muchas cuestiones morales. La impulsora del proyecto es Ellen Page que interpreta a una joven estudiante.

Martin Scorsese • • • Martin Charles Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942. Es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense , ganador de unÓscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor francesa en 1987. Fue criado en el "ghetto italiano" de Manhattan. Allí Martin se educó en un contexto católico, llegando a estudiar para monaguillo. Sufrió una infancia de impedimentos debido a un problema asmático, lo que lo llevó a pasarse gran parte de ella dedicado a mirar cine y televisión, filmes de John Ford y Samuel Fuller. A principio de los ´ 60 se matriculó en el programa de cine de la Universidad de New York, con compañeros como Brian De Palma. Comenzó a realizar cortometrajes. Tal vez la admiración por films de la "nouvelle vague" lo hicieron realizar trabajos representativos con escasos recursos. En 1968 realiza su primer largometraje "Who´s knocking my door" donde daba cuenta de la influencia de la cultura italiana en su vida. Con Roger Corman como productor, comienza en 1972 una serie de películas entre las que se destaca "Boxcar Bertha", film de estilo violento sobre los sindicatos. Con "Calles Salvajes" en 1973 con Robert De. Niro y Harvey Keitel como protagonistas, logra su primer éxito en New York. Pero sería con "Alicia no vive aquí" el lanzamiento en su carrera cinematográfica. Condición que se confirmaría en 1976 con "Taxi Driver" una película única con Robert De. Niro. Quizás su película mas representativa sea "Toro Salvaje" de 1980, la biografía del boxeador Jack La. Motta, en la que se luce la dupla De. Niro-Pesci. • Además de dedicarse a la realización cinematográfica, trabajó produciendo programas para la televisión, video-clips (como "Bad" y "Hi. Story" de Michael Jackson) y documentales como el de Giorgio Armani. • Sus films son personales, incorporan relaciones familiares, historias de lealtad y amor, de violencia y odio, sus personajes son fuertes e intensos, ganadores y perdedores que se mueven en un mundo honesto pero fuerte, plasmados con sutileza pero con intensidad, de una energía poco común.

Uno de los nuestros es una película estadounidense de drama criminal semi-ficticia de 1990 dirigida por Martin Scorsese. Esta basada en el libro no ficticio Wiseguy de Nicholas Pileggi, quien también co-escribió el guión para la película con Scorsese. El film sigue el ascenso y caída de tres delincuentes, abarcando tres décadas. Fue protagonizada por Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco y Paul Sorvino en los roles principales. “Uno de los nuestros” obtuvo buenos resultados en la taquilla, obteniendo 46. 8 millones de dólares en los Estados Unidos, muy por encima de su presupuesto de 25 millones dólares. No obstante, sus críticas por parte de los críticos no fueron absolutamente positivas. La película fue nominada a seis Premios Óscar, ganando solamente uno por Pesci en la categoría de mejor actor de reparto. Además, el filme recibió cinco premios por parte de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión y fue nombrada mejor película del año por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y por la Asociación Nacional de Críticos de Cine. Está considerada una de las mejores películas de todos los tiempos, tanto en el género de drama como en general, y fue declarada de "importancia cultural" y seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, se siente fascinado por la vida que llevan los gangsters de su barrio, en Brooklyn, donde la mayoría de los vecinos son inmigrantes. El patriarca de la familia Pauline, Paul Cicero, es el protector del barrio. A los trece años, Henry, abandonará la escuela y entrará a formar parte de la organización como chico de los recados. Pero irá ascendiendo de categoría a medida que se refuerza la confianza que los mafiosos han depositado en él.

El Aviador es una película que dramatiza la biografía de Howard Hughes, pionero de la aviación. Narra su vida desde la década de 1920 hasta la década de 1940, época en que Hughes dirigía y producía sus propias películas en Hollywood y también pilotaba sus propios prototipos aéreos. Hughes es hijo de un inventor texano, que le heredó la Hughes Tool Company, productora de la broca cónica dual para la excavación de pozos petrolíferos. Regresando de la universidad, residió en los Ángeles para ser productor de cine, lanzando actores al estrellato, como Jean Harlow, protagonizando el filme ”Los ángeles del infierno”. Mucho tiempo después, se dedicó a la industria electrónica y principalmente a la aérea, su compañía aérea creó el legendario avión Hughes H-4 Hercules y además la TWA. Sin embargo, la narración del filme enfoca al deterioro mental y el consecuente comportamiento obsesivocompulsivo (TOC) de Howard Hughes. El filme detalla los romances de Hughes con las ex actrices de Hollywood, Ava Gardner y Katharine Hepburn. Sus conflictos con el director general de Pan Am, Juan Trippe, quien sobornó al senador Owen Brewster para otorgarle a Pan Am el monopolio coercitivo de los vuelos internacionales.

Los infiltrados es una cinta del género thriller policiaco estrenada el 2006. El filme es dirigido por Martin Scorsese y protagonizado por Leonardo Di. Caprio, Jack Nicholson, Matt Damon, Mark Wahlberg, Martin Sheen, Ray Winstone, Alec Baldwin y Vera Farmiga. “Los infiltrados” fue ganadora del Premio Oscar a la mejor película entrega número 79 de los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Martin Scorsese recibió el Óscar al mejo director, Thelma Schoonmaker el Óscar al mejor montaje y William Monahan el Óscar al mejor guión adaptado, todos por su respectiva labor en este filme. Está ambientada en el sur de Boston, donde la policía estatal está en guerra con el crimen organizado. Billy Costigan (Leonardo Di. Caprio) es un joven policía encubierto al que se le asigna infiltrarse en la mafia dirigida por el jefe criminal Costello (Jack Nicholson). Mientras Billy rápidamente se está ganando la confianza de Costello, Colin Sullivan (Matt Damon), un joven y duro criminal que se ha infiltrado en el departamento de policía como informante de Costello, está alcanzando una posición de poder en la Unidad de Investigación Especial. Cada hombre es consumido profundamente por su doble vida, reuniendo información sobre los planes y las medidas en contra de las operaciones que han penetrado. Pero cuando los mafiosos y la policía se dan cuenta de que tienen un espía entre ellos, de pronto Billy y Collin corren el peligro de ser capturados y expuestos al enemigo. Cada uno debe apurarse en descubrir la identidad del otro, a tiempo para salvarse.

FIN