40 PRINCIPALES La Figura Femenina en el Arte

40 PRINCIPALES La Figura Femenina en el Arte Trabajo realizado por: Manuel Daniel Díaz Muñiz

Introducción Desde el comienzo de la humanidad, la mujer ha sido representada tanto por pintores, fotógrafos, escultores, escritores o diseñadores. Y desde siempre nos ha servido como símbolo de actitudes bienavenidos y rechazados. Un ejemplo de ello es la representación del pecado por parte de Eva, la sensualidad y la belleza queda en manos de Afrodita, o la sabiduría en pos de Atenea. Ha sido y continuará siendo creadora de estilos propios y modas que marcaran un tiempo. Nunca podremos negar que el cuerpo de la mujer saca lo mejor del interior de cada artista, sumiéndolos en un caos de color, sinuosas líneas y bellos versos que nos adentran en mundos utópicos llenos de magia y de luz. PINTORES FOTOGRAFOS ESCULTORES

Lista de pintores Jan Van Eyck Andrea Mantegna Piero Della Francesca Botticelli Leonardo da Vinci Raphael Caravaggio Peter Paul Rubens Francisco de Zurbaran Rembrant Murillo Jaques Luis David Gerard David Degas Miguel Ángel Monet Tintoretto El Greco Toulouse Lautrec Van Gohg

Jan Van Eyck Pintor flamenco nacido en 1390 hasta 1441. Se considera un extraordinario miniaturista, representa la figura humana con un especial estudio, son una tremenda monumentalidad. Se sitúa en un estilo muy natural, donde lo bello significa minuciosidad, precisión en el trazo, colores llamativos, naturales y un alto simbolismo en cada detalle de la pintura. Así mismo no debemos olvidarnos de la tridimensionalidad de los espacios, el uso de la perspectiva de una forma que antes nunca se uso. Algunas de sus obras mas destacadas son Margarita Van Eyck, Matrimonio Arnolfini, La virgen del canciller Rodin, La virgen en la iglesia. Berlín, El hombre del turbante rojo, o Jan de Leeuw. Margarita Van Eyck La virgen en la iglesia, Berlín Matrimonio Arnolfini

Margarita Van Eyck Pintura flamenca fechada en 1439. Se encuentra en el museo Groninge de Brujas. Tiene unas medidas de 32, 6 X 25, 8 cm. Se trata de un óleo sobre tabla. Margarita fue pintada cuando contaba 33 años, una edad bastante madura para la época. Su rostro posee ya los rasgos de la vejez. No es una mujer hermosa, pero el pintor la retrata con amabilidad y su rostro traduce inteligencia, voluntad y eficacia. En su retrato podemos apreciar la última moda femenina para los Países Bajos: frente rapada para darle mayor amplitud, y una toca en forma de cuernos. Buen ejemplo del naturalismo de las imágenes de la pintura flamenca, donde lo mas bello es lo más real, es este caso Van Eyck saca un excelente partido al rostro de su esposa y a los paños que esta lleva, observando un magnifico claroscuro. Van Eyck

La Virgen de la Iglesia Pintura flamenca de 1425. Se encuentra en Staatliche Museen Berlin. Es un óleo sobre tabla de unas dimensiones de 31 X 14 cm. Es una de las obras más famosas de Van Eyck por lo impactante de la imagen. Lo que más impresiona es la combinación de la figura femenina, de la Virgen, con la arquitectura gótica de la iglesia donde está encerrada. La desproporción es evidente: la cabeza de la Virgen alcanza la galería del triforio en el arranque de las bóvedas. Se trata de identificar la efigie monumental de María con la bellísima arquitectura gótica. Esta identificación se basa en que María es el templo que alberga a Dios cuando se hizo hombre, y en muchas pinturas de Van Eyck, María sustituye al altar en las iglesias. La arquitectura de la iglesia está completamente llena de alusiones a María: el trascoro, al fondo, está adornado con relieves sobre la vida de María, como la Anunciación, la Virgen con el Niño, etc. Esta imagen se suele ofrecer como contraposición a la pintura renacentista de la misma época, en la que priman la proporción y la perspectiva. Aquí, en cambio, la perspectiva de la arquitectura es correcta aunque se transforma la realidad para obedecer al propósito de identificar a María con Iglesia. Van Eyck

Matrimonio Arnolfini Pintura flamenca de 1434. Actualmente se encuentra en el National Gallery de Londres. Se trata de una pintura de óleo sobre tabla de roble con unas dimensiones de 82 X 60 cm. Es una de las obras más simbólicas del autor, y la mujer hace un papel muy importante en este momento, ya que nos la encontramos embarazada como simboliza el color verde de su traje, y contrayendo matrimonio. La pintura inmortaliza el momento que el señor Arnolfini introduce a su futura esposa en un nivel social superior al de su cuna. Si hablamos de la simbología podemos destacar los zapatos que en posición hacia el exterior nos representan el trabajo del hombre en la calle, el perro simboliza la fidelidad, el rojo de la cama la pasión de los recién casado, encontramos una vela encendida en la lámpara que nos simboliza el matrimonio. Se trata de uno de los cuadros más reconocidos del autor y la mujer representada adquiere en él una gran importancia. Van Eyck

Andrea Mantegna fue un gran pintor del cuatroccento italiano. Desde pequeño mostró gran habilidad para la pintura, y durante los primeros años en Italia, forjó su estilo a base de influencias de otros artistas, hasta el momento en que realiza el San Sebastián, explotando su fama en toda Italia. La figura humana será una de sus devociones, grandes escorzos perfectamente proporcionados y una gran expresividad hacen que las pinturas de Mantegna sean reconocidas fácilmente. Sus obras más destacadas son, Cristo en el monte de los olivos, Cámara de los novio, la Virgen con el niño, Cristo muerto, Madonna de la catedral, La Virgen con el niño y santos o Epifania. La virgen con el niño y santos Madonna con niño Jesús

La virgen con niño Se trata de una pintura del Quatroccento italiano, de 1490, con unas dimensiones de 43 X 31 cm. contemplamos obra reproducida en tempera sobre madera. Las pequeñas tablas con la Virgen con el Niño tienen un contenido devocional, encargadas por clientes particulares para decorar sus palacios. Los artistas del Quatroccento variarán en la representación de esta temática, recurriendo Mantegna a figuras recortadas sobre un fondo neutro. La perspectiva viene dada por las piernas del Niño creando distintos planos para organizar la profundidad. Los rostros estereotipados de la Virgen y el Niño no coinciden con el naturalismo de la Madonna, arcaísmo posiblemente motivado por la exigencia del cliente. Andrea Mantegna

La virgen con niño y santos Obra pictórica del renacimiento italiano. Calculamos que la obra fue creada entre 1495/1499. Actualmente pertenece a una colección privada. Se elaboro con témpera sobre madera. La sintonía entre Mantegna y su cuñado Giovanni Bellini en los últimos años del Quatroccento es significativa, a su alrededor encontramos diversos santos perfectamente ubicados en el espacio, dotados cada uno de una monumentalidad tipica del maestro. El colorido se ha hecho muy vivo, abundan los rojos, reforzado por el empleo de una luz clara y un cielo azulado como fondo. El punto de vista bajo que aporta grandiosidad a los personajes es un recurso muy apreciado por Mantegna que se repite a lo largo de su carrera. Andrea Mantegna

Madonna con niño Jesús Obra pictórica del Renacimiento italiano. Mantegna elaboró esta obra sobre madera usando pintura de temple. Obra del renacimiento italiano donde vemos como la mano de Mantegna traza con sutileza la figura de la Madonna, que con pose solemne aguanta a su hijo sobre sus rodillas. Nos encontramos una estampa llena de colores vivos como los rojos y los azules, que son acompañados por los dorados de los adornos de la escena y las túnicas de los angelitos que rodean a la virgen. Andrea Mantegna

Piero Della Francesca Nacido en Italia hacia 1416 hasta 1491, tuvo un gran conocimiento de la pintura florentina debido a la influencia que recivio durante los años que pasó allí. Tras realizar varios frescos, Piero Della Francesca comienza a trabajar en el coro de San Francisco de Arezzo donde dejó uno de sus mejores legados, un magnífico ciclo sobre la Vera Cruz. Algunas de sus obras más famosas son Bautismo de Cristo, Madonna de parto, la Flagelación de Cristo, la Magdalena o Sacra conversacion. Madonna del parto La Magdalena Natividad

Madonna de parto Pintura el fresco de 1455 con unas dimensiones de 260 X 203 cm. Fue pintada para decorar la iglesia de Santa María de Momentana. Usó los colores de primera elección entre los cuales destaca una notable cantidad de precioso azul ultramar obtenido por el lapisazulí. El fresco estaba destinado a la pared del fondo del altar mayor de la antigua iglesia de Santa María de Momentana en Silvis, localidad rural en las laderas de la colina de Monterchi. La iglesia sufrió una completa destrucción en el año 1785 como consecuencia de un terremoto, quedando sólo en pie el muro y su fresco, milagrosamente intacto se convirtió en un lugar de peregrinación regular para las mujeres a punto de parir. Piero della Francesca

La Magdalena Obra de 1460. Con unas medidas de 190 X 105 cm. Se encuentra actualmente en la catedral de San Donato. La figura de la Magdalena se encuentra insertada en una arcada decorada con motivos vegetales de la nave izquierda de la iglesia; la referencia a su persona viene dado por la mano izquierda, que tiene un vasito de cristal para ungüentos, que, según el Evangelio, sirvieron para limpiar los pies de Jesucristo. En este objeto de cristal se acentúa el juego de los efectos de la refracción de la luz. Tal cuadro representa la fase de madurez del pintor Piero della Francesca, donde se reúnen el uso de colores luminosos para amplias superficies, la minuciosidad y el uso siempre muy conveniente de la luz. Piero della Francesca

Natividad Obra realizada entre 1460 -1475. Actualmente se encuentra en el National Gallery de Londres. Fue realizada en temple sobre tabla y tiene unas medidas de 124 X 123 cm. Una composición equilibrada y con ritmos fijo de figuras. Se compone de tres grupos, por un lado y en primer plano la virgen con el niño, en segundo termino y a su derecha, un grupo de mujeres cantándole al niño, y por último en tercer plano los pastores con José. Los colores usados dan gran perspectiva a la obra, ya que todo lo relacionado con el tercer término se encuentra en ocre, los del segundo término en tonos azules apagados y la Virgen con el niño, en azules intensos, acercándonosla más al espectador. Piero della Francesca

Botticelli Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli, (1444 -1510), es uno de los más prolíferos pintores del renacimiento cuatrocentista. Desde pequeño fue aprendiz de grandes maestros, y a esto se debe que sus cuadros comiencen siendo pinturas contorneadas y débiles contrastes, a una pintura viva, con agilidad de movimientos y de colores, y fuertes atisbos de religiosidad. Algunas de sus obras más importantes son Virgen, niño y ángel, Virgen del libro, Anunciación, El nacimiento de Venus, La primavera. Virgen, niño y ángel Virgen del libro Anunciación

Virgen. Niño y ángel Pintura realizada en temple sobre tabla, durante los años 1465 y 1467. Se nos presenta en una dimensiones de 87 X 60 cm. Es posible que esta pintura un tanto sorprendente de la Virgen se produjera mientras Botticelli estaba trabajando en el taller de su maestro, Filippo Lippi. La inspiración inicial para la pintura vino de la famosa Madonna de este. Botticelli reemplazó el paisaje con una arquitectura arqueada que enmarca las cabezas de madre e hijo y enfatiza las dos figuras principales como el centro de la escena devocional. María se sienta en un escabel, del que se muestra un brazo ornamentado y un almohada con botones. Botticelli

Virgen del libro Pintura realizada en temple sobre tabla, en los años 1482, 1482. Se trata de una pintura de 58 X 39 cm. Es una obra extremadamente suave y bella, en la que María y el Niño están sentados en la esquina de una habitación, enfrente de una ventana. Se ven algunas palabras, mostrando que se trata de un “libro de horas”. Las manos de la madre y del hijo tienen la misma actitud: la derecha abierta en un gesto parecido al de la bendición, y la izquierda cerrada. El Niño mira a su madre mientras ésta, seria, no se sabe si mira al hijo o está absorta en la lectura del libro abierto sobre el que descansa su mano. Botticelli

Anunciación Obra realizada en temple sobre tabla, en el año 1490, con unas dimensiones de 49 X 58, 5 cm. Su datación no es segura; la mayor parte de la crónica la considera juvenil, al apreciar ciertos elementos que recuerdan a Verrochio. Sobre la parte posterior de la tabla hay una nota que señala que provenía de la iglesia florentina de San Bernardo. Se logra el ambiente por la sucesión de las columnas y de los cuadros del suelo, que sirven también para evidenciar el esquema perspectivo. Esta solemne arquitectura domina a las figuras. Botticelli

Leonardo da Vinci Es uno de los más importantes artistas del renacimiento, destaca por su pintura, su escultura, su arquitectura, fue inventor, teórico, matemático, y un prototipo de hombre renacentista. Italiano de nacimiento, (1452 -1519), desde muy pequeño , mostró una gran habilidad para las artes, durante su juventud ya tenía su propio taller, y recibía grandes encargos. A pesar de ser un prodigio desde sus comienzos, nunca dejó de estudiar, y así lo delata la evolución de sus obras, sus teorías y sus estudios de anatomía. Sus obras más destacadas son La Gioconda, La última cena, La virgen de la roca, Hombre de Vitruvio o la Virgen, el niño Jesús y Santa Ana. La Gioconda La Virgen de las rocas La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana

La Gioconda Obra maestra realizada en óleo sobre tabla con unas medidas de 77 X 53 cm. Se sitúa temporalmente en los años 1503, 1506. Nos encontramos ante posiblemente la más famosa de las obras de Leonardo, y a la vez es la mas enigmática. Posee una contradicción en el doble fondo, una pose que refleja o un embarazo o un defecto físico, su cejas son inexistentes, su sonrisa, para algunos inexistente. Pero vemos como el esfumato fue la mejor invención que aporto el artista a la pintura, y como los colores han perdurado a lo largo de los tiempo a pesar de haber sido examinadas con productos dañinos cientos de veces. Es un verdadero prodigio de la pintura. Leonardo da Vinci

La Virgen de las rocas Pintura realizada en óleo sobre lienzo, durante los años 1483, 1486, con unas dimensiones de 199 X 122 cm. La Virgen está sentada en el suelo de una espelunca o refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana ni a las más famosas cumbres de los Apeninos. Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan. Leonardo da Vinci

La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana Obra realizada en óleo sobre tabla, con unas dimensiones de 168 X 130. Su datación la sitúa en los años 1510, 1513. Se trata de una composición triangular donde Santa Ana en el último término aguanta en sus rodillas a María que se agacha para coger al niño que se encuentra en el primer termino jugando con un animalito. El fondo de esta composición está algo influido por la Virgen de las rocas, ya que en el fondo vemos escarpadas montañas que crean un tremendo espacio. El esfumato cada vez está más mejorado y la técnica es un prodigio para la pintura. Leonardo da Vinci

Raphael Sanccio Nación en Italia (1483 -1520), fue un renacentista prodigioso en la pintura y en la arquitectura, con gran influencia florentina, muestra una gran calidad en sus figuras. Desde su juventud gran parte de sus obras eran diseñadas por él, pero ejecutadas por su taller. Su primera obra de la que poseemos una documentación cierta, es de el Retablo de Barona. Fue muy influenciado por el arte florentino, respetando la evolución del suyo propio. Perfeccionó la técnica del esfumato creada por Leonardo da Vinci. Las composiciones de Raphael son consideradas verdaderas joyas, siendo un referente para la formación académica. Podríamos nombrar como algunas de sus obras más destacadas, La formarina, retrato de Baltasar Ramenghi, Madonna de Granduca, retrato del Cardenal, la Fornarina o la ninfa Galatea. Madonna sixtina Madonna de Granduca La Fornarina

Madonna sixtina Esta obra está realizada en óleo sobre lienzo con unas medidas de 265 X 196 cm. La datamos de 1513, 1514. Se trata de una composición triangular, donde la virgen de pié en el último plano pero como protagonista de la escena y con su hijo Jesús en brazos, camina hacia delante pasando por unas cortinas de tela que cierran la escena. En el plano se encuadran seis personajes, dos agelotes, San Sixto, Santa Barbara, La Virgen y el niño, flotando sobre nubes que nos sitúa la escena en un limbo celestial. Raphael

Madonna del Granduca Imagen que actualmente se encuentra en el Palacio Pitti. Creada en el año 1505. Se realizó en óleo sobre tabla en unas dimensiones de 84 X 55. Nos encontramos con una composición centrada y vertical. La Virgen María se encuentra de pie con su hijo en brazos. La pose y al actitud de su cara nos hace suponer que estuviese enseñando a su hijo. Las dos figuras se encuentran con aureolas, signos de divinidad. Los colores que lleva la Virgen, son símbolos de fidelidad y pasión. Una característica que podemos destacar de particular de la obra, es el color dorado de los cabellos de los dos personajes, que nos hacen verlos un poco más angelicales. Raphael

La Fornarina Obra realizada en temple sobre tabla con unas medidas de 85 X 60 cm. Es datada sobre los años 1518, 1519. Se trata de un retrato de lo que se considera la amante de Raphael. Vemos a una joven medio desnuda, con la piel tersa y exhibiendo libremente sus pechos. Nos mira con ojos llenos de juventud, y con su mano izquierda nos señala su punto de fuerza. Se encuentra en lo que puede ser un jardín ya que de fondo tenemos una multitud de plantas. Compositívamente hablando, es una pintura centrada, bien proporcionada y con mucha estaticidad, donde los colores no predominan ni destacan unos sobre otros. Raphael

Gerard David Nació en Oudewater en 1460, y en 1523 fallece en Brujas. Fue pintor flamenco dentro de un estilo gótico. Destaca por su brillante color. Formó parte del gremio de pintores de su ciudad natal, lo que le dió una gran influencia por parte de compañeros de gremio. Su obra tiene un carácter naturalista y volumétrico dentro de la planicie, alargamiento y simplicidad de las figuras dentro del estilo gótico. Algunas de sus obras que podríamos destacar son Transfiguración, Descanso de la Virgen en la huida de Egipto, retablo del Bautismo de Cristo, La Virgen con el niño dándole papilla, Descendimiento de la cruz o los Despropósitos de Santa Catalina. Descanso de la Virgen en la huida de Egipto La Virgen con el niño dándole papilla Los despropósitos de Santa Catalina

Descanso en la huida de Egipto Se trata de una imagen realizada en la primera década de 1500, a unas dimensiones de 45 X 44, 5 cm. Se uso la técnica del óleo sobre tabla. Vemos como en la figura de la Virgen, ésta aparece vestida con un traje azul representativo de la pureza y la fidelidad. Se encuentra sentada sosteniendo en sus piernas a su hijo, mientras que en segundo plano su marido, José, se encarga de recolectar comida. Se ve un principio de ese arte flamenco lleno de profundidad que el autor irá puliendo con la experiencia. Gerard David

La Virgen con el niño dándole la papilla Óleo sobre tabla de la primera década de 1500. Con unas dimensiones de 35 X 29 cm. En esta obra Gerard David nos muestra como la virgen da de comer a su hijo con actitud relajada y amable, mientras que el niño juega con la cuchara que sostiene en la mano. Esa influencia flamenca que arrastra Gerard David se ve en la perspectiva de lo muebles del fondo, en el paisaje que se observa por la ventana y por supuesto en la delicadeza y naturalidad con que trata las figuras. La Virgen aparece, como en casi todos sus cuadros, de azul, esta vez más oscuro, pero igualmente símbolo de pureza. Gerard David

Los despropósitos de Santa Catalina Pintura realizada alrededor de 1507, en óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 104 x 144 cm. En este caso el cuadro que presentamos es algo más complejo, pero igualmente con la Virgen como protagonista de la escena, una Virgen que sostiene a su hijo en sus piernas mientras que acerca su mano a la figura de su derecha. En este caso la escena tiene una perspectiva dada por las líneas de la solería del suelo y el fondo de la imagen. Como volvemos a ver, Gerard David opta de nuevo por el color azul para el traje de la Virgen. Gerard David

Miguel Ángel Es uno de los más grandes artistas tanto en pintura como en escultura y en arquitectura. Nace en Caprese 1475 y muere en Roma en 1564. Se caracteriza por la perfección. Sentía predilección por las escultura y la pintura, su obra pictórica más relevante es la pintura de la Capilla Sixtina. Sus obras se caracterizan por el naturalismo perfeccionado, cuidadosos estudios previos y una gran precisión en el dibujo. Algunas de sus obras más destacadas son Vista de Florencia, La familia Sagrada, Retrato de Lorenzo el magnifico, Creación de Eva, El papa Julio II, o Madonna de Manchester. La Sagrada Familia Creación de Eva Madonna de Manchester

La familia sagrada Pintura renacentista de 1504, realizada en óleo sobre madera. Se trata de un tondo de 120 cm de diámetro. Actualmente se encuentra en la galería Uffizi. El tondo se compone por tres figuras principales, la virgen, el niño y José. Se sitúan en el centro de la imagen debido al formato redondo del soporte. La virgen viste en colores suaves como son el azul para la parte inferior y rosa para la parte superior. La escena se desarrolla posiblemente en el limbo, debido a las figuras que vemos en el fondo. Se trata de una composición muy equilibrada pero a la vez muy ágil y dinámica, ya que el instante que estamos viendo, el niño, pasa de las manos de su padre a las de su madre, mientras esta se retuerce para cogerlo con cariño. Miguel Ángel

Creación de Eva Obra que realiza el artista en los años 1509, 1510. Se trata de un fresco de la capilla Sixtina. En la escena vemos como nace la mujer del costado del hombre, como Dios le indica que se levante, y como Eva, nace y vive de Adán. Los cuerpos desnudos están tratados con gran maestría y las cuervas de estos crean unos estudiados claroscuros que dan gran vida a la obra. Miguel Ángel

Madonna de Manchester Se trata de una obra de óleo sobre tabla de 1497, de unas dimensiones de 105 x 76 cm. En este caso la escena nos muestra la Virgen rodeada de angelotes y querubines que en un campo leen entretenidamente. Los ropajes de los personajes son de un rosa brillante pero a la vez celestial. La obra se compone con todos los personajes en la derecha de ésta y mientras que la Virgen se nos presentada, los demás se mantienen de pie entretenidos. Miguel Ángel

Tintoretto Último gran pintor del renacimiento italiano, nativo de Venecia 1518, 1594. Se considera un precursor del arte barroco por su fuerza en la pincelada, la dramática perspectiva y los especiales efectos de luz. Sus trabajos más famosos son relacionados con la vida de la Virgen y de Cristo. Algunas de sus obras más reconocidas son Marcos iliberando al exclavo, Cristo en el lago tiberiades, Susana y los viejos, la ultima cena, Venus Vulcano y Marte, o Baco y Ariadna. Susana y los viejos Baco y Ariadna Venus, Vulcano y Marte

Susana y los viejos Obra de óleo sobre lienzo, de 155, de unas dimensiones de 147 x 194 cm. Actualmente se encuentra en el Museo del prado. Es una obra algo dramática, en la que vemos como Susana se desnuda y mantiene una posición insinuante al mirarse al espejo, un anciano asoma la cabeza tras los matorrales para observarla. La composición de la escena es equilibrada, a la derecha tenemos a Susana y a la izquierda al anciano. Quedando todo dentro de una misma atmósfera debido a los colores usados por el artista, donde vemos un toque de tenebrismo y altos contrastes de luz. Tintoretto

Baco y Ariadna Cuadro de 1576, realizado en óleo sobre lienzo de 60 x 50. Se trata de una pintura con unos tonos muy sutíles, donde los contrastes son reducidos pero bien colocados. Nos atrae la limpieza de los cuerpos que parecen de inspiración griega. Se nos presenta una composición bastante dinámica en la que los cuerpos se retuercen para llegar a su destino, en la que cada movimiento tiene un comienzo y un desenlace. La luz es uno de los factores más llamativos de la obra, y como incide en el torso de Baco nos envuelve y nos involucra plenamente en la obra. Tintoretto

Venus, Vulcano y Marte Óleo sobre madera realizada en el año 1550 en unas dimensiones de 197 x 140. Obra en la que la posición escorzada de los personajes, la luz y la sombra nos hacen verla como dramática e intima, a la vez que desafiante y trágica. Se compone de cuatro personaje, Venus, Vulcano, Marte y el niño. Es una composición rectangular partida en dos diagonalmente, en la que en un lado se ve Venus sola llena de luz y vida, y el otro, la penumbra de la habitación, donde cada personaje tiene un papel definido. Tintoretto

EL Greco De procedencia griega, nace en 1541 y muere en 1614, fue pintor de finales del renacimiento lo que le llevó a desarrollar sus obras hacia un estilo muy personal. Tuvo influencias de tres focos muy distintos, por un lado fue influido por la cultura bizantina, del estilo renacentista obtuvo la formación del óleo, por último gracias a Miguel Ángel fue influenciado por el manierismo. Algunas de sus obras más destacadas son La Curación del ciego, Anunciación, Giulio Clovio, la Coronación de la Virgen, Trinidad, El Entierro del Conde Orgaz o Virgen con niño, Santa Marina y Santa Inés. Anunciación La Coronación de la Virgen La Virgen con el niño, Santa Marina y Santa Inés

Anunciación Temple sobre lienzo de 1560, 1565. Con unas medidas de 37 x 23, 8, se encuentra hoy en día en la galería Estense. Se trata de una pintura equilibrada debido a la distribución de los personajes, a la derecha el ángel anunciador, ya a la izquierda la Virgen asombrada por la aparición de ese misterioso ser. La virgen se mantiene arrodillada mientras el ángel le da su mensaje. Los colores rojos, dorados y naranjas, destacan en la escena sobre los azules del fondo, dándole un gran toque de profundidad. El Greco

La coronación de la Virgen Pintura realizada en óleo sobre lienzo, con unas medidas de 105 x 80 cm. De estilo manierista, el tenebrismo y los haces de luz, son un gran recurso usado en esta obra. Vemos una composición partida en dos, por un lado en las nubes una composición equilibrada y rectangular, donde se corona a la Virgen a dos manos. En la parte inferior, el pueblo admira la coronación de la Virgen. Los rostros de los personajes dan un gran dramatismo y emoción a la escena que se hace mas real con ellos. El Greco

La Virgen con el niño, Santa Marina y Santa Inés Una obra de 1597, de óleo sobre lienzo de 193 x 103 cm. Actualmente se encuentra en The National Gallery de Londres. Es una obra casi recargada de personajes que se mueven, hablan e interactúan entre ellos. La escena se compone en dos partes, la primera en la que la Virgen en un nivel superior, acunada por las nubes y protegida por los angelotes acuna a su niño, y un segundo plano en la parte inferior, donde Santa Marina y Santa Inés se entretienen entre ellas mientras aguantan dos animales. Los rojos azules y dorados son los clores predominantes de la escena, adelantándonos las tres fíguras principales y dejando al resto en un segundo plano ficticio. El Greco

Caravaggio Pintor italiano nacido en Milán en 1571, murió en Porto Erde en 1960. Está considerado el primer pintor exponente de la pintura barroca. Se podría decir que era un pinto religioso. Su naturalismos en las pinturas, su acentuado tenebrismo y el excepcional uso de la luz, lo hace único en retratos. Podemos mencionar como algunas obras suyas importantes, Adoración de los pastores, Amorcillo durmiente, Anunciación, Baco, Cabeza de medusa o Buenaventura. Anunciación Cabeza de serpiente Buenaventura

Anunciación Obra realizada por Caravaggio en 1609. Actualmente se encuentra en el Museo de Nancy. Con unas medidas de 285 X 205 en un lienzo con la técnica del óleo. Con un estilo tenebrista y una excelente técnica de dibujo, Caravaggio crea una composición diagonal, muy estática y donde la luz es la principal característica del cuadro. La Virgen mira al suelo mientras que se le aparece el ángel y le dice que va ser concebida. Las telas de la Virgen de color azul nos simboliza su pureza. Nos la encontramos en actitud oyente y protectora con las manos cruzadas en el pecho, la cabeza baja y arrodillada ante el místico personaje que se le aparece. Caravaggio

Cabeza de Serpiente Obra de 1600 -1601 Actualmente se encuentra en la Galería de los Uffizi. Mide 60 X 55 cm, y fue creada en óleo sobre lienzo. Se trata de un tondo donde queda retratada una mujer con pelos de serpiente. La expresión de la mujer refleja el asombro de ver como sus pelos se convierten en serpiente. El tenebrismo está aplicado con gran maestría, y queda claro en la parte derecha del pelo de la mujer, un magnifico juego de luces dejándonos entrever las serpientes. Caravaggio

Buenaventura en una obra de Caravaggio, de 1596 -1597, creada con unas medidas de 99 X 131 cm, en óleo sobre tabla. Se encuentra en el Museo Nacional del Louvre. Se trata de una obra compuesta por dos personajes y un fondo neutro. Los dos personajes se encuentran en los tercios del cuadro, haciéndolo a este equilibrado y estático. Nos muestra como la mujer lee la mano al hombre mientras se miran a los ojos. La pose del hombre, relajada, nos inspira confianza, y la cara de la mujer nos propicia pensar que le sonríe con ironía. El tenebrismo en este cuadro esta usado en los cuerpos de los personajes, pero vemos un magnifico tratamiento de la luz en sus caras y el fondo de la estancia. Caravaggio

Peter Paul Rubens De nacionalidad flamenca, Rubens nace en Siegen en 1577 y muere en Amberes en 1640. Se trata de uno de los más grandes artistas del panorama barroco y del arte en general al tener unas grandes dotes artísticas, un buen conocimiento humanístico, el don del latín y conocimiento de varias lenguas modernas, y una especial habilidad para la diplomacia. Sus comienzos fueron paisajísticos, pero rápidamente encamina su pintura hacia la figura humana y hacia un buen estudio del cuerpo. Algunas de sus obras más reconocidas, son Adán y Eva, Albert y Nicolás Rubens, Andrómeda y Perseo, Apoteosis de Jacob I o Archiduquesa Isabel. Adan y Eva Andromeda y Perseo Archuiduquesa Isabel

Adán y Eva es una obra de Rubens de 1598, 1600. Se encuentra en la Casa de Rubens. Con unas medidas de 180, 3 X 158, 8 cm, está creado en óleo sobre tabla. Unas curvas suaves dan a los cuerpos el movimiento que necesitan para reflejar la acción que realizan. Se trata de un estudio de anatomía y de luz, donde Rubens refleja sus conocimientos de arte y de humanismo. La composición equilibrada tiene una gran profundidad otorgada por el paisaje que se abre tras ellos y nos meten en un bosque amplio y armonioso. Peter Paul Rubens

Andrómeda y Perseo La podemos encontrar actualmente en el Museo del Prado. Fue realizada en 1638 -1640 en unas dimensiones de 265 x 160 cm, en óleo sobre tabla. Un cuadro con bastante dramatismo en los cuerpos, donde vemos un pequeño forcejeo entre Andrómeda y Perseo. Los colores usados para ésta composición tan dinámica, son el negro, marrones y el rojo de los ropajes de Perseo, que destacan por encima de todos los demás. El juego de luces del cuerpo de la mujer, es la contraposición de la oscuridad del caballero. Peter Paul Rubens

Archiduquesa Isabel Pintura de 1609, del Kunsthistoriches Museun. Con una medidas de 105 X 74 cm, está realizada en óleo sobre tabla. Rubens refleja el carácter de la archiduquesa con un gran peinado y unas bellas vestiduras. Los colores elegidos son rojos y dorados, dando aún más prestigio a la dama retratada. El excepcional conocimiento del cuerpo humano que Rubens poseía, le permitía reflejar las expresiones faciales con mucha fidelidad, y sumando el magnifico uso de la luz, nos encontramos con cuadros tan extraordinarios como este. Peter Paul Rubens

Francisco de Zurbarán Nace en Extremadura (España) en 1598 y en 1664, muere en Madrid. Pertenece al siglo de oro español. Fue un genio precoz, destacando por su pintura religiosa en la que vemos una gran fuerza visual y un profundo misticismo. A lo largo de su evolución artística, cada vez fue acercándose más al estilo manierista de Italia. Nombrando algunas obras conocidas, destacamos Adoración de los magos, Anunciación, Beato Cirilo, Inmaculada o San Antelmo. Anunciación Inmaculada Santa Dorotea

Anunciación Obra de 1650, actualmente situado en el museo de Bellas Artes de Filadelfia. Tiene unas medidas de 223 X 310. Realizada en óleo sobre lienzo. Vemos como con una composición simple relajada y con poco movimiento, Zurbarán nos refleja el momento que el ángel anuncia a María el nacimiento de un hijo suyo. Los colores elegidos para esta imagen son los rojos, azules y verdes, que armónicamente se mezclan con los ocres y dorados del fondo. Francisco de Zurbarán

Inmaculada De 1661, Inmaculada se encuentra en el museo de Bellas Artes de Budapest. Con unas medidas de 136 x 102 cm, fue realizada en óleo sobre lienzo. Una composición equilibrada y centrada, son tonos pasteles, un reconocido claroscuro y un manierismo ya bien arraigado en su estilo, esta obra muestra el claro misticismo del que se caracteriza. Se nos presenta a María Inmaculada flotando entre nubes sobre cinco cabezas de querubines que amablemente la llevan. Francisco de Zurbarán

Santa Dorotea es un pintura de 1641 -1658 que la podemos contemplar en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Con una medidas de 172 x 102 cm, está realizada en óleo sobre lienzo. Se nos presenta un magnífico estudio de pliegues y luces, así como de composición y color. La vemos vestida de rosa adornada con un pañuelo amarillo que envuelve su cuerpo. Lleva en sus manos un plato de frutas que reflejan la misma calidad de luz que los ropajes. Francisco de Zurbarán

Rembrant Pintor del Barroco Holandés, nace en Leiden en 1606, y muere en Amsterdan en 1664. Pertenece a una familia de clase media, lo que le permitió dedicarse al estudio del arte. Comenzó siendo inspirado por el estilo y las pinturas de Caravaggio. A medida que su pintura se afianza más, su estilo sale del barroquismo para encaminarse por un gusto por el detalle y el color, una pintura más relacionada con la mentalidad protestante. Destacaremos como obras conocidas, Adoración de los pastores, Anciana con 83 años, El baño de Diana, El sacrificio de Isaac, Florida o Señora con perro. Florida El baño de Diana Señora con perrito

Florida Pintura de 1635 realizada en óleo sobre lienzo en unas medidas de 123, 7 X 97, 5 cm. actualmente la podemos encontrar en el National Gallery de Londres. Vemos como el tenebrismo todavía deslumbran en los cuadros de Rembrant, un fantástico juegos de luces y una magnifica interpretación del color, hacen resaltar cada pliegue de las ropas, así como del rostro de la diosa, y de las flores que tienes en sus manos. Los colores dorados son los que el artista eligió para la interpretación de esta obra. Rembrant

El baño de Diana Obra de 1634 situada en el Museo Wasserburg. Con una medida de 73, 5 X 93, 5 cm. fue realizada en óleo sobre lienzo. Rembrant nos presenta una imagen en la que vemos como un grupo de mujeres se asean junto con Diana. El tenebrismo sigue siendo aún un buen aliado para sus pinturas, cosa que refleja en la oscuridad de los paisaje, pero es magnifico el juego de luces que hace en todos los cuerpos de las mujeres. Es una composición muy dinámica, en constante movimiento y las sutiles líneas de cada cuerpo así lo reflejan. Rembrant

Señora con perrito Una obra realizada en óleo sobre lienzo con unas medidas de 81 x 64 cm. fue realizada en 1662 y actualmente se encuentra en la Galería de Arte de Toronto. Se nos presenta a una mujer vestida con traje rojo y sujetando a su pequeño perro. La actitud de esta señora es serenada y paciente. Es el típico retrato que daba un poco más de nivel social a la familia, ya que se muestran las mejores vestiduras y las mejores joyas. Se trata de un retrato estático y equilibrado, donde el tenebrismo es un factor a destacar, ya que perdemos el fondo y el juego de luces es apagado en algunos puntos. Rembrant

Murillo Bartolomé Esteban Murillo es quizás el mejor pintor que define la estética del Barroco. Nace en Sevilla en 1617 y muere en la misma ciudad en 1682. Tuvo desde pequeño el don de la suerte y a pesar de que padre muriese cuando el era aún muy pequeño, logró salir adelante sin muchas dificultades, convirtiéndose en uno de los pintores más prolíferos de la zona de Sevilla combatiendo con la crisis que reinaba por esos tiempos. Algunas de sus obras más destacadas, Niños comiendo melón y uvas, Inmaculada Concepción, Niños de la concha, Magdalena Penitente, Tres muchachos o Virgen del Rosario. Inmaculada concepción Magdalena penitente Virgen del Rosario

Inmaculada concepción Pintura de 1650. Mide 436 x 292 cm. Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Sevilla y está realizada en óleo sobre lienzo. Murillo representa a la Inmaculada concepción flotando entre nubes y elevada por angelotes. En el estilo de Murillo, predomina el naturalismo de las figuras y la delicadezas de curvas y contraste. Los colores usados son aterciopelados en los ropajes de la Virgen y dorados para el fondo. Podemos destacar el dinamismo de la escena que a pesar de no ser algo dramático, es continuo y delicado. Murillo

Magdalena penitente Obra de Murillo del barroco español, de 16501655. Actualmente la podemos contemplar en el National Gallery de Dublín. Se realizó en óleo sobre lienzo y con unas dimensiones de 152 X 104 cm. El tenebrismo empleado en esta obra es excepcional. El fondo lo perdemos por completo, y el juego de luces y sombras de la tela que María Magdalena sostiene entre sus manos es extraordinario. Nos encontramos a María en posición de rezo o ruego hacia algo divino que mira con gran expectación, reflejado en su cara y en la delicadeza en que Murillo trata a la figura. Murillo

Virgen del Rosario Cuadro de 1650 -1655, se encuentra en El Prado. Se trata de una pintura realizada en óleo sobre lienzo, y tiene una medidas de 164 X 110 cm. En una composición equilibrada y centrada, Murillo nos muestra a la Virgen del Rosario sentada con su hijo en sus piernas de pie. Hay un gran tenebrismo en el fondo que nos queda oculto totalmente. Las ropas que la Virgen lleva, son de colores azules y rojos intensos, destacando la luz que incide sobre los rostros de los dos personajes. Estos dos personajes los vemos con caras pasivas, sin intención de realizar ninguna acción, casi posando. Murillo

Jaques Louis David Nació en París en 1748, se considera el creador del neoclasicismo francés. Se inició desde muy pequeño en la pintura y a una temprana edad ingresó en la academia de París Sus influencias se basan en Rafael y en el tenebrismo de Caravaggio, dándole un toque personal que enseñó en su escuela. Madame Recarmier Condesa de Daru Madame de Seriziat

Madame Recarmier Obra de 1800, realizada en óleo sobre lienzo, se encuentra en el Museo del Louvre, con unas medidas de 175 X 244 cm. Vemos como Madame Recarmier posa recostada sobre un diván, con las piernas estiradas y mirando al espectador. Tanto los colores usados, los dorados, como los muebles de época que vemos dan a la escena un nivel social acorde con el personaje que se representa. Es una composición estática y sin movimiento. Jaques Louis David

Condesa de Daru Realizada en 1810, actualmente se encuentra en la Colección Frick de Nueva York. Se usó la técnica de óleo sobre lienzo con unas medidas de 81 X 65 cm. Es un retrato de pose, donde la condesa nos mira con semblante sereno. Es una composición muy estática y equilibrada. Los tonos de piel rosados y el traje de seda le da a la pintura el nivel social que se merece. El juego del luces usado para dar volumen a las telas puede ser el aspecto más destacable de este cuadro, ya que es inevitable fijarse como la tela se arruga y como causa pequeños destellos de luz que dan la sensación de volumen irreal tan buscada en algunos momentos de la historia. Jaques Louis David

Madame de Seriziat Obra de 1795, realizada en óleo sobre lienzo que podemos encontrarla en El museo del Louvre de París. Tiene unas medidas de 131 X 96 cm. Se trata de un retrato de la Madame de Seriziat con su hijo. Los dos están posando, mirando al espectador, creando así una composición estática y equilibrada. Los ropajes elegidos para esta pintura son simples pero muy bellos y armónicos, permitiendo al pintor sacar el mejor partido a las luces y a las sombras de cada pliegue de los vestidos. Podemos destacar el gran tocado de la cabeza de la Madame, de verdes apagados muy al estilo de la obra, y el ramo de flores que sostiene en sus manos, que le dan un toque de elegancia. Jaques Louis David

Degas Pintor parisino de 1834, se conoció por si particular visión del mundo del valet. Su carrera comienza en el Louvre realizando copias. A medida que avanzó, sus obras fueron creciendo en estudio y en admiración, a pesar de ello, Degas se aisló de la sociedad y se destino a morir sólo en 1917. A pesar de ello, las influencias renacentistas y japonesas hacen que sus obras tengan un aire romántico y entrañable. Algunas de sus obras son por ejemplo, jóvenes espartanas, bailarinas en el estudio, carrera de caballos, bailarinas arreglándose, la orquesta de la ópera o joven desnudándose. Bailarina en el estudio Bailarinas arreglándose Joven desnudándose

Bailarinas en el estudio Realizada en 1872, pertenece a una colección particular. Está realizada en sanguina con unas medidas de 27, 3 X 21. Vemos una magnifica interpretación de colores y líneas, donde una bailarina se encuentra de espaldas a nosotros, la composición se vuelve ágil y dinámica, y los colores pastel que se le otorgan, simpatizan perfectamente con el momento delicado que vivimos. La composición equilibrada, está compuesta por la bailarina que se sitúa a nuestra derecha, y un fondo limpio a la izquierda, que a pesar de estar limpio, tiene un gran peso visual. Degas

Bailarinas arreglándose Dibujo realizado a pastel en 1899. Actualmente se encentra en el Museun of Art de Toledo con unas medidas de 27, 3 X 21. Se trata de un dibujo con mucha agilidad y dinamismo, ya que las bailarinas están casi en escorzo por los movimientos que tienen que hacer para arreglarse para salir al escenario. Los colores usados por Degas para esta escena, tanta pasión y dramatismo, y el magnífico juego de luces, nos hace introducirnos en la obra. Degas

Joven desnudándose Obra de 1887 -189 actualmente situado en el Museo de Artes de Philadelphia. Está realizado en pastes, en un tamaño de 55, 5 X 75, 5. Los trazos de Degas hacen que la mujer que representa se llene de vitalidad y dinamismo, al estar en el momento exacto de levantarse para terminar de desnudarse. Los ocres y los verdes pálidos que se han usado dan un toque intimista a la escena, algo sutil y natural. Degas

Monet Pintor francés de 1840. Muere en Gieny en 1926. Sus primeras obras tienen una clara influencia de Jaques Louis David ya que estudió con uno de sus discípulos. Comenzó haciendo caricaturas, cosa que le dió cierta fama. En sus obras, la luz está marcada por un estilo al aire libre, lo que dió también gran soltura a la hora de dibujar y le permitió reflejar aspectos de la vida muy dispares tales como a borrachos. Algunas de sus obras que podemos destacar, son Camille, Japonesa, La urraca, Mujeres con sombrilla, La lisense o Mujeres en el jardín. Japonesa Mujeres con sombrilla Mujeres en el jardín

Japonesa Pintura de 1875. Se encuentra en el museo de Boston. Mide 231 X 142. Es una obra pintada en óleo sobre lienzo de estilo impresionista. Monet nos presenta a una mujer vestida con un kimono japonés, reflejo de la clara influencia que esa sociedad causa en la nuestra. La minuciosidad con la que está tratado el traje, es espectacular, el juego de luces y sombras nos hacen un reflejo de iconicidad con la que Monet trataba sus trabajos. Es una composición equilibrada y muy dinámica, acentuado por el rojo del traje que llama especialmente la atención. Monet

Mujer con sombrilla Obra de 1886, actualmente se encuentra en el Museo de Orsay. Tiene unas medidas de 131, 1 X 88 y fue realizada en óleo sobre lienzo. Se trata de una pintura en la que la luz y el color son los principales predominantes. Es una composición equilibrada y con un dinamismo mínimo, ya que el único movimiento que se presencia en la escena es el del traje movido por la brisa. Los colores tono pastel y el trazo imperceptible, hace de estos cuadros algo único. Monet

Mujeres en el jardín Pintura de 1866 de unas medidas de 255 X 205. Fue realizada en óleo sobre lienzo y pertenece al estilo impresionista. Se destaca del cuadro el uso de la luz como principal protagonista y como guía dentro de la escena. Vemos a cuatro mujeres que se divierten en un jardín, cogen flores o simplemente disfruta del paisaje. Vemos un magnifico detalle en los pliegues de las ropas, así como en la composición de los árboles y la naturaleza. Monet

Toulouse Lautrec Celebre pintor nacido en 1864 en una familia acomodada, cosa que le permitió dedicarse al estudio de la pintura desde pequeño. Su desdichada vida fue lo que le hizo arrastrarse por la vida nocturna de París y crear un estilo único de mujeres deformes, gordas y caricaturescas. Los colores vivos y las líneas insinuantes hacen que los cuadros de Toulouse Lautrec, cobren vida. Algunas obras que podemos destacar son, La inspección médica, Justine Dieuhl, Suzane Valadon, La Gole entrando en el Moulin Rouge, Baile en el Moulin Rouge o Crouching woman red hair. Justin Dieuhl Lagola entrando en el Moulin Rouge Crouching woman red hair

Justine Dieuhl Obra de 1891, realizada en óleo sobre lienzo, con unas medidas de 74 x 58 centímetros. Se encuentra en el Museo de Orsay. Una media figura situada en el centro del cuadro, con colores que dan gran profundidad a la escena, y que aumenta con las gruesas líneas del dibujo. Los tonos del traje azules crean un magnifico contraste con los verdes del fondo. Toulouse Lautrec

La Goule entrando en el Moulin Rouge Es una obra de 1892 realizada en óleo sobre lienzo de unas medidas de 79, 4 X 59 centímetros y actualmente se sitúa en el Moma de Nueva York. Goule, una de las artistas principales del Moulin Rouge, entra en el local, y es retratada en colores cálidos, dando un aspecto de dignidad y nivel social. El encuadre es uno de los aspectos a destacar, ya que aparecen dos personajes creando una composición equilibrada y con movimiento. Toulouse Lautrec

Crouching woman red hair Pintura realizada en óleo sobre lienzo, con unas medidas de 47 X 60. Actualmente se encuentra en el Museo de San Diego. Se trata de una pintura de composición desequilibrada, de colores cálidos, destacando el rojo de la cabellera de la mujer. La figura de esta tratada con sutileza y el movimiento pausado de ella, concuerda con los colores de la obra. Toulouse Lautrec

Van Gogh Uno de los principales pintores del post-impresionismo. Nació en los Países Bajos en 1853 y murió en Francia en 1890. Tuvo una infancia dura, pero logró salir adelante con el orgullo de considerarse autodidacta. Sus primeros tratos con el arte, fueron como marchante, lo que le influyó en sus posteriores obras. Sus primeros dibujos son muy realistas y con tonalidades oscuras, derivando en una pintura oscura y con personajes casi deformados. Sus últimas pinturas, de inspiración francesa, son coloristas e iluminadas al más puro estilo impresionista. Algunas de sus obras, son los puentes de Langlois, Mujeres en el café de Tambouril, Adeline, Arlesiana, Cráneo fumando un cigarrillo o Cabeza de campesina con cofia blanca. Adeline Ravoux Arlesiana Cabeza de Campesina con cofia blanca

Adeline Creada en 1890, realizada en óleo sobre lienzo y con un tamaño de 73, 7 X 54, 7, se encuentra dentro del estilo neo-clasicismo. Una pintura casi dibujo, pero que aun así es un claro ejemplo de su estilo simple y profundo. Nos muestra a una niña sentada que vaga en sus pensamientos. Los tonos celestes de la niña y los ocres de su piel tienen poco volumen pero son las líneas del dibujo las que nos hacen ver ese volumen. Van Gogh

Arlesiana De 1888, se encuentra en el Metropolitan Museun, con una medidas de 391, 4 X 73, 7, está realizada en óleo sobre lienzo. Se trata de una pintura casi a tintas planas, usando su característico trazado y composición, nos muestra a una mujer que mantiene la mirada perdida. Los colores amarillos del fondo, causan un claro contraste con los negros de los ropajes de la mujer. Se trata de una composición estática y equilibrada. Van Gogh

Campesina con cofia blanca Fechada en 1885, tiene unas medidas de 38 X 80. Está realizada en óleo sobre lienzo. Actualmente se encuentra perdido. Vemos como Van Gogh es capaz de captar la esencia de la mujer trabajadora del campo, con las facciones duras del día a día y la mirada a su vez llena de tristeza e impotencia ante la vida que le ha tocado vivir. Los colores usados, encajan perfectamente con el tema, colores ocres que uniformizan la imagen. La luz que se centraliza en la cara de la campesina, nos da una gran sensación de volumen. Van Gogh

Lista de escultores Fidias Praxiteles Escopas Donatelloi Juan de juni Bernini Alonso Cano Auguste Rodin Henry moore Alexander Archipenhio

Fidias Nacido en Atenas hacia 490 a. c, murió en Olimpia hacia 431 a. C. Fue el más famoso de los escultores de la Grecia antigua, pertenece al primer clasicismo griego. Fidias diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la acrópolis de Atenas y la colosal estatua de Zeus en Olimpia. Atenea Lemnia Artemis Atenea Phartenos

Atenea Lemnia Escultura griega de Fidias, realizada en el V a. C. Fue construida para situarse en la acrópolis de Atenas. Se trata de una escultura femenina donde se representa a Ateneas con una pose digna y estable. En sus orígenes la estatua sostenía una lanza y un escudo en sus manos, pero el paso del tiempo destruyo esos dos elementos. Unos de los aspectos a destacar de esta escultora es el tratamiento de los pliegues de la túnica, como Fidias capta y representa el movimiento caído de una túnica, como cada pliegue tiene un movimiento diferente al anterior. Los escudos que Atenea lleva en su pecho tienen una gran simbología. Fidias

Artemis Se trata de una escultura de triple con una composición dinámica y equilibrada. Fue realizada en el V a. C. Seguramente en mármol. Artemisa, el diablo y un ángel son las tres figuras que lo componen En ella vemos una figura femenina que observa como la figura masculina le agarra por el brazo mientras se retuerce para poder atraparla. Y sobre sus cabezas, el ángel intenta retirar a la figura masculina de la femenina. El juego de luces que crean las tres figuras está excelentemente estudiado, y podemos destacar el hecho de que esta escultura esta realizada para su visión por todos los puntos de vista posibles. Fidias

Atenea Phartenos Estatua del 447 a. C. De una altura de 13 m. Se encuentra en Atenas. Fue diseñada para colocarse en la acrópolis de Atenas, y ser la diosa que diese la bienvenida a los llegados de fuera de la ciudad. Es un trabajo monumental en tamaño y en precisión, ya que para la realización de una estatua tan grande hace falta una visión de ella, hace falta una visión especial y espacial diferente de ella. Vemos el tratado que da a las túnicas, el juego de luces y sombras sigue siendo preciso y la relación de tamaños perfectamente estudiado. Fidias

Praxiteles Nativo de Atenas, hijo de Cefisodote el Viejo, fue el más renombrado escultor clásico del siglo IV a. C. Con la obra de Praxiteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar la sensualidad. Sus obras están caracterizadas por la llamada Karis o gracia ática y la llamada curva praxiteliana, consistente en un elegante contrapposto. Venus Afrodita

Venus Se encuentra en el museo Perteneciente al periodo clásico. de los Uffizi. Cabe destacar el clásico comtrapposto Praxiteles que le da la elegante “S” invertida. de La delicadeza con la que trata el cuerpo y en especial el femenino deja verse en el resultado final de este. Como el pulido que se aplica a la piedra es magnifico, el contorno de la figura delicado, obteniendo una figura ágil y de movimiento sutil. Praxiteles

Venus del periodo clásico, actualmente encuentra en el museo de los Ángeles. se Volvemos a ver como la “S” invertida se crea gracias al contrapposto que Praxiteles aplica a todas sus figuras. La delicadeza de formas y sutileza de contornos son los hechos a destacar de estas figuras. Como vemos, los paños tiene un toque redondeado mucho más naturales que en obras escultóricas antecesoras suyas. Ahora los pliegues se entremeten, se arrugan y sobresalen dando un gran juego de luces y sombras, y un gran volumen. Praxiteles

Afrodita del 350 a. C. Realizada por Praxiteles. Se trata de una escultura femenina donde vemos como el sutil contrapposto es un elemento a destacar, ya que esa “S” praxiteliana, sutilmente creada, le da el toque final para la creación. Otro factor a destacar es el pulido y acabado final de las obras, ya que son características fundamentales de la obra de Praxíteles. Es una obra muy estática y con poco movimiento, ya que este lo crea solo la dirección de la cara de Afrodita y el suave contrapposto. Praxiteles

Escopas Celebre escultor y arquitecto clásico griego del siglo IV a. C. Lisipo, Praxiteles y Escopas son los tres grandes escultores responsables de la segunda fase del clasicismo. Trabajó el mármol de las famosas canteras de su isla natal. Escopas estuvo muy activo en el periodo de 395, 350 a. C. y trabajo casi exclusivamente en Grecia. Sus obras se parecen mucho en la composición, al estilo de Fidias, aunque parecen muy rigurosas en la forma en la cual denotamos una influencia de Polícleto. Menade danzante Escultura femenina

Menade danzante Escultura en mármol de Escopas del IV a. C. Se trata de una composición muy desequilibrada y con un movimiento exagerado, ya que la Menade se retuerce mientras eleva sus brazos y gira sobre si misma. Su mirada nos dirige hacia el cielo, y sus exagerados movimientos nos perturban al verla. Como vemos el tratamiento de los paños y el de los cabellos es algo mas pasional pero a al vez menos académico. La figura tiene una gran atracción visual a a pesar de que idealización no sea tan extrema como la de otros escultores. Escopas

Escultura Femenina Escultura femenina del IV a. C. En esta escultura vemos como la mujer tapa levemente sus pechos y con la mano izquierda además de ocultar señala donde reside su punto de poder. Se trata de una escultura con un movimiento leve y suave de composición estática y de un acabado delicado. La figura, mira al infinito, dejando que nuestros pensamientos vuelen a la hora de descifrar el mensaje de su presencia. Escopas

Escultura Femenina Escultura griega del IV a. C. Se trata de una escultura femenina, al estilo de Escopas, donde los detalles dejan de ser idílicos para poco convertirse en realidades. Vemos el busto de esta figura, que mira con aire desenfadado hacia el infinito con una posición solemne y firme. El acabado de los cabellos es la característica que podemos destacar, ya que son ondulación que dan viveza a la figura. Escopas

Donatello Nació en Florencia en 1386 y murió en Ibiden en 1466. Fue un famoso artista italiano de principios del renacimiento. Junto con Leon Battista, Brunelleschi y Massacio, fue uno de los creadores del estilo. Donatello destacó en una fuerza del estilo innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de sticciato, es decir, relieve plano o aplastado. María magadalena Judith y holofemes Virgen y niño

María magdalena Obra realizada por Donatello en 1455. Actualmente se encuentra en el museo de la Ópera del Douno. Fue realizada en madera tallada dorada y policromada. Vemos una representación de una María magdalena corrompida por el dolor y por las lágrimas. En su acabado refleja la pasión que sufre. Muestra unas piernas temblorosas que están a punto de caer por el agotamiento, unas manos que se unen pidiendo clemencia. Una composición muy desequilibrada y un sutil movimiento nos da la sensación de que camina hacia nosotros. Donatello

Judith y Holofemes Una composición dinámica y desequilibrada nos hace extremecérnos al ver esta imagen. Realizada en 1445 aprx. Está realizada en bronce y mide 236 cm. Se encuentra en el Palazzo Vecchio en Florencia. Vemos como Judith agarra un puñal con el que pretende asesinar a Holofemes. Nos encontramos en los últimos minutos de vida del personaje y vemos como la sutileza con la que se trataba a las figuras del renacimiento, también llega a este momento tan culminante, donde la cara de Judith es casi inexpresiva. Donatello

Virgen y niño, de renacimiento realizado por Donatello. Se trata de una composición muy suave, equilibrada y sin dinamismo ninguno, las figuras aparecen estáticas y carentes de durezas en sus rostros, ya que la escena que representan es tierna y muy familiar. Los volúmenes están perfectamente calculados, los sentimientos tiernos bien expresados y lo paños que cubren a las figuras delicadamente tratados. Donatello

Juan de Juni Francia 1506, Valladolid 1577. Escultor franco español. Junto con Alonso Berruguete formo la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana. Piedad Virgen de las Angustias Santo entierro

Piedad Obra maestra del escultor, de 1575, donde refleja a la perfección el dolor de los cuerpos. En una composición casi triangular, muy estática y poco dinámica pero con un gran sentimiento, vemos como María acoge en sus brazos a su hijo yacente, mientras éste deja ver las heridas de sus manos y de su costado. El interés por reflejar el dolor, hace que los rostros sean los elementos más importantes de la obra, ya que en ellos se condensa todo ese sufrimiento que en esos momentos viven. Juan de juni

Virgen de las angustias Representación de la Virgen en el momento en el que ve como matan a su hijo que se encuentra crucificado. El tratamiento de los rostros es a lo que más importancia le da Juan de Juni en sus obras, ya que estos son el reflejo de cada sentimiento y de cada pena o alegría. En este caso que plasmado perfectamente la pena que sufre la Virgen al ver impotente como su hijo es crucificado y muerto en la cruz. Asimismo destacar el especial cuidado que pone en el tratamiento de los paños que recubren a la virgen, que dan más énfasis si cabe a ese dolor tan exteriorizado. Juan de juni

Santo entierro Obra realizada en 1539/ 1540. Con una composición de varios personajes, con gran dinamismo y gran equilibrio. Actualmente se encuentra en el Museo de Valladolid. Esta obra fue realizada en madera policromada, y destacan las tres Marías que lloran el cuerpo de Cristo, mientras que sus rostros reflejan un dolor infinito. Los cuerpos se retuercen y mirar atónitos como su salvador ha muerto. Juan de juni

Bernini Nació en Napoles en 1598 y murió en Roma en noviembre de 1680. Fue escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del barroco. Las obras de Bernini revelaron desde un principio su enorme talento. En su primera fase estilística, Bernini demuestra un interés y un respeto absoluto por la escultura helenística, en obras que imitaban a la perfección el estilo antiguo. Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó numerosas obras. Apolo y Dafne Constatina El éxtasis de Santa Teresa

Apolo y Dafne Realizada en mármol, tiene fecha de 1621, y mide unos 243 cm. Actualmente se establece en la Galería Baighose. Es una composición dinámica y desequilibrada, donde vemos como Dafne perseguida por Apolo se convierte en olvido para evitar su rapto. La sutileza a la hora de pulir los cuerpos, la delicadeza con la que trata los paños y el método usado para dar la sensación vaporosa al suelo, hace de esta esculturas, una obra prodigiosa. Los juegos de luces que se producen dentro de la escena están muy estudiados y los movimientos de los cuerpos representan fielmente el hecho que acontecemos. Bernini

Constantina Busto realizado por Bernini de la época del renacimiento. La suavidad de los cabellos y la finura de la cara, son características de la época en el que fue realizado. Una expresión de mirada al infinito hacen ver que la mujer posaba para Bernini, por lo que podemos deducir que pudiese ser un encargo de una familia. Posiblemente realizada en mármol, Bernini es capaz de realizar una auténtico retrato de la persona que tiene frente a sí. Bernini

El éxtasis de Santa Teresa Realizada en 1647, se sitúa en la iglesia de Santa María de la Victoria. Nos encontramos ante una de las obras sublimes del renacimiento. El éxtasis de Santa Teresa, es un compendio de artes, escultura y arquitectura. Donde Bernini supo reflejar cada sentimiento de las figuras. Está realizada en mármol blanco, y los rayos del sol en bronce. El tratado de los paños da un tremendo dramatismo a la escena, y la terminación de los cuerpos, que rompen toda regla establecida, contiene un dinamismo que nos desequilibra al mirarlas, que hace plantearnos otro punto de vista desde el que ver la escena. Los rostros reflejan el dolor que sufren en ese momento, y sus cuerpos se estremecen en ese mismo instante. Bernini

Alonso Cano Nació en Granada en 1601 y mure en esa misma localidad. Su padre, Miguel Cano Pacheco, era un prestigioso ensamblador de retablos de origen manchego. Junto a él y su madre villarrobletana, la profesora de dibujo María Almansa Pacheco, Alonso aprendió sus primeras nociones de dibujo arquitectónico y de imaginería, llegando a colaborar tempranamente en los encargos de su padre, pues muy pronto sus progenitores comenzaron a descubrir su enorme talento. Virgen de las Olivas Inmaculada Estátua femenina

Virgen de la Oliva Se encuentra en el retablo mayor de Lebrija. Observamos el empuje y postura del estilo clásico. La Virgen sostiene entre sus brazos al niño, que mira atónito al igual que la madre hacia un horizonte lejano. Las telas que cubren los cuerpos dejan ver la riqueza espiritual de la Virgen, y como nada de ello es comparable con la ternura con la que aguanta a su niño. La técnica usada por Alonso Cano para la realización de los pliegues es magnifica, fiel a al realidad y son uno de los elementos principales que destacan de la obra al completo. Alonso Cano

Inmaculada Realizada en 1656. La podemos contemplar en la sacristía de la catedral de Granada. Una representación de la Virgen Inmaculada que se nos presenta con las manos unidas rezando, y con la mirada dirigida al suelo. La vemos vestida con túnica verde y capa azul, los claros colores armónicos de vitalidad, esperanza y virginidad. Alonso Cano

Estatua femenina Vemos a una María madre de Dios o María Magdalena que sufre al tener en sus manos la cruz en la que crucificaron a su hijo. Es una de las obras más pasionales donde podemos ver a María llevando consigo la cruz donde su hijo fue crucificado y matado. Vemos como la mirada de María va dirigida a la cruz, y presenta la mano derecha en el pecho señalando el dolor que sufre y el dolor que deja en su corazón su partida definitiva. Va vestida con túnica de trapo, humilde, con el pelo suelto y descalza. Alonso Cano

Auguste Rodin nació en París en 1840, y muere en Meodon en 1917. Fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no solo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte el primer moderno. El beso La daide Toilette de Venus

El beso Realizada en 1886. Está compuesta en mármol. Tiene unas medidas de 1, 90 X 1, 20 X 1, 15 cm. La podemos encontrar en el museo Rodin de París. Una composición dinámica y desequilibrante, ya que los cuerpos de los amantes se retuercen para poder encontrar sus bocas. La calidad de la obra recae en su terminación de influencia claramente clásica y el detallado y preciso movimiento de las figuras. Se trata de una obra realizada para ser contemplada desde todos los puntos de vista. Rodin

La daide Con unas medidas de 2, 5 X 3, 5 X 2, 5 cm, se encuentra en el Museo Parastoril. Está fechada en 1885. Se trata de una escultura con dos figuras femeninas, una sobre otra. Los cuerpos tiene una terminación suave y delicada, dándole un punto de niñez y ternura. La gran textura que recoge el pedestal imitando a al piedra, hace más llamativo la suavidad e los cuerpos. Es una composición muy equilibrada y con un movimiento lento y pausado. Rodin

Toilette de Venus Escultura de Rodin, donde vemos a Venus bañándose. Tiene unas medidas de 5, 5 X 2, 5. Fue realizada en 1885 y está realizada en bronce. Vemos como Venus se lava los cabellos, para ellos tienen que estirarse y retorcerse, dándole a su cuerpo un gran movimiento y un desequilibrio natural. El juego de luces y sombras que crea el bronce, da a Venus un punto de idealización. Rodin

Henry Moore Nació en Castleford, Inglaterra, en 1898, y muere en Huch Hidhan, Inglaterra en 1986. Fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte píblico. Figura de mujer Arnless Escultura de mujer

Figura de mujer Escultura fechada en 1938, vemos como la concepción de figura y de cuerpo femenino a cambiado radicalmente a lo largo de la historia, donde antes se buscaba lo más puramente natural e icónico, ahora se halla la esencia de cada objeto, dejando que la mente cree esos cuerpos, los imagine y los diseñe a su antojo. En este caso, la mujer se nos presenta tumbada, con la pura textura de la madera en la que ha sido esculpida, y nos mira directamente mientras cruza la piernas. Henry Moore

Arnless Escultura realizada en bronce, compuesta por dos partes y fechada en 1975. Esta figura de mujer nos deja ver como yacente, nos mira y apoya su brazo izquierdo en el suelo para aguantar el equilibrio. Se deduce que esta tranquila y quieta, ya que en el acabado no se presencia tensión alguna, y sus curvas son delicadas y sutiles. Destaca el brillo que le da el pulido del bronce. Henry Moore

Escultura de mujer Escultura de exterior, de 1980, realizada en bronce. Volvemos a encontrar una figura femenina tumbada frente a nosotros y que gracias a ello, deducimos un cierto dinamismo dentro de la estaticidad de las formas y del gran equilibrio que existe en ella. La armonía de olores de la estatua y su pedestal, hacen concordar en cualquier rincón, ya que fueron diseñadas para el exterior y para que fueran observadas y contempladas por todos. Henry Moore

Alexander Archipenhio Nacido en Ucrania en 1887, muere en Nueva Cork en 1964. Fue un artista, escultor y artista gráfico ucraniano de vanguardia. Su nombre puede verse escrito, también, como Olexandr, Alexander, o Aleksandr, mientras que su apellido puede aparecer escrito como Archipenk. Estudió pintura en Kiev desde 1902 hasta 1905, en la Escuela de arte de la ciudad, y después continuó su educación artística como estudiante en S. Sviatoslavski en 1906. El mismo año expuso en Kiev junto a Alexander Bogomazov. Ese mismo año se trasladó a Moscú, donde pudo mostrar su obra en algunas exposiciones colectivas. Escultura femenina 1 Escultura femenina 2 Escultura femenina 3

Escultura femenina 1 Escultura femenina con un tremendo dinamismo pero muy bien equilibrada. Como vemos se encuentra con el brazo derecho levantado, mientras que el pelo le cae por el lado izquierdo de su cabeza. Se encuentra desnuda y la delicadeza de las cuervas nos llevan a pensar que no existe una tensión por parte del cuerpo. Fue realizada en bronce con el fin de que sea expuesta en la calle, y posibilitar su contemplación desde cualquier punto de vista y a cualquier hora del día. Alexander Archipenhio

Escultura femenina 2 Escultura femenina con un tremendo dinamismo pero muy bien equilibrada. Como vemos se encuentra con el brazo derecho levantado, mientras que el pelo le cae por el lado izquierdo de su cabeza. Se encuentra desnuda y la delicadeza de las cuervas no levan a pensar que no existe una tensión por parte del cuerpo. Fue realizada en bronce con el fin de que sea expuesta en la calle, y posibilitar su contemplación desde cualquier punto de vista y a cualquier hora del día. Alexander Archipenhio

Escultura femenina 3 Figura elegante y esbelta de una mujer. Una síntesis de lo que es el caminar pausado y con elegancia de una mujer que viste un traje de noche. El acabado brillante de la madera le propicia cierto prestigio, y las manos a la espalda nos anuncia su desfile de exhibición. Puede que nos encontremos ante una mujer que se encuentra en una cena de gala, o quizás una modelo que desfila para enseñar las ropas que porta. Alexander Archipenhio

Lista de fotógrafos Julia Margaret Cameron Lewis Caroll Dorothea Lange Cecil Beaton Bill Brandt Helmont Newton Diane Arbus Richard Avedon Steve Mc. Curry David Lachapelle

Juliat Margaret Cameron Nació el 11 de junio de 1815 y falleció el 26 de enero de 1879. Fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista. Su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotórafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf. Ellen Terry Julia Jackson I wait

Ellen Terry Fotografía de 1864, donde Julia Margaret Cameron retrata a Ellen Terry a la edad de 16 años. Se trata de una fotografía en analógico, con un virado a sepia, con formato redondo. Vemos una imagen estática, típica pose de moda, donde el personaje aparece apoyada en una pared y mira al suelo, con su mano derecha se cubre el pecho a modo de protección. Juliat Margaret Cameron

Julia Jackson Retrato de Juliat Margaret Cameron de 1867. Se trata de una composición muy estática, típico retrato familiar, donde la modelo mira al espectador, pudiéndose visualizar los rasgos de su cara. Es una fotografía realizada en analógico con un virado al sepia. Para este retrato se ha usado una iluminación lateral con un spoot direccionado al pelo para darle brillo. Se ve como la luz usada es dura puesto que las sombras de la cara se presentan bastante acusadas. Juliat Margaret Cameron

I wait Fotografía de los años 60, puramente de moda. Es una fotografía realizada en analógica en blanco y negro. Se nos presenta a una niña con alas de ángel y con los brazos cruzados. Se encuentra en una actitud paciente, de espera. Se compone de varias luces muy suaves que hacen desaparecer toda sombra en el rostro y un spoot cenital para darle brillo al pelo en la parte superior. Juliat Margaret Cameron

Lewis Caroll Charles Lutwidge Dodgson era el nombre verdadero del autor de las "Aventuras de Alicia en el País de las Maravillas", y de "A través del Espejo”. Nacido en Daresbury, Inglaterra, era el mayor de 11 hijos: cuatro varones y siete niñas. A los 18 años, ingresó en la Universidad de Oxford, en la que permaneció durante cerca de 50 años, y en la que obtuvo el grado de bachiller y se recibió de preceptor. Fue ordenado diácono de la Iglesia Anglicana y enseño Matemáticas a tres generaciones de jóvenes estudiantes de Oxford, y lo que es más importante, escribió dos de las más deliciosas narraciones que se han producido en el campo de la literatura. Alicce Liddell Niña pequeña Mujer en la playa

Alicce Liddell Fotografía de 1858 de Lewis Caroll. Retrato a Alicce Lidell, hija de una amigo suya, y musa para el autor para la creación de uno de los más prolíferos libros infantiles de la historia, Alicia en el país de las maravillas, y Alicia a través del espejo. Se trata de una fotografía realizada en analógica en blanco y negro. Está tomada en el exterior. Vemos como en su mano derecha sostiene algo que no vemos, un pajarillo posiblemente. Lewis Caroll

Niña Pequeña Fotografía en color. Se trata de un retrato en primer plano con una luz suave en la cara, y un contraluz en el pelo. Posiblemente está realizada en el exterior y la modelo fue colocada debidamente para conseguir los efectos deseados. Vemos como el retrato está compuesto mediante la regla de los tercios y destacan sus ojos como elementos principales, seguidos por la boca que también ocupa un lugar muy importante en la fotografía. Lewis Caroll

Mujer en la playa Fotografía de Lewis Caroll. Se nos presenta a una mujer en el borde de un acantilado, al más puro estilo de cuento de fantasía. Es una fotografía en analógica con un leve virado al sepia y con un contraste junto para poder ver tanto las olas rompientes del mar contra las rocas como a la modelo que nos mira invitándonos a ver el paisaje que tiene delante suya. Con una composición equilibrada y relajada, nos presenta a la modelo en la parte derecha mientras que el otro punto de interés queda en las olas del mar que chocan contra las rocas en la parte izquierda. Lewis Caroll

Dorothea Lange Nace en 1895 en Hoboken. 
Con siete años contrae la poliomielitis. Le afecta a la pierna derecha, hecho que le marcará para toda la vida Aunque se inició estudiando en la Clarence White School, de marcado carácter pictoralista y posteriormente abrió un estudio en San Francisco, su salida a la calle como reportera marcó definitivamente las que serían las señas de identidad de su trabajo. Su obra más conocida se desarrolla en los años 30, años de la depresión. Una profunda crisis asola el país y miles de campesinos no tuvieron más remedio que abandonar sus casas en busca de una tierra prometida. Retrato de mujer con niños Familia Niña tumbada

Retrato de mujer con niños Retrato de la madre de familia con sus hijos de 1936. Se trata de una fotografía en analógico en blanco y negro de una composición muy estática y equilibrada. Se puede clasificar dentro de las fotografías de carácter, o personales, ya que vemos como el rostro de la mujer nos expresa el sufrimiento de criar a dos niños ella sola, como el blanco y negro le da el toque de nostalgia y su mirada perdida, da un punto de tranquilidad y serenidad. Dorothea Lange

Familia Retrato familiar de 1936. Una madre con sus dos hijos nos muestras sus escasas pertenencias, como es posible vivir con poco y a pesar de eso ser felices. La fotografía está compuesta en el centro, bastante equilibrada y con un virado al sepia que le da aspecto de dignidad a pesar de la pobreza que se ve a sus alrededores. Dorothea Lange

Niña tumbada Niña retratada por Dorothe Lange en un campo. Es una fotografía de exterior, pudiéndose denominar de moda, en blanco y negro y realizada en analógico. La niña se encuentra tumbada boca arriba, mirando al cielo, y la cámara a sus pies crea un ángulo picado que nos incrementa la sensación de desequilibrio. Sus manos colocadas una detrás de su cabeza y la otra dejada caer a su lado, le da dignidad y felicidad a la fotografía. Dorothea Lange

Cecil Beaton Nació en Londres en 1904 y falleció en Salisbury en 1980 Fue un diseñador de vestuario y fotógrafo británico. Tuvo su primera cámara fotográfica a la edad de 11 años, haciendo sus propios retratos de sus hermanas. En los años 20 se convirtió en el fotógrafo oficial de las revistas Vanity Fair y Vogue. Es recordado por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial tomadas en Gran Bretaña y que fueron publicadas en 1942 al otro lado del Atlántico. Después de la guerra diseñó trajes y bastidores para películas como Gigi y My Fair Lady. Maryling Monroe Lili Marleen Laura

Maryling Monroe Retrato de Maryling Monroe de 1956. Es un retrato de carácter, donde vemos una Maryling cubierta con telas, con una flor entre sus manos. La clave alta usada para la realización de esta fotografía nos da la sensualidad que la fotografía busca con la pose. Está realizada en analógico y tiene un leve virado a sepia que junto con el revelado selectivo nos acentúa la sensación de antigravedad. Cecil Beaton

Lili Marleen Un retrato en clave baja de Lili Marleen. Está realizada en un estudio, y vemos como la mirada penetrante de Lili nos mueve a través de un mundo desconocido que incrementa con la cara de apatía que nos muestra. Se ha usado una luz lateral dura junto con una luz de relleno para el pelo. Las flores que sostiene en su mano nos hacen ver la gran calidad de sus fotografías y la intención de querer dar un poco de vida a un retrato sin movimiento. Cecil Beaton

Laura, fue retratada en 1979, en exterior y a la luz dura del día. Vemos como es definitivamente lo que podemos llamar una fotografía de moda, donde la pose y el atrezzo es lo más importante. El vestido blanco que lleva Laura queda perfectamente iluminado con la luz del sol y vemos como la modelo está dispuesta para que la luz se dirija donde debe de dirigirse, sin que nada en la fotografía quede oculto o demasiado iluminado. Es una composición equilibrada y poco dinámica, pudiendo disfrutar tranquilamente del vestido y de la luz que lo envuelve. Cecil Beaton

Bill Brandt Nació en Hamburgo en 1904 y falleció en Londres en 1983. Sus primeros trabajos son de fotoperiodismo, así en su primer libro " The English at Home" , hace un análisis de la estructura social de los británicos, mostrando las diferencias sociales, una contraposición de la vida trabajadora y otra acomodada. Al igual, en su segundo libro " A Nigth in London ", hace una aproximación a las situaciones sociales de Londres. Después de la guerra su estilo cambia, y comienza a fotografiar desnudos y retratos. En este nuevo camino, y en especial en los desnudos, es donde el fotógrafo consigue una mayor personalidad, vuelve a sus orígenes. Desnudo en el sofá Niña limpiadora Mujer deformada

Denudo en el sofá Fotografía de 1949. Fotografía en blanco y negro en un interior y con una iluminación plana, sin sombras y en clave alta. Las piernas de la modelo quedan estiradas por la deformación de la lente, era un juego que a Bill Brandt hacia con muchas de sus modelos. Como vemos está todo bien dispuesto, las líneas todas convergen al mismo punto y las piernas nos dirigen la vista hasta la cara de la modelo que se encuentra con los brazos cruzados tapando sus pechos. Bill Brandt

Niña limpiadora Una imagen tierna y ala vez protesta, donde vemos a una niña que se encuentra fregando el suelo de su casa. Está realizada en blanco y negro, con un alto contraste entre estos dos tonos. La luz que le llega a la modelo es la natural de la calle. Y se puede decir que la pose es totalmente natural. Es una composición equilibrada y con un dinamismo mínimo aunque no es totalmente estática ya que la niña se encontraba en ese momento realizando la acción y no se detuvo para ser fotografiada. Bill Brandt

Mujer deformada El autor dedico una parte de su carrera como fotógrafo a deformar las piernas de las modelos, haciéndolas más grandes, más gordas o deformarlas por completo. En este caso, tenemos una fotografía en blanco y negro en un interior, con unas luces equitativas que dejan el cuerpo casi libre de sombras. El ventanal de la derecha y la luz que entra por él, nos equilibra la escena, ya que el peso visual de la pierna aumentada es complicada de equilibrar, y una buena solución es hacerlo con luz. Bill Brandt

Helmon Newton Es uno de los grandes fotógrafos que nos ha dejado el Siglo XX. Artista sin igual; ha impregnado en cada una de sus fotografías un sello original y distinto que permite diferenciar su trabajo del de cualquier otro artista. Nace en Berlín en 1920, en el seno de una familia pudiente judía. Con la llegada de Hiztler al poder y la persecución contra los judíos tiene que salir del país y hace una primera parada en Singapur, donde trabaja como fotógrafo en un diario. Las inquietudes artísticas ya habían brotado en el joven Newton, quien hizo sus primeros pinitos en la fotografía con tan solo 12 años. Atenea Lemnia Artemis Atenea Phartenos

Atenea Lemnia Fotografía de moda, realizada en un estudio, sombras suaves y atendiendo al estereotipo de mujer que predominaba en los años en la que fue realizada. Es una fotografía en blanco y negro con un dinamismo otorgado a la modelo que se sitúa frente a las demás. Es una fotografía muy estática, las tres modelos del fondo la equilibran con su disposición dentro del encuadre, y la cuarta modelo y principal, nos guía con su movimiento pero a la vez nos divide la escena en dos. Helmon Newton

Artemis Fotografía de Helmon Newton, donde vemos dos modelos colocadas para a realización de una fotografía puramente de moda. Es una fotografía en blanco y negro, estática completamente y muy equilibrada. Las líneas horizontales del canapé se acentúan con las curvan de la mujer que se encuentra tumbada. Así mismo las líneas verticales se completan con la modelo que esta medio incorporada en la escena y que da altura a la fotografía. Los ventanales que se nos presentan de fondo dan una gran profundidad a la fotografía. Helmon Newton

Atenea Phartenos Fotografía de moda. Es una fotografía donde la modelo insinúa más de lo que deja ver. Los ojos de la modelo no nos miran a nosotros si no que mira al fotógrafo que intuimos que se trata del brazo que aparece en la parte derecha de la fotografía y que equilibra la escena en contraposición con el cuerpo de la modelo. Realizada en blanco y negro, da mucho más dramatismo a la escena, donde realmente no sabemos lo que sucede, ni las intenciones de esa mano que aparece. El alto contraste de la escena nos hace perder algunos detalles de la ropa que lleva la modelo pero nos hace ver algunos más interesantes de la modelo en sí. Helmon Newton

Diane Arbus Nacida en Nueva York en 1923 y muere en Greenwich en 1971. Fotógrafa estadounidense. Perteneciente a una familia adinerada desde pequeña recibió la más exquisita educación de la época. A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18 años. En los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue. Retrato de una pasión Muerte Venecia Gemelas

Retrato de una pasión Fotografía de cuerpo humano e los años 60. Se trata de una fotografía en analógico con un virado a sepia. Es una fotografía que la podemos clasificar en la categoría de moda. Es una mujer semidesnuda, con una pose “digna”, que sin pudor nos enseña su cuerpo. Es un retrato muy equilibrado por las reglas de los tercios y muy estático, ya que la mujer aparece posando para la cámara. Diane Arbus

Muerte Venecia Fotografía de Diana Arbus de los años 60. Nos presenta una retrato en primer plano de una anciana disfrazada con los típicos atuendos del carnaval veneciano. Es una fotografía en blanco y negro, con el personaje centrado y equilibrado. El contraste que se nos plantea es lo que más destaca del retrato, ya que con el podemos apreciar las arrugas del rostro que dan una sabiduría y una experiencia al personaje. Diane Arbus

Gemelas Retrato de plano americano de Diane Arbus de los años 60. Es una fotografía de dos gemelas en blanco y negro en las que vemos la similitud que existen entre ellas, así mismo, vestidas idénticas y con la misma pose, cabría pensar que es un espejo lo que se ha colocado para hacer la foto. El contraste existente y la iluminación dada es oportuna para la realización de estos retratos, ya que no queda ninguna parte de las niñas ni muy expuestas ni poco expuestas. Diane Arbus

Richard Avedon Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habrá de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos deben proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos. Fotografía de moda Maryling Monroe Fotografía de moda 2

Fotografía de moda. Vemos como el dinamismo reina en las fotografía de Richard Avedon, el equilibrio se reduce a lo mínimo, ya que el juego de luces y movimientos nos dirige la mirada de una figura a otra. Se trata de una fotografía en blanco y negro con un alto contraste entre la piel de las figuras y los trajes negros que portan. Richard Avedon

Maryling Monroe Volvemos a tener una fotografía en blanco y negro, creándose un interesante contraste entre el traje de la modelo y su piel. Es una fotografía bastante estática, muy centrada y con un carácter muy pasivo. El característico pelo ondulado de la protagonista, le da gran juego a Richard Avedon para crear un buen efecto de luces y sombras. Richard Avedon

Fotografía de moda 2 Una de sus fotografías más dinámicas y con movimiento, pero a pesar de ello, está realmente bien compuesta, dándole una vital importancia al movimiento del pelo. Es una fotografía en blanco y negro, con encuadre horizontal, realizada en estudio con flash en picado frontal y luz de relleno en contrapicado. El juego del pelo, nos direcciona la mirada desde los ojos de la modelo hacia el pelo, que nos vuelve a enviar hacia los ojos de ella, haciendo que la mirada recorra un circulo. Richard Avedon

Seteve Mc. Curry Nacido en Philadelphia en 1950, está considerado uno de los mejores fotógrafos del mundo. 
 En 1984 fue ganador del premio al mejor fotógrafo por la Asociación de Fotógrafos de Prensa. Colaborador habitual de National Geographic y de numerosas publicaciones fotográficas, el reconocimiento le llegó de la mano de la que fue su mejor fotografía. 
 Fue en 1984 cuando realizó la toma: el rostro de una muchacha afgana en el campamento de refugiados de Nasir Bagh en Peshawar. Los ojos de la chica dieron la vuelta al mundo en la que fue la portada más sonada de National Geographic. La niña de los ojos Niña roja La niña del cristal

La niña de los ojos Fotografía de 1984. Realizada en Nasir Bagh. Se trata de la más famosa fotografía de Steve Mc. Curry. Esta compuesta con verdadera profesionalidad y donde vemos el carácter periodístico que denominaba su fotografía. Es una fotografía centrada y estática así como con un contraste de colores llamativo, ya que el verde del fondo y el rojo del burka de la mujer son completamente opuestos. Seteve Mc. Curry

Niña roja Fotografía periodística, donde el contraste de colores es realmente llamativo. La figura se sitúa ala izquierda con un tono intenso, y a la izquierda equilibrando la escena un verde eclipsado por una figura oscura que se encuentra casi negra equilibrando la escena. Los ojos grandes y blancos de la niña son el elemento predominante de la escena, y nos dirigen a ese punto la mirada, y nos hace recorrer la imagen muy lentamente. Seteve Mc. Curry

La niña del cristal Fotografía de carácter periodístico. Volvemos a ver como el contraste del rojo del traje de la mujer y el azul del fondo son unos de los elementos característicos de la escena. Además de eso, cabe destacar el contraste de culturas, como unos van en coche mientras llueve y otros sin embargo se mojan sin poder evitarlo. Los ojos de la niña pequeña son un gran punto de interés en la fotografía, ya que mira casi con admiración e incredulidad el interior del coche. Seteve Mc. Curry

David Lachapelle Nació en Fairfield 1963. Es un fotógrafo y director estadounidense, cuyo trabajo se caracteriza por presentar imágenes surrealistas y grotescamente glamorosas. Su primer acercamiento a la fotografía fue cuando tenía 6 años de edad, durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara para retratar a su madre, Helga La. Chapelle, quien vestía un bikini y bebía champaña en un balcón. Desde ese momento, quedó obsesionado con la fotografía. Semidesnudo Mujer con casa destruida Mujer con bandera de EEUU

Semidesnudo Fotografía en color. Se nos presenta una fotografía de moda, donde la modelo esta completamente centrada en ella, el estatismo es brutal, llegando a parecer un maniquí que mira a la cámara. La modelo ha sido colocada en una espacio reducido, y las luces usadas dan muy homogeneidad de sombras a la figura. El contraste de colores, el tono tierra de la piel de la modelo, y los azules eléctricos del fondo, hacen que la figura se nos venga hacia delante y que sea fácilmente destacable. David Lachapelle

Mujer con casa destruida Es una fotografía de contraste, tanto en las figuras como en los colores. Primeramente destacar la clara disposición para la moda de la fotografía, ya que la modelo aparece claramente posando para el fotógrafo; y segundo, el contraste de colores entre los saturados rojos del traje de la modelo y los tierra apagados del fondo, así como el azul del fondo del cielo. Es una composición equilibrada, con la modelo situada a nuestra izquierda de la fotografía, compensada con el desorden y caos de la derecha. David Lachapelle

Mujer con bandera de EEUU Una fotografía en color, claramente clasificable en moda. La modelo se encuentra posando para la cámara, en actitud erótica. La vemos sentada en un asiento de metal brillante, con un fondo de la bandera de los Estados Unidos. Se crea un alto contraste en la iluminación que tiene la modelo casi sin sombras y la bandera del fondo que tiene colores algo desaturados. La mirada de la modelo, nos crea un recorrido por el cuerpo de ella y nos invita a mirarla hasta salir de la fotografía por su pierna. David Lachapelle