DEL NEOCLASICISMO AL EXPRESIONISMO PINTURA Francisco de Goya

DEL NEOCLASICISMO AL EXPRESIONISMO PINTURA Francisco de Goya y Lucientes Historia del Arte 2011 Inma Navarro

Los 82 años de la vida de Francisco de Goya y Lucientes (1746 -1828) abarcan un amplio y trascendente espacio de la vida española. No ha habido ningún pintor en la historia de España tan comprometido con su tiempo, que dejara una visión tan mordaz y tan profunda. Y es que le tocó vivir dos épocas muy distintas, que casi coinciden con sus etapas vitales: la del optimismo de la Ilustración y la del pesimismo de la guerra y el oscurantismo. ETAPAS EN LA VIDA Y LA OBRA DE GOYA: * FORMACIÓN Y ETAPA ZARAGOZANA. 1760 -1774. * ASCENSO SOCIAL EN MADRID. 1775 -1793. -LOS CARTONES PARA TAPICES. - LOS RETRATOS Y EL ACADEMICISMO. -LA PRIMERA CRISIS DE SU SORDERA. 1793. -* GOYA PRIMER PINTOR DEL REINO. 1793 -1808. - EL RETRATO OFICIAL. -GOYA RETRATISTA DE LA SOCIEDAD ESPAÑOLA. - - EL GOYA ILUSTRADO Y CRÍTICO. * GOYA ATORMENTADO. 1808 -1823. - LA GUERRA DE LA INDEPENDENCIA. - LAS PINTURAS NEGRAS. 1819 -23. -EL RETRATO OFICIAL PARA FERNANDO VII. -* GOYA EN EL EXILIO FRANCÉS. 1823 -1828

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. La confección de tapices para las dependencias de la realeza española había sido un empeño de los Borbones que se ajustaba al espíritu de la Ilustración, pues se trataba de una empresa que fomentaba la industria de calidad. A partir del reinado de Carlos III, las estampas se esforzarán por representar motivos españoles, en línea con el pintoresquismo vigente en los sainetes teatrales

La imagen muestra "El quitasol", cuyo autor fue Goya durante 1777, y por lo tanto perteneciente a la pintura pre-impresionista. Se trata de un tema popular, concretamente representa a un joven tapándole el sol a una maja. Es una pintura al óleo sobre lienzo. La luz es una característica muy importante ya que enfoca directamente al cuerpo de la maja, destacando así la sombra a la que da lugar el quitasol. Su composición gira entorno a un primer plano en el que se encuentran los dos adolescentes. Los árboles que se sitúan en la parte trasera y el tono claro del fondo dan sensación de perspectiva. Los personajes dejan ver un leve movimiento en su postura. Su rostro refleja una expresión relajada y placentera. Es un cuadro bastante realista ya que refleja un momento cotidiano de la vida del pueblo español. Predomina el color sobre el dibujo y destacan las tonalidades claras que contrastan con el oscuro del suelo.

Esta obra es uno de los más bellos cartones para tapices. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid. Goya se adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras revelan que fue un artista muy comprometido con su época. El Quitasol pertenece a la pintura española de estilo pre-impresionista, es un arte rico que expresa el ideal de vida cortesano lleno de lujo y sin preocupaciones. Claseshistoria Diagonal del rectángulo del cuadro determinan la perspectiva de la pared del fondo y la posición del parasol Composición simple, muy equilibrada (piramidal) Diversidad de tonalidades, brillos y reflejos. Ejemplo de matizaciones de paleta: rostro de mujer rosado tiene transparencias verdosas como reflejo del quitasol mientras que cara de joven está plenamente bañada de luz solar. (problemas con fábrica de tapices por dificultad de trasladar tantas graduaciones a hilos de tela) Trajes folklóricos de gran viveza cromática Escenas de la vida popular con personajes idealizados y galantes (majos y majas) Atmósferas luminosas y alegres Minuciosidad en los pequeños detalles Cartón para tapiz trasladado a óleo sobre tela Francisco de Goya y Lucientes Primera etapa El quitasol Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Características generales: diversidad cromática, atmósferas claras, temas populares tratados con elegancia, Mayor variedad Diversidad transparencias y brillos, etc. de colores (esta obra de actitudes pertenece a su última serie de tapices, realizada quince años después de los primeros) Figuras más pequeñas dotadas de gran dinamismo A pesar de su temática costumbrista, trasluce cierta carga de crítica social: nobles pasan ajenos a los vendedores de loza y sus clientes (pueblo) El cacharrero La gallina ciega Francisco de Goya y Lucientes Primera etapa Historia del Arte © 2011 Inma Navarro

Técnica de aguatinta: se granula la plancha esparciendo granos de resina o betún que por calentamiento se adhieren a la superficie metálica. A la vez se hace el dibujo y se protege con barniz las zonas quedarán en blanco. Cuando se mete en ácido, éste actúa en los huecos dejado entre los granos y en el rayado del dibujo que puede hacerse con una gran variedad de tonalidades grises, rompiendo el claroscuro continuo. Luz vibrante, que potencia contraste entre blancos intensos y oscuridad extrema (refuerza la tensión) Estampas satíricas. Crítica a la sociedad de su época. Censura los retiró Líneas más perfectas con gran carga expresiva Técnica de aguafuerte (plancha metálica cubierta de barniz, se dibuja (araña) con punta metálica y se mete en ácido nítrico que muerde sólo la zona sin barniz, dejando un dibujo. Se entinta y se hacen las copias) Francisco de Goya y Lucientes Segunda etapa Colección grabados “Los Caprichos” El sueño de la razón

EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS La imagen muestra "El sueño de la razón produce monstruos", cuyo autor fue Goya en 1797 y por lo tanto perteneciente a una serie de grabados llamados "Caprichos". representa a un personaje rodeado por criaturas nocturnas. Es un grabado en el que Goya utilizó la técnica del aguafuerte La luz es una característica muy importante ya que recae directamente sobre el cuerpo del personaje y deja oscurecidas algunas lechuzas y el fondo, lo cual da sensación de profundidad. La composición gira entorno a un primer plano en el que se encuentra el artista dormido sobre un pedestal, donde figuran esparcidas hojas de papel de dibujo y lapiceros con carboncillos; y un segundo plano en el quedan las criaturas nocturnas: un gato, murciélagos, búhos y lechuzas de agitado vuelo. . . Las alas abiertas de estas aves reflejan una sensación de movimiento. Es bastante realista, aunque de una manera idealizada, ya que simboliza la sociedad de la época. Esta obra fue pensada originalmente para la portada de los "Caprichos", pero finalmente lo sitúa en el inicio de las escenas de brujas. Actualmente pertenece a una colección particular de Zaragoza. Francisco de Goya fue un pintor aragonés que se adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras revelan que fue un artista muy comprometido con su época. El sueño de la razón produce monstruos es un grabado que pertenece a la serie de los Caprichos. Goya los pintó mientras era pintor de Corte de Carlos IV. Este es un momento en el que Goya aprecia lo que ocurre en España con Godoy y por ello manifiesta su descontento. Las criaturas nocturnas simbolizan las vulgaridades perjudiciales del mundo, la ignorancia y los vicios de la sociedad. Males que Goya intenta poner a la luz representándolos para que puedan ser reconocidos y combatidos. Estas obras fueron criticadas por la Iglesia, quien no veía bien el reproche que hacía a la sociedad.

Ochenta grabados con una fuerte carga sarcástica Francisco de Goya y Lucientes Segunda etapa Colección grabados “Los Caprichos”

Una barandilla alrededor de la base de la cúpula permite representación de diversidad de personajes en múltiples actitudes Traslada milagro a Siglo XVIII y en un paisaje campestre Escorzos audaces de abajo hacia arriba que valorizan la proyección en perspectiva Francisco de Goya y Lucientes Segunda etapa San Antonio de la Florida

Superposición de pinceladas de tonos complementarios para que la retina los fusionara (manchas blancas sobre dorados y colores del vestido para que en la lejanía parezcan destellos luminosos) Pinceladas más amplias e intensas Perspectiva creada colocando brazo fuera de barandilla Francisco de Goya y Lucientes Segunda etapa San Antonio de la Florida (detalle)

Otro extraño ejemplo de desnudo en pintura española (Inquisición lo prohibía) Efectos claroscuros, luz envolvente de Sensualidad: cuerpo sus rosadas carnes Perfección resaltan al contrastarse anatómica con el azul del diván y los blancos de las sábanas y almohadones Maja desnuda Dibujo más definido, pincelada lisa Canon acortado Pincelada más suelta, más variedad cromática, riqueza de detalles (corpiño) Maja vestida Francisco de Goya y Lucientes Segunda etapa Ropa masculina (disfraz) con detalles de lujo (zapatos y lazo rojo)

Futura esposa de Fernando VII (como no se sabía todavía quién iba a ser, se pintó con la cara vuelta) Destaca la figura de la reina Maria Luisa (referencia a su poder) con sus hijos pequeños Posturas vulgares de algunos miembros (hermanos y sobrinos de Carlos IV) Luz extrae personajes de la oscuridad del fondo Cuadro dentro del cuadro representa el tema de Lot y sus hijas (referencia a la falta de moralidad Proximidad de pared plana trasera da sensación de agobio, de falta de espacio, incluso carece de punto de fuga. Se obliga al espectador a concentrarse en los personajes Goya aparece en un segundo plano pintando (referencia “Meninas”) Personajes distribuidos como en un friso, pero sutilmente separados por grupos Príncipe de Asturias (futuro Fernando VII) y Carlos María Isidro Riqueza de tonalidades cálidas y profusión de adornos lujosos (bandas, condecoraciones) que contrastan con realismo descarnado de los retratos (estudio psicológico) que no ocultan lo feo Líneas de composición paralelas privan de movimiento Francisco de Goya y Lucientes Segunda etapa La familia de Carlos IV

Condesa (casada por imposición con Godoy, embarazada a los veinte años -tocado de espigas alude a la fertilidad-, abandonada por esposo) con expresión frágil (no mira al espectador, las manos nerviosas, sentada incómoda en la silla). Profundo estudio psicológico del personaje que presenta rostro melancólico. Fondo negro para resaltar sensación de desamparo y para concentrar atención en el personaje Vestido blanco de alta cintura presenta reflejos dorados-verdes que parecen reflejar la atmósfera lumínica que irradia el personaje Busca siempre en sus retratos alejarse de lo antinatural o artificioso Pincelada más libre Francisco de Goya y Lucientes Segunda etapa Condesa de Chinchón

Figura majestuosa realzada sus tonalidades cálidas por los juegos de luz Puño cerrado amenazador (alegoría de la guerra o la desgracia. También posible alusión a Napoleón) Contraste de líneas de fuerza: Gigante de espaldas hacia fondo y la población y animales despavoridos hacia los lados opuestos Sólo burro permanece quieto (símbolo de la ignorancia ante lo que se avecina) Paisaje desolado complementa caos y pánico Francisco de Goya y Lucientes Tercera etapa El Coloso

EL COLOSO La imagen muestra "El Coloso", cuyo autor fue Goya en 1810 y por lo tanto perteneciente a la pintura pre-expresionista. Se trata de un tema dramático que deja de ser descriptivo, concretamente muestra a un ser superior sobre las tierras españolas. Es una pintura al óleo sobre una tabla de pequeño formato. La luz es una característica muy importante ya que enfoca al desastre causado por este ser superior. Es una luz ciega que intuimos que proviene de la parte izquierda y que deja oscurecido el fondo y el cuerpo del personaje dando así mayor sensación de dramatismo y produciendo un juego de luces y sombras. La composición gira entorno a un primer plano en el que se sitúa el desastre causado por el personaje principal que se encuentra en un segundo plano pero a una gran escala. La diferencia de tamaños da sensación de perspectiva. Los caballos trotando reflejan un movimiento violento así como las nubes que envuelven a la figura central. Es una obra poco realista ya que no refleja un ambiente natural. Predomina el color sobre el dibujo y destacan las tonalidades oscuras que producen un contraste con las claras. El simbolismo de este cuadro ha sido objeto de discusión. Se ha querido ver en él la representación de Napoleón, de los efectos devastadores de sus conquistas, la imagen temible de la guerra. Se considera como un precedente de las pinturas negras. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid. Francisco de Goya fue un pintor aragonés que se adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras revelan que fue un artista muy comprometido con su época. El Coloso pertenece a la pintura pre-expresionista, que es un estilo propio de Goya que más tarde inició el camino artístico del expresionismo, que es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Con esta obra Goya quiere transmitir de forma simbólica como las tropas del Imperio Francés, al mando de Napoleón, invadieron España y colocaron como monarca a Jose I, hermano del general francés. Por lo tanto es una crítica hacia las tropas napoleónicas.

Pincelada muy suelta Formas curvas, zigzagueantes, diagonales que acentúan dinamismo Exacerbada violencia Contrastes cromáticos Escorzos pronunciados y violentos Francisco de Goya y Lucientes Tercera etapa La carga de los mamelucos

a) Tres fases: Grupo de detenidos dirigiéndose hacia muerte b) Grupo de presos ante el paredón c) Grupo de prisioneros ajusticiados Foco de luz de fanal ilumina violentamente zona de ajusticiados Cada grupo con un personaje destacado: a) Tapándose la cara horrorizado b) Abriendo los brazos y entregán dose (al igual que Cristo. Hasta tiene una mano herida) c) Repitiendo los brazos abiertos Línea de fuerza en fusiles dirigen hacia parte principal Pelotón de ejecución en diagonal cerrada Verdugos de espaldas (anonimato, despersonalización de la máquina de guerra) Colores cálidos dominan parte principal: blanco de camisa, amarillo del pantalón, ocre claro del suelo que contrastan con el rojo de la sangre Pies firmes en triángulo (estabilidad) Francisco de Goya y Lucientes Tercera etapa Fusilamientos de la Moncloa

Contraste actitudes firmes y uniformes de anónimos soldados con variados gestos y posturas (curvadas, hundidas) de desesperación, resignación o desafío de los ajusticiados que presentan caras individualizadas Paisaje urbanístico difuminado por oscuridad Presentación del tema de la guerra en su vertiente más sórdida Tercio superior dominado por negrura aumenta la sensación de terror Primer cuadro de historia en que protagonista es la masa no un aristócrata o un militar el pintor llevó a los lienzos algunos sucesos en los que estuvieron implicadas personas allegadas a él. Actualmente este cuadro se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid. Francisco de Goya fue un pintor aragonés que se adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras revelan que fue un artista muy comprometido con su época. Los fusilamientos del 3 de mayo pertenece a la pintura romántica, que se caracteriza por una aproximación muy imaginativa y subjetiva, intensidad emocional y por un carácter visionario u onírico. Con esta obra Goya quiere expresar su disconformidad ante las tropas francesas. Para ello pinta los episodios históricos de la Guerra de la Independencia que más trascendencia tuvieron.

La imagen muestra los "Fusilamientos del 3 de Mayo", cuyo autor fue Goya en 1814 y por lo tanto perteneciente a la pintura romántica. Se trata de un tema histórico, concretamente refleja un episodio de la Guerra de la Independencia. Es una pintura al óleo sobre un gran lienzo. La luz es una característica muy importante. Como la acción se desarrolla por la noche al aire libre, la luz proviene de un candil y enfoca directamente al reo. La composición gira entorno a un primer plano en el que se encuentran los soldados franceses fusilando, el reo y algunas personas a su alrededor; y un segundo plano en el quedan el paisaje del fondo que intuimos que se trata de la ciudad de Madrid. Es esto último precisamente lo que da sensación de perspectiva. Apreciamos un movimiento violento por la tensión de la situación. El rostro de la figura principal, el reo da una expresión de impotencia ante su muerte. Los gestos tanto de los franceses como del resto de la gente también son muy expresivos. Es un cuadro bastante realista ya que refleja de forma natural el ambiente del momento. Encontramos una pincelada de factura violenta, sin embargo destaca la riqueza del color. El autor utiliza la técnica del claroscuro por lo que encontramos un gran contraste entre las tonalidades claras y oscuras, y, frías y cálidas. Expresividad de rostros (destacan ojos y bocas Pincelada cada vez más amplia y libre Luz parece irradiar de camisa del ajusticiado Francisco de Goya y Lucientes Tercera etapa Fusilamientos de la Moncloa (detalle)

Aguafuertes y aguatintas con escenas de horror de la guerra Fuerte expresionismo Refleja por igual odio de invasores e invadidos Francisco de Goya y Lucientes Tercera etapa Colección grabados “Desastres de la Guerra”

Escenas costumbristas Gran nitidez en los grabados Fuerte grado de realismo Francisco de Goya y Lucientes Tercera etapa Grabados de Tauromaquia

Pintura mural. Al trasladarse a lienzo sufrió algunas modificaciones Representa enfrentamiento fratricida Reducción de paleta a negros, ocres, blancos, verdes oscuros Paleta muy oscura Paisaje desértico que acentúa dramatismo y sensación de soledad Personajes enterrados hasta rodillas (zona de transición muy difuminada) Francisco de Goya y Lucientes Cuarta etapa Pinturas negras Duelo a garrotazos

Expresionismo: Ojos desencajados, nariz y boca prominentes Simboliza paso del tiempo (y mensaje más profundo hombre destruye al hombre) Pinceladas discontinuas, Enérgicas, manchas saturadas, con grumos Gusto por lo desagradable y horripilante Dedos se incrustan en carnes Contraste cuerpo inerte y cuerpo en tensión de Saturno Francisco de Goya y Lucientes Cuarta etapa Pinturas negras Saturno devorando a sus hijos Figura emerge de una profunda oscuridad Estudio anatómico (persona adulta) del hijo. Fuerte contraste ocre claro del cuerpo y rojo de la sangre Cuerpo deformado

SATURNO DEVORANDO A SU HIJO La imagen muestra a "Saturno devorando a sus hijos", cuyo autor fue Goya durante su tercera etapa y por lo tanto perteneciente a la pintura de estilo pre-romántico. Se trata de un tema mitológico, concretamente muestra a Saturno devorando a su hijo. Es una pintura al óleo sobre un lienzo de pequeño formato. La luz es una característica muy importante ya que enfoca directamente a la cara de Saturno y al cuerpo de su hijo. Es una luz ciega que deja oscurecido el fondo dando así una sensación de tenebrismo. La composición gira entorno a un único plano en el que se sitúa Saturno devorando a la víctima. La sensación de profundidad viene marcada por el oscuro del fondo. Apreciamos un movimiento violento tanto en la postura que adopta Saturno, como en su boca. Su rostro refleja una expresión de drama y tenebrismo. No es una obra muy realista ya que es una situación inventada por Goya. Predomina el color sobre el dibujo y destacan las tonalidades oscuras que contrasta con la claridad del cuerpo de la víctima. Esta obra refleja como Saturno devora a su hijo tras saber que de no ser así este terminaría por destronarle. Se considera uno de los precedentes de las Pinturas Negras. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado en Madrid. Francisco de Goya fue un pintor aragonés que se adelantó a su tiempo iniciando nuevas tendencias artísticas. Sus obras revelan que fue un artista muy comprometido con su época. Saturno devorando a su hijo pertenece a la pintura preexpresionista, que es un estilo propio de Goya que más tarde inició el camino artístico del expresionismo, que es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Con esta obra Goya quiere transmitir de forma simbólica como las tropas del Imperio Francés, al mando de Napoleón, invadieron España y como el pueblo español fue reprendido por los franceses. Napoleón y su ejercito sería Saturno mientras que su hijo sería el pueblo español. Por lo tanto es una crítica hacia las tropas napoleónicas

Macho cabrío (diablo) de espaldas, con hábito de tonalidad muy oscura preside reunión de brujas Pintura mural (originalmente en “La quinta del sordo” trasladada a lienzo Rostros deformados, grotescos Francisco de Goya y Lucientes Cuarta etapa Pinturas negras El aquelarre Abandono de la imprimación rosada de fondo por una marrón obscura

Caballo representa fuerza bruta raptando a joven Canon más estilizado Precursor del surrealismo (temas oníricos, Irreales, sacados del subconsciente Publicados varias décadas después Combina sombreado suave con otras zonas intensas para reforzar el dramatismo de la escena Francisco de Goya y Lucientes Cuarta etapa Colección de Grabados “Los Disparates”

Retratos fidedignos Carga dramática Pincelada ancha Francisco de Goya y Lucientes Cuarta etapa Goya asistido por Arrieta

Regresa a la imprimación rosa (recuperación del optimismo) Sobre fondo de verdes dorados y ropas azules-verdosos y blancas destacan los tonos cálidos de la cara Figura levemente inclinada, predominio de curvas Gran pastosidad. Crea superficie rugosa Pinceladas pequeñas y libres Pinceladas yuxtapuestas (precedente impresionista) Francisco de Goya y Lucientes Final de su vida La lechera de Burdeos