RENACIMIENTO QUATTROCENTO PINTURA MASACCIO FRA ANGELICO BOTTICELLI LA

RENACIMIENTO QUATTROCENTO PINTURA MASACCIO FRA ANGELICO BOTTICELLI

LA PINTURA DEL QUATTROCENTO ITALIANO Se caracteriza por la representación real de la naturaleza, las dimensiones y la profundidad. Habitualmente se suele establecer una división de la pintura quattrocentista por escuelas principales, en función de la zona geográfica: Escuela de Florencia De la Escuela de Florencia serán principales representantes: Fra Angélico y Masaccio ("creador" de la perspectiva), Piero Della Francesca (maestro en el uso de la luz), Ghirlandaio, Paolo Ucello (para el que será importantísima la profundidad), Botticelli (maravillosas serán sus exquisitas y melancólicas composiciones de temas mitológicos). CARACTERISTICAS - La pintura se independiza de la arquitectura. - Los artistas empiezan a gozar de mayor libertad creativa (transición del artesano al artista) y su obra una consideración de carácter no sólo manual sino, también, intelectual (humanismo). - Las obras reflejan el amor por el hombre y la naturaleza, inspirándose en la antigüedad clásica (obras literarias, manifestaciones plásticas). El antropocentrismo se convierte en el eje de la nueva mirada que estos artistas aportan.

Técnicas y soportes: °- Pintura mural: se mantiene la tradición del fresco pero va perdiendo importancia, poco a poco, aunque se conserva para la decoración de muros y bóvedas. ° Pintura de Caballete: irá ganando importancia; sobre tabla y, en menos ocasiones, sobre tela; se emplean las técnicas del temple (primera mitad del siglo XV) y del óleo (a partir de la segunda mitad del siglo XV), como consecuencia de la influencia de la escuela flamenca.

Los Temas (variedad): Religiosos, Mitológicos , Retrato ° Religiosos: siguen siendo los más importantes pero dejan de ser exclusivos. Los temas religiosos tradicionales se interpretan con el nuevo espíritu renacentista, se humanizan o se proponen lecturas neoplatónicas, en consonancia con el resurgir de la filosofía platónica. - La Virgen con el Niño es uno de los más frecuentes, pero tratado con gran dulzura y delicadeza. - Surgen nuevos temas como La Sagrada Conversación que representa a la Virgen entronizada acompañada de Santos. - A veces se representan anacronismos en ambientes y vestidos, ya que los donantes aparecen vestidos a la manera del s. XV pero en escenas que, según la tradición, se desarrollan en Palestina o en el próximo oriente. ° Mitológicos (con un sentido alegórico, la mayoría de las veces) Son temas específicamente humanistas: los artistas se inspiran en descripciones literarias (la Metamorfosis, de Ovidio, por ejemplo) y en las obras escultóricas de la antigüedad clásica. Se quiere exaltar los valores que representan estos temas mitológicos (belleza, perfección, virtud, etc. ). Se da importancia al desnudo (no sólo como expresión de la belleza física, sino como expresión de la belleza espiritual; equilibrio, en definitiva, entre la dimensión humana y espiritual del ser humano. Se mantienen los anacronismos en la vestimenta igual que en los cuadros de tema religioso.

° Retratos. Alcanzan gran importancia por la influencia del humanismo e individualismo renacentista. Se representan los rasgos físicos y psicológicos del personaje aunque existe una cierta tendencia a la idealización. La figura se representa normalmente de perfil o de tres cuartos (ligeramente vuelta hacia el espectador); primero se representa sólo el busto pero más tarde será representado el cuerpo completo. Las figuras se colocan sobre distintos tipos de fondos: monocromos y neutros, celajes ambiguos, paisajes que no guardan relación con los personajes. Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni pintado por Domenico Ghirlandaio en 1490.

Rasgos de Estilo (más o menos comunes a la mayoría de los autores): Existe entre los artistas un deseo de verdad en la representación de la Naturaleza. * Se concede tanta importancia al tema como a la belleza de las formas y la armonía compositiva. * Se concede gran importancia al dibujo; predomina la línea sobre el color, por lo que los contornos suelen aparecer muy definidos. El dibujo refleja el carácter del pintor: sereno en Fra Angélico, nervioso en Botticelli, * Preocupación por la perspectiva: mediante ella pueden conseguir una mejor representación de la Naturaleza, así como la ilusión de la representación espacial (tridimensionalidad). Primero se utiliza una perspectiva central, de tipo lineal, con el punto de fuga excéntrico e incluso se intenta despertar la ilusión de espacios fingidos. A fines del siglo XV la perspectiva lineal es sustituida por la aérea. * Otro elemento básico es la luz y su influencia en la composición, en la perspectiva y en el color. Mediante la luz refuerzan el efecto de las líneas y los volúmenes (intentos ya realizados por Giotto); aunque se conoce el claroscuro (Piero della Francesca, por ejem. ), se prefieren las luces cenitales y uniformes, que aportan claridad a la composición.

* La figura humana es el centro de la representación: los estudios anatómicos, el intento de establecer un canon ideal de las medidas del cuerpo humano, la importancia del desnudo, el afán de dotar a las figuras de volumen y relieve, constituyen los ejes de la representación pictórica. * El paisaje va ganando importancia aunque lentamente. Se busca el naturalismo, pero el paisaje sigue apareciendo como un telón de fondo con una total desconexión entre él y las figuras. Sin embargo, se procura que exista una correcta proporción entre el tamaño de las figuras y el ambiente. El paisaje sirve para obtener los efectos de profundidad y para enmarcar las figuras. * Se utilizan composiciones complicadas con varias figuras principales e incluso varias escenas en el mismo cuadro, manteniendo el sentido narrativo de épocas anteriores. El tema principal siempre ocupa el centro rodeado de numerosos elementos secundarios. * Se mantiene una disposición simétrica de las diferentes figuras.

La perspectiva aérea o perspectiva atmosférica es el método con el cual se produce una sensación de profundidad en una pintura, al imitar el efecto de espacio que hace que los objetos se vean más pálidos, azules y nebulosos o menos distinguibles a distancia media y lejana. El término fue acuñado por Leonardo da Vinci, pero la técnica pudo haber sido empleada ya en las antiguas pinturas murales grecorromanas de Pompeya. Se descubrió que el polvo y la humedad en el ambiente causaban la dispersión de la luminosidad; siendo la luz de longitud de onda corta (azul) más diseminada y la luz de longitud de onda larga (roja) menos esparcida. La perspectiva lineal aparece vinculada al concepto de punto de fuga, concebido como aquel en el que convergen todas las líneas de profundidad. La perspectiva cónica es un sistema de representación gráfico basado en la proyección de un cuerpo tridimensional sobre un plano auxiliándose en rectas proyectantes que pasan por un punto. El resultado se aproxima a la visión obtenida si el ojo estuviera situado en dicho punto. Filippo Brunelleschi fue el primero que formula las leyes de la perspectiva cónica, mostrando en sus dibujos las construcciones en planta y alzado, indicando las líneas de fuga.

MASSACIO 1401 -1428 Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai, más conocido como Masaccio, es muy importante dentro del arte italiano de comienzos del s. XV , será él quien desarrolle (tomando de referente a Brunelleschi) la perspectiva, creando escenas donde creará la ilusión de un espacio real, "aéreo". Su obra tiene una gran personalidad y un fuerte sentido volumétrico y naturalista, prefiguran la evolución que culminarán pintores posteriores, sentando las bases de la pintura del renacimiento

CARACTERISTICAS DE SU OBRA - Prescinde totalmente del goticismo. - Carácter escultórico de las figuras: formas robustas, monumentales, llenas de dramatismo. Reencarna la monumentalidad de Giotto pero las figuras se funden mejor con el ambiente. - Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico. Difumina los contornos y crea efectos de luz y sombra para aumentar la sensación de profundidad. - Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra. obras: • Santísima Trinidad. Santa María Novella. Florencia. • Tributo de la moneda. Frescos de la capilla Brancaci, iglesia del Carmine, Florencia. • Expulsión del paraíso. Iglesia del Carmine. Florencia.

Principales obras de Masaccio: • En el cuerpo superior, hay escenas pertenecientes al Génesis, la Expulsión de Adán y Eva del Paraíso, El bautismo de los neófitos, El Tributo y las arquitecturas en las cuales se enmarca la escena de la Resurrección de Tabita En el inferior, estan los episodios de San Pedro cura a los enfermos con su sombra , La distribución de los bienes y la muerte de Ananías, junto con parte de La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra. Esta obra es especialmente importante porque en ella desaparece cualquier rasgo del gótico , siendo un ejemplo de las características de la pintura del Renacimiento: -La composición es extremadamente compleja, tanto en las escenas individuales como al conjunto global de la decoración -La composicion está estructurada en función de un punto de vista principal: el del observador.

• Frescos que decoran la capilla Brancacci en la iglesia del Carmine de Florencia es la obra más importante de Masaccio, quien trabajará en su ejecución a lo largo de varios periodos. • Los frescos cuentan la vida de San Pedro,

Masaccio: La Trinidad Fresco. Hacia 1427. 667 x 317 cm. Santa María Novella, Florencia Brunelleschi fué el "descubridor" de la perspectiva. Y formuló las leyes matemáticas por las que los objetos disminuyen de tamaño a medida que retroceden hacia el fondo. Fue Brunelleschi quien proporcionó a los artistas los medios matemáticos de resolver este problema. La Trinidad de Masaccio es una de las primeras pinturas hechas de acuerdo con estos principios matemáticos de las leyes de la perspectiva.

Espiritu Santo en forma de paloma ICONOGRAFIA La obra representa la TRINIDAD (Dios Padre, Jesús en la cruz y el Espíritu Santo con forma de paloma blanca) con la Virgen y san Juan bajo la cruz, y los donantes -un mercader y su esposa- arrodillados, fuera de la escena. El gesto sencillo de la Virgen señalando al Hijo en la cruz es muy elocuente e impresionante porque es el único movimiento en el conjunto solemne de la pintura. Sus figuras, efectivamente, parecen estatuas, lo que se realza mediante la perspectiva del marco que las encuadra. Parece que las podamos tocar, y esta sensación es la que hace de ellas y de su mensaje algo nuevo para nosotros.

Las Figuras presentan rasgos realistas, con escasa movilidad para que refuerce el sentido divino de la imágen. Los vestidos, sin demasiado interés por las texturas, tienen trazos y formas geométricas. La escena esta planteada como un escenario teatral, donde se representa la acción. Nos podemos imaginar la sorpresa de los florentinos al ver esta pintura mural, como si fuese un agujero en la pared a través del que se pudiera ver una nueva capilla en el moderno estilo de Brunelleschi. Pero quizás les impresionó más la simplicidad y la magnitud de las figuras. En lugar de la delicadeza del gótico internacional, vemos pesadas y macizas figuras; en lugar de curvas suaves, sólidas formas angulares; y, en lugar de pequeños detalles como flores y piedras preciosas, arquitectura majestuosamente austera. .

COMPOSICION Como es típico también en el Renacimiento se recurre a las formas geométricas (cuadrado, rectángulo, círculo) para organizar todo el espacio. Se trata de utilizar la geometría como una forma de crear armonía, pues todas las medidas del cuadro se realizan en función de operaciones numéricas – Perspectiva. Se trata de uno de las cosas más intereses de la obra. Para conseguir este espacio fingido el pintor ha utilizado especialmente la arquitectura, colocando a los personajes en distintos escalones que entran en el espacio. Además, todo el fondo está tratado por medio de una arquitectura clásica que, además de tener carácter iconográfico (Arco del Triunfo como Triunfo de Cristo sobre la muerte), permite realizar una serie de líneas de fuga por medio de sus casetones que coinciden en el punto de fuga y también eje de la composición: La Trinidad.

Los Recursos pictóricos: Iluminación y perspectiva relacionan el mundo pictórico con el real, al situar a los donantes en un escalón inferior, delante de la capilla, Masaccio pretende indicar que se encuentran en nuestro lado de la pared de la iglesia, justamente dentro del espacio y la luz de la nave. La arquitectura está iluminada desde la izquierda, que es de donde viene la luz predominante en el conjunto general de la nave. En términos pictóricos, el único hueco posible que podía permitir el paso de la luz en la capilla de la Trinidad es el arco a través del cual vemos el fresco, lo que podía crear la impresión de que la iluminación del interior debería simular su procedencia del exterior (. . . ): lo que resultaba nuevo en este caso concreto es el concepto de luz pictórica entendido como extensión de la luz en la iglesia, las figuras están iluminadas no por la fuente de luz del interior de santa María Novella, sino por una fuente sobrenatural, la que emana del halo de Cristo al interceptar los rayos dorados que brotan de la cabeza del Espíritu Santo. Además, la sombra al lado de san Juan sirve para destacar el rosa de su manto y si la cara de María se iluminase frontalmente perdería su fuerza dramática. En este cuadro se finge abrir una capilla real, donde tiene lugar ante el fiel el misterio de la Santísima Trinidad.

TEMA: La escena une en el mismo espacio lo más sagrado (Trinidad compuesta por Dios Padre, Hijo crucificado y Paloma del Espíritu Santo), los intercesores entre Dios y los hombres (María y San Juan a los lados de Cristo) y los simples mortales (representados como donantes o personas arrodilladas que rezan ante la divinidad, normalmente forma de representar a aquellos que pagaban el cuadro). Técnica y soporte. La obra se encuentra realizada en una pared utilizando la técnica del fresco (pigmentos coloreados mezclados con huevo como aglutinante) Composición es típicamente renacentista. Las figuras se inscriben en un triángulo equilátero que crea una movilidad pero sin generar angustia o tensiones, subrayando el eje central en el que se encuentra la Trinidad.

Línea y color. Predomina la línea sobre el color, aunque ésta sea apenas perceptible. El dibujo es sintético (con pocos detalles y una cierta tendencia a la geometría, especialmente en los paños). En cuanto al color está contrapesado para no perder armonía. Fíjate en los rojos y azules que se van alternando en el cuadro (El azul es un frío y pesa menos que el rojo, un cálido; su organización equilibrada se hace para evitar que una parte del cuadro sea más importante que la otra) Luz es utilizada de forma representativa por el autor, creando con ella claroscuros que refuercen el carácter volumétrico (tridimensional) de las figuras.

Masaccio va a conocer y aplicar las reglas de la perspectiva científica, distribuyendo las escenas de un mismo episodio (que pueden ser varias a la vez) en función de un punto de fuga, dotándolas de esta manera de una unidad e interrelación narrativa que poco tenía que ver con obras anteriores. Además, el tratamiento de la luz en las diversas escenas es maestro, logrando con el manejo del mismo una corporeidad en las figuras (ya de por sí monumentales, debido a la influencia de Donatello) y una ambientación "física" plenamente realistas.

FRA ANGELICO 1387 -1455) - Profunda religiosidad: huye de lo trágico. - Rasgos curvilíneos, finos contornos, actitudes serenas (influencias sienesas) - Colores vivos, de gran riqueza cromático. - Goticista: abundante uso del dorado; figuras alargadas y curvilíneas; colorido preciosista. - Renacentista: volumen y espacio obras: • Anunciación. Museo del Prado. • Frescos del Convento de San Marcos. Florencia. • Frescos de la capilla de Nicolás V. Vaticano.

SIMBOLOGIA Parece que ante la llegada del ángel María ha dejado de leer el libro que ahora mantiene sobre la pierna. Tanto ella como la figura del ángel, son dos personajes rubios, de blanca piel y de manos finas y alargadas. La Virgen lleva una túnica de color rosado y un manto azul. El ángel está vestido con un traje de color rosa con franjas de oro. utiliza colores muy vivos que le dan un toque alegre y a la vez sencillo LA ANUNCIACION

El tema principal de la obra se centra en dos figuras, la del Arcángel San Gabriel y María. El cuadro representa el anuncio de la maternidad de María como madre del salvador en un primer plano y en un 2º plano la expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal. La escena se desarrolla en un bello pórtico que desarrolla con sus bóvedas y arcos la perspectiva y el espacio mediante el punto de fuga que determina la arquitectura y la tridimensionalidad de los cuerpos. En el lado izquierdo, Adán y Eva son expulsados del paraíso. Ya están vestidos y el ángel los echa de un maravilloso jardín lleno de detalles botánicos; flores y frutos. El cuadro está lleno de detalles, en los vestidos en el paisaje. Fra-angélico, fraile dominico, toca temas casi exclusivamente religiosos y conserva todavía características de la pintura gotica internacional, detallista y colorista, junto con aspectos ya claramente renacentistas: PERSPECTIVA , TRIDIMENSIONALIDAD, ESPACIO. La elegancia decorativa y un estilo realista refuerzan las expresiones de devoción muy logradas en los personajes.

La perspectiva lineal En la Anunciación de Fra Angelico, pintada al fresco en el pasillo del convento de San Marco en Florencia, la perspectiva lineal está construída con una precisión geométrica hasta en los mínimos detalles arquitectónicos. El espacio así creado da a los personajes una "presencia" pacífica y armoniosa pero éstos quedan en un espacio cerrado. El punto de fuga, ubicado en la pequeña ventana, llama irresistiblemente la atención del espectador que debe "entrar" en el cuadro para impregnarse de la belleza del acontecimiento.

En el ángulo izquierdo de la pintura se ven las manos de Dios y de ellas sale un rayo de luz dorada que viene recto hacia la derecha, en el que vuela la paloma del Espíritu Santo. El jardín que hay delante del pórtico está lleno de flores y hay algunos árboles entre los cuales puede verse a dos personajes: Adán y Eva, en este caso vestidos. Representa en conjunto la escena, el principio y el final del pecado, los primeros padres y la salvación del hijo de María. En la parte inferior del cuadro hay un banco o predela en la que se narran escenas de la vida de la Virgen. La predela se compone de cinco paneles donde se representan cronológicamente los episodios: Nacimiento y Desposorios, Visitación, Adoración de los Magos, Presentación en el Templo y Tránsito.

SANDRO BOTTICELLI 1445 -1510

La ciudad de Florencia es la capital del arte renacentista del Quattocento, gracias al desarrollo económico y al apoyo de numerosos mecenas, sobre todo la familia de los Médicis. Uno de los más interesantes pintores de este periodo es Botticelli (1445 -1510), pintor florentino que además de lo habitual en los pintores de su época, trató con singular maestría la sensualidad femenina encuadrada en temas mitológicos de la antigüedad clásica. Son muy destacables sus trazos elegantes y la fuerza expresiva de sus líneas. Botticelli realizó muchas obras, las más conocidas y apreciadas son el nacimiento de Venus y la Alegoría de la primavera , son obras muy celebradas como logros estéticos y mitológicos.

Obra: La primavera. Autor: Sandro Botticelli. Cronología: Segunda mitad del S. XV. Quatrocento (1477 -1482). Estilo artístico: Renacimiento. Género artístico: Pintura (temple) sobre tabla. Otras obras: El nacimiento de venus, Palas dominando al centauro, El hombre del medallón. . .

ANÁLISIS Esta es una pintura al temple sobre tabla Galleria degli Uffizi, Florence. 203 x 314 cm Pintura - Témpera sobre madera 1492 c. . Visitada 19316 veces. Personajes que aparecen Apolo, Venus, Afrodita, gracias, Flora, Céfiro, Cloris, ninfas Descripción Apolo aparece en la esquina extrema izquierda. En el centro está Venus, a la izquierda de Venus están las tres Gracias, y a su derecha la diosa Flora. En el lado derecho de la pintura está el dios Céfiro del viento persiguiéndo a la ninfa Cloris. La respiración del Céfiro ocasiona que la ninfa brote flores de su boca. © Galleria degli Uffizi, Florence. 203 x 314 cm Pintura - Témpera sobre madera 1492 c. .

CUPIDO

CÉFIRO Y LA NINFA CLORIS

FLORA

LAS TRES GRACIAS: voluptas, pulcritud castidad.

VENUS MERCURIO el mensajero de los Dioses

La Ninfa CLORIS

CEFIRO Hijo del Dios del Viento y la ninfa Cloris, su aliento se convierte en flores simboliza la primavera.

CARACTERISTICAS GENERALES: Esta obra está situada en la pintura del Quattrocento (S. XV) concretamente en la segunda mitad. La pintura de esta época de caracteriza: Por su total independencia, ya que no es utilizada para adornar la arquitectura Por la aparición de nuevos temas, como son las alegorías , los temas mitológicos, las pinturas totalmente paisajísticas y los estudios de la anatomía e incluso los desnudos integrales. Da mucha importancia al dibujo la composición y la armonía. Usa diversas técnicas. pintura mural y sobre lienzo (tela) y uso del temple (clara de huevo) hasta finales de siglo que llega el óleo (aceite de linasa). El quattrocento se subdivide en dos momentos; 1) La primera mitad del siglo caracterizado por el estudio del volumen, la perspectiva y la monumentalidad. 2) La segunda mitad del siglo, que es una pintura más delicada, narrativa, movida y con detalles cotidianos

En el quattrocento se pueden diferenciar tres tendencias: 1) Continuación del gótico lineal (gran uso de la línea, el dibujo, perspectiva y dibujo alegre con autores como Fra Angelico). 2)Experimentación normativa (gran avance del volumen y el espacio que se puede ver en autores como Masaccio y Piedro della Francesca). 3) Gusto por lo complicado y rico (donde abundan los detalles cotidianos y la dinámica y la narrativa en sus obras. Aquí encontramos autores como Botticelli) de donde procede el autor de esta obra; Botticelli, que se formó en un taller de orfebrería, convirtiéndose en el pintor favorito de los Medicis, hace un arte menos revolucionario y más dulzón, aunque será una de las personalidades más influyentes y famosas de su época. Botticelli representa el espíritu neoplatónico con formas delicadas, suaves, bellas y sensibles. Suele hacer grandes cuadros mitológicos, que son alegorías de carácter didáctico-moral sobre la educación de los jóvenes. Su pintura es elegante y decorativa, al gusto refinado de la Florencia de finales de siglo XV. El color no le sirve para modelar y sus figuras son planas, pero sus pinturas rezuman clasicismo y por ello trabajó para los Medicis en una atmósfera refinada, clásica, humanista y elitista. Sus dos mejores obras mitológicas las hace para los Medicis, La primavera, y El nacimiento de Venus, que simbolizan el amor y la belleza.

Esta obra a la primera etapa, en la que trabajó con los Medici y es una alegoría del reino del amor, divulgada por la filosofía neoplatónica COMPOSICION En el centro de la imagen, sirviendo además de eje compositivo nos encontraríamos con Venus, destacada porque en torno a su cabeza, se dibuja una especie de aureola con la vegetación. Aparece representada con los atributos de una mujer casada, simbolizar la fuerza creadora del orden natural. Sobre ella se encuentra Cupido, que lanza una de sus flechas hacia una de las ninfas que acompañan a Venus. A la derecha del espectador aparece Céfiro, uno de los vientos, que persigue a la ninfa Cloris que, en el momento en que éste la toca empieza a expulsar flores por la boca para transformarse en Flora, diosa de la vegetación y de las flores, que nos mira sonriente a la vez que parece ir esparciendo las flores que conforman su vestido. A la izquierda (del espectador) se representan las Tres Gracias, las servidoras de Venus, muy apreciadas por los neoplatónicos, que les van a atribuir las mismas virtudes que a la diosa. Aparecen realizando una especie de danza, vestidas con telas semitransparentes, correspondiéndose la que está más a la izquierda del cuadro con “Voluptas”, la derecha con “Pulchritudo” y la que está de espaldas, hacia la que apunta la flecha de Cupido, con “Castitas”, que precisamente se vuelve hacia el dios Mercurio, pintado a la izquierda de la composición. Mercurio, mensajero de los dioses, sería también el nexo de unión entre la tierra y el cielo.

Mediante este complejo relato se trataría de crear uno de los círculos neoplatónicos del Amor. Éste surge en la tierra mediante la pasión (representada por la actitud de Céfiro) y regresa al cielo como contemplación (la de “Castitas” hacia Mercurio y la de éste hacia el cielo). Esto para un neoplatónico es lo mismo que decir que el amor carnal no es el verdadero (así desaparece al tocarlo, igual que Cloris), sino que debe convertirse para que sea real, en un amor contemplativo, espiritual e idealizado (platónico). La rememoración de este tipo de mundo se hace mediante la ausencia de perspectiva, para construir un escenario que no sea real. El protagonismo, como es característico del pintor le corresponde a la línea que marca un suave ritmo ondulante, haciendo parecer a las figuras como bailarines de un mundo ajeno al real. La composición se estructura a base de triángulos, contribuyendo a dotar aún más al cuadro de sensación de serenidad. La luz es homogénea, no crea sombras ni aparece claramente identificada y con respecto al color, predominan los tonos suaves, destacando los complementarios, como el rojo y el verde.

EL NACIMIENTO DE VENUS

venus

FLORA

TEMA: Mitologico Representa a VENUSla Diosa del amor y la Belleza llegando a la costa sobre una concha tras haber nacido de la espuma del mar Cefiro , el viento del Oeste y la ninfa de las flores, Cloris su esposa vuelan enzarzados impulsando con su soplo de viento a Venus. En la Orilla la espera la Primavera con un manto bordaado de flores para arroparla. SIMBOLISMO el cuadro esta lleno de simbolos que aluden al amor idealizado del platonismo , La concha sobre la que va la Diosa simboliza la Fertilidad Las rosas simbolizan la alegría del amor pero también las amarguras con sus espinas. La guirnalda que se ciñe sobre la primavera simboliza el amor eterno.

COMPOSICION La composición es triangular y simétrica , la figura central es la Diosa muy seren y la tensión y el movimiento lo dan los dos conjuntos de la derecha y la izaquierda , Cefiro y Cloris completamente enlazados y flotando y la primavera envuelta en amplios y vaporosos ropajes movidos por el viento TECNICA Boticelli no utiliza la perspectiva , el paisaje es convencional e idílico Prima la línea y el dibujo , las figuras están dibujadas con una línea negra nítida que delimita el contorno Utiliza colores suaves y las figuras femeninas tiene una gran palidez que contrasta con la piel oscura de Cefiro Las figuras están idealizadas , son esbeltas y delicadas LA SENSACION DE IRREALIDAD se acentua con la esquematización del fondo y la minuciosidad en los detalles

LA DAMA DEL MEDALLON

FIN DE LA PRESENTACIÓN ESPERO QUE OS GUSTE INMA