Pintura flamenca Barroca La pintura en el aristocrtico

Pintura flamenca Barroca La pintura en el aristocrático y católico Flandes del siglo XVII es, por una parte, resultado de la evolución de un centro artístico ya importante en los siglos anteriores. Allí se mantiene el componente humanista de la concepción pictórica, centrada en la idea de la creación personal del artista al servicio de un mecenas. Pero, por otra parte, su desarrollo depende de la estrecha vinculación con el mundo italiano, del que se nutre estilísticamente, sobre todo en su vertiente más espectacular y exuberante, así como del español, sobre el que influye Entre sus características más importantes podemos destacar: - Dinamismo y vitalidad. - Composiciones abiertas y predominio de las líneas diagonales y curvas. - Rico colorido de influencia veneciana. - Pincelada suelta y rápida. - Sensualidad y voluptuosidad. - Predominio del desnudo femenino y de las formas gruesas femeninas. - Gran variedad de temas: religioso, mitológico, retratos, paisajes. Peter Paul Rubens

TRÍPTICO Erección de la Cruz 1610 I - Pintura Religiosa Erection of the Cross 1610

I - Pintura Religiosa Erección de la Cruz 1610. DETALLE Museo: Pintado para el altar mayor de la Iglesia de Santa Walpurgis (1610) y actualmente en la Catedral de Nuestra Señora de Amberes, Características: 462 x 300 cm. Retablo. Material: Oleo sobre tabla COMPOSICIÓN: UNITARIA. Desde el punto de vista iconográfico relegó el tema de los santos locales y sus milagros a la parte exterior de las alas y a la predela, reservando todo el interior para la Pasión de Cristo, según las directrices de Trento. Y desde el punto de vista formal consideró el tríptico abierto como una sola superficie pictórica en la que la composición se desarrollaba ininterrumpidamente, a pesar de los cortes de los marcos de las puertas y cuya unidad se prolongaba, a través de la mirada de Cristo dirigida hacia lo alto, al grupo del Padre y los ángeles que remataban el retablo. Los focos de atención se centran en la diagonal del cuerpo de Cristo, la expresión de su rostro en tensión, inspirado en el Laocoonte y los espectaculares sayones de poderosa anatomía escorzada con posturas de violencia, tensión y dramatismo contenido por el esfuerzo.

Descendimiento 1612 -14 I - Pintura Religiosa

S. Cristóbal, Patrono de la Cofradía de Arcabuceros, con el Niño a cuestas: Según la leyenda lo ayudó a cruzar un río. La figura del santo aparece en escorzo, en acción, músculos tensos, tamaño enorme y espléndida anatomía miguelangelesca. El vuelo del paño rojo resaltando en la oscuridad Aumenta el dinamismo del conjunto; la posición de las piernas dispone el aspa de la composición. Paisaje tormentoso de fondo oscuro en el que se integran las formas, contrastes de luz y sombra con manchas de color que contribuyen a la perspectiva. Exageración y teatralidad en los gestos y posturas. I - Pintura Religiosa Descendimiento Cerrado 1612 -14 (San Cristóbal y Ermitaño) La composición presenta un personaje surgiendo de la sombra, de fondo indefinido (luna) que resalta por la luz del farol: Contrastes de luz y sombra de influencia italiana. Caravaggio-que desarrollan el tema de la espiritualidad de forma poco corriente en el pintor, a la que contribuye la sobriedad del colorido. Persisten las líneas compositivas en” aspa”.

I - Pintura Religiosa Detalle El Descendimiento de la Cruz está construido alrededor de la figura diagonal de Cristo, arropada con la blanca tela de lino; disposición para la maniobra de hacer descender cuidadosamente el cuerpo. Expresa la simpatía que sentía Rubens por las enseñanzas jesuíticas. La emoción está implícita tanto en la pintura como en el tema. El cuerpo de Cristo formando una marcada y lívida diagonal cuando desciende de la cruz en brazos de los apóstoles es el foco de la escena. La pálida y vulnerable forma está llena de patetismo y también de dignidad. La a Curv ata” reacción de las figuras que le rodean es fuerte: Les afecta la muerte de Cristo. El ntin e p r e tratamiento de la luz es totalmente “S barroco; y lo más importante de todo en el terreno artístico es la utilización que hace Rubens de la pintura para intensificar la profundidad de los sentimientos. Técnica: La pintura se extiende por todo el lienzo, perfilando con más la figura de Cristo, con pinceladas descendentes. Este rico y suelto manejo de la pintura, llamada empasto, es característico de cierto tipo de pintura barroca. La emoción está implícita tanto en la pintura como en el tema.

Adoración de los Magos 1624 I - Pintura Religiosa. Óleo sobre lienzo de 218 por 280 centímetros The Adoration of the Magi 1624 . El cuadro de la Adoración de Rubens refleja una fuerte atracción por lo oriental y el exotismo, plasmada con una policromía impreganada por colores fuertes y cálidos, como el rojo y el reflejo dorado de las armaduras y armas. . Composición: se puede apreciar la presencia de soldados y personajes secundarios (en este caso porteadores), frente a la ausencia de paisajes, que evita reflejando la hoja de la puerta del establo cerrada. La luz parte de la figura central: el niño Jesús, iluminando especialmente a la Virgen María. Esta luz llega más atenuada a los tres Magos y deja oscurecidos a los personajes secundarios, incluido San José. El tratamiento de la luz, tan importante en Rubens no deja duda de cómo pretendió focalizar la mirada del espectador; los rasgos están más y mejor definidos en los personajes principales-se ha querido reconocer en la Virgen María el retrato de la primera esposa de Rubens- pasando finalmente a meros esbozos.

Venus del espejo 1615 II - Pintura Mitológica Estilo: Barroco Centroeuropeo Fecha: 1613 -14 Museo: Sammlungen des Fürsten von Liechtenstein Características: 124 x 98 cm. Material: Oleo sobre tabla Composición: La diosa de la belleza aparece de espaldas, contemplando su atractivo rostro en el espejo que pone ante sí el amorcillo, mientras una esclava negra peina sus dorados cabellos. La postura de la diosa corresponde a los característicos escorzos tan admirados por el pintor flamenco, mostrando también el canon de belleza característico y proyectando sobre Venus un potente foco de luz dorada desde la izquierda que crea contraste con el fondo; . resalta el cuidado detallismo que presta a las joyas de la diosa.

Rapto de las Hijas de Leucipo 1618 II - Pintura Mitológica 1616 Óleo sobre tabla Barroco 222 cm x 209 cm Alta Pinacoteca de Munich, El tema representado es el rapto por parte de Cástor y Pólux de las hijas de Leucipo ya que habían sido comprometidas con otros hombres y ellos no lo soportaban. Así, se pinta el momento justo del secuestro, lleno de dinamismo y dramatismo contenido. El niño es Cupido, que ayudó a los Dioscuros a raptar a las jóvenes. La leyenda dice que luego Cástor y Pólux fueron buenos maridos, algo que Rubens refleja con Cupido sujetando las bridas del caballo. Antecedentes: Rubens tomó como referencia para su pintura diversas obras. Así, el propio conjunto está inspirado en el rapto de las Sabinas de Giambologna y los Dioscuros estaban inspirados en una escultura de la misma temática del Quirinale. También, las jóvenes se inspiran en una obra de Miguel Ángel desaparecida, Leda y el Cisne, y en la figura de la Noche de la tumba de Giuliano de Medicis de Miguel Ángel.

• COLOR: Sorprende la búsqueda de un bloque unitario que sugiere el efecto de un monumento, con las formas y los volúmenes de los espléndidos cuerpos femeninos, de tonos transparentes, y de los guerreros, con tonos pardos de piel y los oscuros metálicos de las armaduras, resaltando sobre los marrones y los grises de los mantos de los caballos. II - Pintura Mitológica Detalle. «Rapto de las hijas de Leucipo» , pintura de Rubens, h. 1598 • COMPOSICIÓN: El movimiento de los caballos marca dos diagonales, ayudado por los cuerpos en escorzo de las mujeres. El cuadro desborda dramatismo contenido ya que no hay patetismo, sino caras de concentración.

II - Pintura Mitológica Óleo sobre tabla 221 cm × 181 cm. El Prado Las Tres Gracias 1639 TEMA: Como en otros cuadros de tema mitológico, Rubens lo plantea de modo muy distinto al de los artistas que le precedieron. En efecto, esta obra es la antítesis de la obra anterior Las Gracias de Rafael Sanzio caracterizada por un sentimiento general de castidad. Las Gracias de Rafael pueden citarse como tipo de belleza ideal mientras las de Rubens pueden serlo de la belleza más sensual. Aglaya, Talía y Eufrosine no fueron para Rubens más que una excusa para pintar las exuberantes formas de sus habituales modelos. La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras. Centran la escena formando un grupo compacto y simétrico que se intercomunica con las miradas. Las tres mujeres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y sus grandes curvas. La posición danzante de los pies da ritmo y rompe la sensación de estatismo. El trío está enmarcado en un paisaje bucólico irreal en primer plano y otro de fondo: Un árbol a la izquierda y una cornucopia dorada a la derecha, de la que brota agua, con una guirnalda de flores por encima tratada con gran detallismo. Pequeños animales conformen la escena. . Contiene un colorido cálido, brillante y luminoso.

Las Tres Gracias -DET. The Three Graces 1639

III - Retratos • Los cuatro personajes están dispuestos en arco a dos lados de la mesa The Four Philosophersc. 1602 • Uno de los lados está ocupado por libros y el otro queda libre, como una invitación al observador a participar en la lección. • El florero de cristal con tulipanes alude a la muerte. • El busto de Séneca y los libros aluden al filósofo homenajeado • La figura principal está realzada, elemento clásico, que junto a la pesada cortina roja delimita la ventana, que muestra un paisaje romano del Palatino Los Cuatro Filósofos 1602 (Justus Lipsius y sus alumnos)

III - Retratos • Retrato de la futura cuñada del pintor, que resplandece con una refinada intensidad cromática. The Straw Hatc. 1625 • Sobre el fondo azul, amarillo y violeta del cielo, la tez de la joven adquiere una transparencia perlácea que realza el esplendor de los grandes ojos, el negro del sombrero y del corpiño, del blanco de la camisa y el rojo encendido de las mangas. Susana Fourment 1625

III - Retratos • Una composición sencilla que, pese al usos de elementos tradicionales, presenta aspectos originales como el contraste entre el niño desnudo con el sombrero de plumas en la cabeza y el elegante tocado de la mujer Elena Foirment y su Hijo 1635

Final