PINTURA BARROCA Inma Navarro Claseshistoria Forma cerrada Basada

PINTURA BARROCA Inma. Navarro

Claseshistoria Forma cerrada: Basada en líneas verticales y horizontales (composición estática) establecen los límites del cuadro. Elementos equilibrados. Simetría Multiplicidad: Luz uniforme y difuminada crea figuras aisladas, de modelado escultural. La obra es la suma de todos los elementos independientes Visión en superficie: Elementos del cuadro distribuidos en planos paralelos al plano del cuadro Lineal: figuras y objetos contornos definidos Predominio del dibujo Comparación (Wölfflin) Renacimiento – Barroco (Perugino: Entrega de las llaves) Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Forma abierta: predominio de las diagonales (composición dinámica) con líneas de fuerza que se prolongan más allá de los límites del cuadro Unidad: La incidencia de la luz que potencia o margina hace fusionarse los colores y las formas, dándole aspecto de pertenecer a un conjunto indisoluble. . Visión en profundidad: predominio de la diagonal recesiva. Los elementos de la pintura van en diagonal desde el primer plano hasta el fondo. No se trata ya de distribuirlos en planos paralelos Pictórico: color predomina sobre el dibujo, uniendo las pinceladas unas figuras con otras apoyadas en el tratamiento de la luz Comparación (Wölfflin) Renacimiento – Barroco (Rubens: Erección de la cruz ) Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

LA PINTURA BARROCA: CARACTERISTICAS: Las nuevas ideas surgidas tras el Concilio de Trento obligaban a una renovación iconográfica. La renovación formal respecto al manierismo se produjo en dos elementos fundamentales de la pintura barroca: El realismo y la Luz. _El color domina sobre el dibujo _Se pintan las cosas tal y como se ven en la realidad con manchas de luz y color , perdiéndose el detallismo pequeño. _Se desarrolla al máximo el claro-oscuro y las perspectivas aéreas, se pierden los contornos lineales y se generalizan los contornos imprecisos y difuminados. _Serán la luz y el color los elementos que hagan destacar los elementos fundamentales de un cuadro objetos o figuras, se impone la visión pictórica. Crucifixión de San Pedro (Crocifissione di San Pietro)Caravaggio, 1601

La perspectiva deja de organizarse en planos y se sustituye por la visión profunda organizándose los objetos en anteriores y posteriores, primeros y últimos términos. _A las líneas verticales y horizontales de Cinquecento le suceden las diagonales, los escorzos, las figuras cortadas etc. _El desnudo desaparece de las representaciones religiosas, persistiendo únicamente en las escenas mitológicas o alegóricas. _Se simplifican las escenas suprimiendo escenas y personajes secundarios. _Se desarrollan nuevos temas como la Inmaculada Concepción y los referentes al sacramento de la Eucaristia. _Se desarrollan muchísimo los temas referentes a martirios de santos y visiones místicas. RONDA DE NOCHE Caravagio En Italia, la línea naturalista, opuesta al intelectualismo manierista, está representada por Caravaggio, que insiste en la realidad temática a partir de la utilización de modelos callejeros en la personificación de las imágenes religiosas y en la utilización de la técnica tenebrista de gran influencia posterior. El tenebrismo presenta los personajes y los objetos sobre un fondo oscuro, destacándolos mediante una iluminación focal y violenta que hace destacar sus rasgos y gestos más significativos; ignora el paisaje, pero valora enormemente la naturaleza muerta.

CARAVAGGIO. Hijo de un arquitecto huyó de casa a los 14 años yendo a Milan donde trabaja difícilmente para convertirse en pintor, a los 16 estaba en Roma donde se formó. Tuvo un carácter fuerte y violento que le generó problemas con la justicia. Murió en 1610 a los 37 años. _La pintura de Caravaggio rompe con todos lazos manieristas _Sus obras tienen un novedoso tratamiento de la luz el color y la composición , representa la esencia del barroco donde el conjunto representa la unidad subordinando al todo los elementos. _En sus obras juveniles se ve la influencia veneciana en la intensidad del color y la luz, gran colorido y realismo, asi como una tendencia simplificadora en las composiciones _Toma como fuente de inspiración el mundo que le rodea y traslada al lienzo lo vulgar, las escenas de tipos populares, con un realismo que no tiene nada del idealismo manierista. _La luz sale de un foco e ilumina la escena con colores muy vivos. _Las figuras adquieren importancia en función de la luz, sobre un fodo oscuro neutro. _Es la antítesis del manierismo. _ El realismo y los efectos lumínicos alcanzan su máxima expresión en La Muerte de la Virgen hoy en el Museo del Louvre. una de sus mejores obras , que no agradó a sus contemporáneos por haber utilizado como modelo a una mujer muerta ahogada en el Tiber.

LA MUERTE DE LA VIRGEN – CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi) 15731606 oleo sobre lienzo Caravaggio lego a los pintores posteriores el uso de la Tecnica del clarooscuro, que da un gran dramatismo a las escenas, además de el realismo completamente alejado de cualquier idealización. Los temas religiosos los desacralizó para presentarlos como dramas humanos. TEMA: El cuadro representa el momento en que la Virgen acaba de morir, Magdalena llora junto a ella en un primer plano y los apostoles inclinan sus cabezas ante ella en señal de dolor y respeto. El cuadro fue encargado por los monjes de la Iglesia de Santa Maria della Scala, que lo rechazaron por considerar que la virgen no había sido tratada dignamente al tomar a una mujer ahogada en el Tiber como modelo. Caravaggio , trato el tema religioso sin convencionalismos, resaltando el drama humano, representando la escena con el máximo realismo, todos los personajes son vulgares , seres humanos , despeinados, sucios y llenos de dolor. COMPOSICION: El cuadro tiene una composición diagonal estructurada a partir del rayo de luz que ilumina el cuerpo de la virgen desde el angulo superior de la izquierda, iluminando en su recorrido las cabezas de los Apóstoles hasta llegar al cuerpo de la Virgen, el vestido rojo y un cortinaje a modo de telon de un teatro dominan la escenay le dan un gran sentido dramático. ELEMENTOS PLASTICOS: Caravggio utiliza el TENEBRISMO , juega con el claroscuro , el contraste de luces y sombras. La luz , que simboliza la gracia divina, ilumina lo esencial en la escena dejando el resto en penumbra. La luz y el color unidos crean un dramatismo único en la escena, acentuado por el naturalismo en la captación de la realidad. Caravaggio tuvo una clara influencia en grandes pintores como Ribera, Velazquez y Rembrand.

PINTURA BARROCA ESCUELA FLAMENCA- RUBENS (1577 -1640) REMBRANDT PEDRO PABLO RUBENS, es el principal pintor de la escuela Flamenca y el que mejor representa los ideales de la pintura barroca. _Nació en Siegen a orillas del Rhin donde su familia vivia en el destierro, a los 10 años se trasladó a Amberes, donde inició su preparación como pintor con Adam Van Noort, que todavía pintaba al estilo flamenco cuando la moda italiana ya se había generalizado. _A los 23 años viajó a Italia, donde estuvo 8 años al servicio del Duque de Mantua, a los 31 años vuelve a Amberes y se casa con Isabel Brandt, enviuda en 1626 y vuelve a casarse en 1630 a los 53 años con una jovencita de 16 Elena Fourment. Murió a los 63 años. _Su obra comprende cerca de 3000 cuadros. _Es el pintor colorista por excelencia , creo una escuela donde se formaron los pintores mas destacados de la siguiente generación de pintores Flamencos. _En sus encargos repite siempre como modelo femenino a su esposa Isabel Brandt y luego a su nueva esposa Elena Fourment, tanto para las representaciones religiosas, como paganas.

TEMAS: Trata tanto temas religiosos, como la Adoración de los Magos o el Descendimiento, como temas paganos y mitológicos donde se siente más libre, tanto en el tratamiento del color como en las formas femeninas, uno de los mas conocidos es el de Las Tres Gracias en el Museo de Prado. Como paisajista es el creador del paisaje flamenco en cuadros como cazadores a la puesta de sol o el paisaje con vacas. Fue un gran retratista , retrató a casi todos los personajes de su época, siempre gran fisonomista pero sin penetrar en la sicología y personalidad de los retratados

LAS TRES GRACIAS Pedro Pablo Rubens (1577 -1640) Oleo sobre tabla. Museo del Prado Para poder satisfacer los encargos de su enorme clientela creó un taller donde trabajaron importantes artistas, Rubens elaboraba los bocetos los pintores del taller lo ejecutaban pero siempre era el el que realizaba las figuras principales y finalizaba las obras. TEMA: Es un tema mitológico griego, Las tres Gracias eran las Hijas de Zeus las Diosas de la alegría, el encanto y la belleza, solian acompañar a las divinidades del amor Afrodita y Eros, presidian banquetes , danzas y temas placenteros Al principio se representaban como doncellas vestidas que se abrazaban y se daban las manos, pero con el tiempo fueron apareciendo desnudas y con atributos musicales y florales. La Gracia de la derecha es la 1ª mujer del pintor Isabel Brandt y la de la izquierda la segunda Elena Fourment, Rubens nunca se desprendió de este cuadro cargado de sensualidad. Rafael de Sancio- las tres Gracias Rafael Las tres Gracias

COMPOSICION: Rubens mantiene la composición triangular típica del renacimiento que Rafael de Sancio del italiano utilizó en su versión de este tema, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. También ha cambiado el canon de belleza, empleando el típico de sus pinturas, con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas y elegantes. El conjunto da sensación de movimiento invitando al espectador a integrarse en la escena. Las flores de la guirnalda superior y el fondo de paisaje acentúan la belleza del conjunto. El fuerte foco de luz que utiliza el maestro resalta el colorido perlado de las muchachas. Colores primarios combinados Delicadeza en los gestos Lineas sinuosas y sensuales Fondo paisaje idílico

Retrato de su segunda mujer Elena Fourment Claseshistoria Guirnaldas de flores (calidades matéricas) Retrato de su primera mujer Isabel Brandt Cupido con cornucopia Peinados del Siglo XVII Blanco de piel conseguido mediante fusión de los tres colores primarios Árbol que se Tuerce y quiebra. Contraste cromático y de color con gasa en la rama Transparencias de gasas Mujeres de exuberantes carnes según gusto de la época Forman un círculo Paisaje idílico (origen literario) Actitudes delicadas. Parecen iniciar una danza (las tres retrasan un pie) Ritmo curvo 1º artista que hace obras gran formato para su propio deleite Pedro Pablo Rubens Las tres Gracias Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Retratos muy fidedignos Claseshistoria Composición en diagonal Palmeras forman Arco de triunfo. Luz modela las figuras y crea atmósfera coloreada Preferencia por colores cálidos Caballo en profundo escorzo. (no se había usado antes para hacer un retrato, sólo para composiciones históricas o religiosas. De primera época. Todavía el caballo va al paso (después será típico en corveta, lo que dotará a las obras de mayor dinamismo) Punto de vista muy bajo Pedro Pablo Rubens Retrato ecuestre del Duque de Lerma Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Abundancia de artificios alegóricos y mitológicos para enmascarar con el estilo solemne y ampuloso las tirantes relaciones entre María de Médicis y su hijo Luis XIII Huida de María de Médicis llegando a Marsella Pedro Pablo Rubens Reconciliación del rey Luis y María de Médicis Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Atmósfera gris y azulada Teatralidad y dramatismo Composición movida a base de diagonales, círculos, curvas y contraposto Contraste carnes nacaradas y blandas de mujeres y tostadas y musculosas de hombres Paisajes ondulados con diagonales Pedro Pablo Rubens El rapto de las hijas de Leucipo Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

ESCUELA BARROCA HOLANDESA –REMBRAND CARACTERISTICAS: _Hasta el siglo XVII no hay diferencia entre el arte holandés y flamenco, cuando se independizaron de los Habsburgo las provincias unidas tras las guerras de religión, en estos territorios protestantes, desaparecen casi por completo los temas religiosos , y por la austeridad y severidad de las costumbres casi también los mitológicos. _Los artistas holandeses se dedicaron a retratar a sus contemporáneos y a su propio país, desarrollándose el retrato , el paisaje y las naturalezas muertas. _Los retratos individuales o de corporaciones, milicias, médicos, siempre en acción. _Los interiorismos, intimistas que reflejan la vida cotidiana holandesa. _Los temas domésticos, como la lección de música, la madre cuidando a los niños etc. _Los grandes paisajes con cielos claros o los canales.

La figura mas destacada del barroco holandés es REMBRANDT 1631 -1669 Su primera obra maestra es la leccion de anatomia. Su obra tiene dos etapas que se relacionan con su vida, en 1634 caso con Saskia , que le sirve de modelo en varias obras y es feliz hasta su muerte en 1642, que empieza su ruina y termina en el embargo, volvió a casar con su antigua sirvienta , en su vejez realizo sus obras más personales. _Con Rembrandt los efectos de luces y sombras alcanzan su máximo desarrollo. _Su arte es paralelo a su vida, a su etapa de juventud responden los retratos mas luminosos, su autorretrato, el retrato de familia etc. _A este periodo corresponde una de sus obras mas famosas LA LECCION DE ANATOMIA en el museo de la Haya, y la RONDA DE NOCHE. _Desde la muerte de su esposa su arte no gusta, Rembrand acentua el claroscuro y los efectos lumínicos consiguiendo composiciones dramáticas y profundamente realistas , a diferencia de Caravaggio, crea formas nítidas y genera atmósfera.

Claseshistoria Calidades matéricas Dominio de la luz: Contornos diluidos Atmósfera dorada Claroscuros matizados (los fondos solían tener una primera capa de marrón) Estudio psicológico de los personajes Rembrandt El hombre con yelmo de oro Características generales Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Oleo sobre lienzo- Rembrand. Barroco Holandes TEMA: LA LECCION DE ANATOMIA DEL DOCTOR TULP es la pintura sobre medicina mas famosa del mundo, su importancia está en el tema tratado donde lo importante es la acción. Las corporaciones encargaban estos cuadros en los que debían aparecer retratados sus miembros para ponerlos en sus sedes, normalmente se les situaba según su rango. Se basa en un hecho real el profesor TULP del gremio de cirujanos dio una lección publica de anatomia con un ahorcado, fue un acontecimiento ya que el ayuntamiento sólo concedia un cuerpo humano una vez al año y los cirujanos debian aprender a partir de dibujos. COMPOSICION: Rembrand optó por una composición PIRAMIDAL el cuerpo en el centro que debiera ser el centro de atención pero realmente no lo es. Los tres personajes centrales forman un triángulo y observan las manos del doctor, los otros miran al espectador o al rostro del doctor y este mira algo indefinido. Uno de los personajes de segundo plano sostiene un folio con los nombres de los asistentes La escena está enmarcada en un fondo arquitectónico en el que hay un cartel con el nombre del artista y el año de ejecución de la obra 1632. La LUZ , procede de arriba , ilumina la palidez cadavérica del cuerpo que contrasta con la calidez de los rostros de los asistentes. El negro de los ropajes, contrasta con los cuellos blancos de las ropas, creando un contraste lumínico.

Claseshistoria Fondo arquitectónico con suave Sombreado. Se ve cartel con Organización fecha y nombre del artista piramidal Folio con nombre De siete asistentes. Diversidad de actitudes. Nadie mira al cadáver: Foco de luz también realza rostros con golillas Foco principal ilumina cadáver. Centro pinzas con el rojo de tendonses Gusto de holandeses por retratos colectivos de burgueses. Originalidad: Se organizan de acuerdo a criterios teatrales Profunda diagonal desde Libro en primer plano hasta Personaje más al fondo Rembrandt Lección de anatomía del doctor Tulp Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Aparente caos muy organizado Dos ejes diagonales (bandera hasta bastón Personaje principal y lanza) dirigen hacia en eje vertical central parte central Luz diagonal izquierda Claseshistoria Alternancia espacios Iluminados y sombras (oscuridad de obra debida a un barniz) Dos ejes medios del rectángulo determinan parte central (más iluminada) Movimiento parte desde Atrás(construcción arquitectónica) hacia el canal Originalmente treinta miembros de Compañía. Como sólo pagaron diec sólo algunos son reconocibles. Brazo de capitán prolonga espacio hacia nosotros Rembrandt La guardia cívica mandada por el capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willen van Raytenburch “Ronda de noche” Movimiento escénico tumultuoso (ruido de tambor y perro Ladrando) Recortes por los cuatro lados Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Potenciación Contrastes Luz emana de Actitud De las sombras intensos propias figuras arrogante Abatimiento, cansancio Decrepitud sin paliativos Rembrandt autorretratos Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

LA PINTURA BARROCA EN ESPAÑA EL SIGLO DE ORO DE LA PINTURA VELAZQUEZ- MURILLO-ZURBARAN-RIBERA DEL MANIERISMO AL NATURALISMO El primer tercio del XVII esta representado por pintores influidos por el estilo manierista como Sanchez Coello y Francisco Ribalta , iniciador de la escuela barroca valenciana. La Escuela Toledana seguidora del Greco , Juan Sanchez Cotán , inicia composiciones con naturalezas muertas. En Sevilla , en el taller de Pacheco, se formara Velazquez. El el segundo cuarto del siglo XVII Surgen las grandes figuras: Velazquez, Zurbaran, Ribera y Alonso Cano, nucleo de la pintura española del siglo de oro VELAZQUEZ Diego es el mejor pintor barroco de España y uno de los primeros pintores europeos, Nacido en Sevilla en 1599 A los 10 años entro de aprendiz en el taller de Francisco de Herrera y a los 12 años entra en el taller de Francisco Pacheco. A los 18 años obtiene la licencia para pintar y casa con la hija de Pacheco. A los 23 años viaja a Madrid intentando entrar en la Corte y lo consigue a los 24. La visita a España de Rubens fue fundamental en su formación, a los 30 años hace su primer viaje a Italia, visita Venecia Roma y Nápoles regresando en 1631 Alos 50 años , vuelve a Italia con el encargo de comprar cuadros para Felipe IV, a su vuelta a España es nombrado aposentador de Palacio, pinta entonces sus obras mas famosas. Murió en 1660 a los 61 años-

En su obra se distinguen tres etapas: La primera etapa es el periodo anterior a su primer viaje a Italia. Es la etapa juvenil en la que pintó bodegones y cuadros de género como la vieja friendo huevos , el aguador de sevilla, la adoracion de los reyes, en esta etapa ya se observa una de las características de su pintura , la copia fiel del natural y el realismo, está influido por la corriente de moda , el tenebrismo y resalta las figuras sobre fondos oscuros , sin llegar al tenebrismo de Ribera. A raíz de la visita de Rubens a Madrid realiza su primer cuadro mitológico, el triunfo de Baco conocido como “ Los borrachos” en el que se observa la característica concepción ironica y burlesca de Velazquez de los temas mitológicos.

L a segunda etapa, entre sus dos viajes a Italia De su pimer viaje a Italia se trajo su cuadro mitológico “La Fragua de Vulcano” en la que se observa la influencia italiana. A la segunda etapa correspóndela serie de retratos de personajes de la Corte, los retratos equestres de Felipe IV, del Conde Duque y del príncipe Baltasar Carlos, los retratos de caza de Felipe IV y de D. Fernando de Austria, los retratos de bufones (El niño de Vallecas y el bobo de Coria) y la rendición de Breda, considerado uno de los mejores cuadros de la historia. (Todos ellos en el Prado) La tercera etapa, tras el regreso de su último viaje a Italia tras 1650 , en esta etapa se consagra como uno de los mejores pintores de todos los tiempos. En Italia pintó el retrato del Papa Inocencio X. La venus del espejo, uno de los pocos desnudos de la pintura española , esta en la National Gallery de Londres, pero sus dos obras cumbre de este periodo son Las Hilanderas y Las Meninas en los que Velazquez , resuelve con absoluta maestria la perspectiva aérea. Velazquez es el pintor que consiguió plasmar la atmósfera existente entre los cuerpos, por su tratamiento de la luz y el color se convirtió en el genio de la PERSPECTIVA AÉREA , puso los colores al servicio de la profundidad. El estilo de Velazquez también fue la clave de su éxito, las pinceladas sueltas, rápidas sugieren las formas sin definirlas y dan impresión de realidad inmediata, su técnica entusiasmó a los pintores impresionistas del XIX. Las Meninas inspiraron a Goya “la Familia de Carlos IV”.

Claseshistoria Tenebrismo: contrastes luz-sombra muy marcados. Joven sale de sombras del fondo Composición en diagonal naturalismo Conexión de personajes: mano con botella (vertical) yy mano con cuchara Calidades matéricas Naturaleza muerta con personajes Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Periodo juvenil Vieja friendo huevos Actiutdes reposadas Contornos todavía precisos, de dibujo firme. Predominio de tonos cá Naranjas, amarillos, ocr Multiplicidad de objetos Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Composición basada Gusto por el Detalle: arrugas en las verticales y pliegues Reflejo tres edades del hombre: Anciano ( de perfil) Adulto ( de frente) Joven ( oblicuo) Nexo de unión: Las manos con la copa. Simbología: transmisión de la sabiduría Diego Rodríguez da Silva y Velázquez El aguador de Sevilla Características generales de primeras obras: contornos tenebrismo acusado, natur calidades matéricas, tonal cálidas, actitudes reposada Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Luz genera Claseshistoria Espacio fantasioso: Apolo inundado de luz sobrenatural Colores anaranjados Espacio real: Vulcano y ayudantes tratados con naturalismo (colores ocres) Características barrocas: Teatralidad, captación del instante, etc. Calidades matéricas: Metal incandescente Bruñido de armadura Composición en veritcal. Cada personaje escalonado para incrementar sensación de profundidad espacial Diego Rodríguez da Silva y Velázquez La fragua de Vulcano Multiplicidad de objetos Predominio de co cálidos Personajes agrupa en una elipse Estudio anatómico de desnudos Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Punto de Direcciones Vista muy bajo. Proporciones Opuestas: Retrato crines-fajín adaptadas ( iba psicológico encima de puerta) Contraste masa Marrón del caballo y ropajes tonos cálidos con fondo Colores plateados Azules y blancos Sierra de Guadarrama Perspectiva aérea (escena batalla) Verde arboleda Caballo en corveta Predominio curvas: patas, grupas, cola Conde-duque de Olivares Paisaje en diagonal Terroso suelo Príncipe Baltasar Carlos Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Retratos ecuestres Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Picas irregulares Ejército holandés desordenado Gesto amable y generoso Justino de Nassau-Siegen Ambrosio de Espínola Perspectiva aérea (fondos verdes y azules plateados) Posible (discutido) autorretrato Lanzas verticales Ejército español bien organizado (acotan primer término) Diagonales enmarcan escena principal Retratos de personajes de la época Primer plano situado en un espacio de luces y sombras Caballos en oblicuo amplían la profundidad Riqueza y armonía cromática Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Rendición de Breda “Las lanzas” Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Retrato Psicológico (“troppo vero”) Claseshistoria Disposición en oblicuo Contrastes cromáticos (colores intensos) Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Retrato de Inocencio X Pincelada muy suelta Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Espejo sostenido por amorcillo: Contraste rostro difuminado, de facciones groseras y belleza rotunda del cuerpo Claseshistoria Temática: desnudo en pintura española Cortinaje rojo Riqueza cromática Piel nacarada Sensualidad y erotismo Formas curvas Tafetán negro Sábana blanca Composición basada en diagonal curva (símbolo relajación) Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Venus del espejo Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Velazquez consiguió plasmar la atmósfera existente entre los cuerpos, la luz y el color conforman la Perspectiva aérea. En primer término los personajes forman grupos de tres. El grupo central lo forma la infanta Margarita acompañada por sus sirvientas Maria Agustina Sarmiento que le ofrece un vaso de agua en plato de oro, Isabel de Velasco que se inclina suavemente. El grupo de la derecha lo forman la enana macrocéfala Maribárbola, el enano Nicolasito Pertusato y un mastin. En segundo plano conversan en la penumbra La dama de Honor Marcela de Ulloa y un guardadamas. Tambien en segundo término tras un enorme lienzo , el propio Velazquez. El punto de fuga se situa en la puerta del fondo que se abre a un espacio mas claro José Nieto aposentador de la corte como el mismo Velazquez descorre la cortina. Al fondo reflejados en el espejo como antes vimos en el matrimonio Arnolfini , Felipe Iv y Mariana de Austria.

Aposentador real José Nieto Claseshistoria Reflejados en el espejo los reyes Felipe IV y Mariana de Austria Autorretrato (cruz roja de Santiago pintada con posterioridad) Mariana Agustina Sarmiento (ofrece agua en búcaro sobre plato de oro) Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las Meninas Dama de honor Marcela de Ulloa Guardadamas Diego Ruiz de Azcona Isabel de Velasco Maribárbola Nicolasito Pertusato (pie en animal = anecdótico) perro Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Al aparecer los reyes en reflejo, se introduce a espectador en escena, pues monarcas quedan detrás del observador Brazo de Aposentador crea Punto de fuga en puerta del fondo Linea de tensión (donde aparece un que nos lleva segundo foco hasia reflejo de de luz) los reyes Mitad superior del cuadro Destinado al techo y a Cuadros mitológicos Salón muy elevado Figuras de primer término agrupadas de tres en tres En mitad inferior se Distribuyen personajes Gran riqueza cromática Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las Meninas Pincelada fluida y larga (sólo algunos detalles con pincel fino) Resto ventanas laterales no dejan pasar la luz, salvo la última La progresiva gradación de la luz en los personajes Irán señalando la profundidad a la que se encuentran (mientras más al fondo más oscuros y contornos más desdibujados = perspectiva aérea Foco de luz principal En ventana lateral de primer término. Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Interpretación B: Reivindicación de la Pintura como arte intelectual Claseshistoria Velázquez aparece Pintado junto a los reyes (inusual). Dos cuadros de la pared son: Atenea y Aracné (copia de Rubens), y Apolo y Marsias Bastidor cierra Lateral del cuadro Le fue concedida la cruz de Santiago por empeño del rey (no podían formar parte de esa orden los que se dedicasen a actividades manuales: la pintura estaba catalogada como manual)) El aposentador real, al apartar el cortinaje y parecer estar retirándose parece invitar al observador a dirigirse hacia él atravesando la profunda estanci Interpretación A: Velázquez está pintando a los reyes cuando irrumpen en la estancia la infarta Margarita con su séquito Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las Meninas Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Aracne era una hábil tejedora que se atrevió a desafiar a los Dioses diciendo que ella tejía mejor que los dioses. Atenea disfrazada de anciana al no poder disuadirla de su convencimiento la reta a tejer un tapiz con el tema del rapto de Europa. Herida en su orgullo Atenea por la calidad del tapiz la castiga convirtiéndola en araña.

Tema mitológico principal (Minerva y Aracné) Relegado a un segundo plano Claseshistoria Riqueza cromática Iluminación del fondo desde Tapiz con el tema Haz brillante diagonal el rapto de Europa (espacio irreal) (homenaje a Tiziano) Mujer aparta cortinaje como presentando la escena Captación del movimiento Escena costumbrista oculta temática mitológica (Atenea Aracné) Escena situada a nivel superior como de un escenario Perspectiva aérea (la figura en sombra del centro potencia la distancia respecto al fondo iluminado) Pincelada suelta Mujeres en distinta posición (escorzo, frente, espaldas, perfil) Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las hilanderas Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Damas con ropajes del s. XVII representan artes liberales (la música con violoncelo porque se pensaba que curaba picaduras de araña Significado: superioridad de las Bellas artes sobre las artes manuales Puttis se dirigen hacia Aracné (símbolo de su triunfo por lo que Atenea la convertirá en araña) Dama que mira a hilanderas conecta escena del fondo con primer plano Mujeres forman círculo en ambas composiciones Atenea está semioculta por las sombras (pierna desnuda la delata) Aracné triunfadora aparece brillantemente iluminada Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las hilanderas Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria distribución equilibrada de masas y vacíos Predominio de Estructuras piramidales Fuertes claroscuros Escena religiosa Presentada como Costumbrista (naturalismo) Gusto por lo Amable, sereno Y dulce frente Al sentido trágico de la mayoría de la pintura barroca española Pinceladas lisas con dibu Bastante preciso Bartolomé Esteban Murillo Periodo juvenil (frío) La sagrada familia del pajarito Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

JOSE DE RIBERA EL ESPAÑOLETTO Fondos muy oscuros Características de Caravaggio: tenebrismo (incidencia de la luz) y naturalismo (realismo personaj Pincelada minuciosa y apretada Temas de fenómenos raros de la naturaleza Inscripción en latín que explica el caso de Magdalena Ventura Pocos personajes en las escenas José de Ribera 1ª fase La mujer barbuda Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Fuerte influencia en autores españoles como Murillo Claseshistoria Presencia de Dios en la diagonal superior Sustitución del fondo negro por paisajes (cielos, vegetación, etc Etapa influida por colorido neoveneciano (diversidad cromática y luminosidad) Fusión del tema de la Inmaculada con el de la Asunción Virgen dinámica que asciende rodeada de ángeles De la Inmaculada tradicional mantiene las letanías José de Ribera (2ª fase) Inmaculada Concepción Convento de las Agustinas Salamanca Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Desequilibrios vacíos - masas Profunda diagonal Riqueza cromática Contraste Apolo impasible Marsias sufrimiento extremo Abundancia de escorzos, diagonales y zigzags Teatralidad: impotencia Personajes secundarios José de Ribera Apolo desollando a Marsias Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Líneas de fuerza ascendentes en mástil y cuerdas Amplios espacios vacíos. Contrastes amplio cielo: azul intenso con blanco y dorado Contraste tensión verdugos y el abandono del santo Zonas personajes apretados atentos a la acción Ralentización para aumentar dramatismo: preparación del martirio. Lenta elevación Escorzos profundos Gran corporeidad de las figuras Zonas personajes apretados indiferentes a la acción (destaca madre con hijo) Realce de ropas rojas del verdugo frente al predominio d tonalidades oscuras ( marrones, verdes, grises, etc. ) José de Ribera El martirio de San Felipe Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Personaje deforme y pobre tratado con amabilidad (simpatía del rostro) Claseshistoria Figura de tamaño natural Abundante paisaje Cielo azul con numerosas nubes Punto de vista Bajo que lo realza resaltado sobre el cielo del segundo término No oculta lo deforme José de Ribera El patizambo Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

FRANCISCO DE ZURBARAN Armonía cromática Retratos de damas de la época “a lo divino” Figuras de cuerpo entero Ropajes del siglo XVII Fondos neutros Abundantes pliegues Dragón marginado Santa Casilda Santa Margarita Franciso de Zurbarán Historia del Arte

Claseshistoria Virgen y San Juan (eran protectores de los cartujos) Cuadro en el cuadro: Monjes ajenos Colores más vivos que contrastana con presencia blancos de mantel y sayos de obispo Apertura lateral con edificio sobrio cartujo 3º San Bruno (centro) y resto de los frailes. Características generales: Contornos nítidos, estatismo, geometrización, calidades matéricas, equilibrio líneas horizontales y verticales 2º mesa con naturaleza muerta (platos, jarras, pan adquieren gran protagonismo) Diversidad de blancos Francisco de Zurbarán San Hugo en el refectorio Tres plano s 1º San Hugo y paje Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

Claseshistoria Importancia individualizada de cada objeto Fondo oscuro Incidencia de la luz Calidades matéricas Bodegón de cacharros Francisco de Zurbarán Sobre eje horizontal se desarrollan ejes verticales de los objetos Historia del Arte © 2006 Guillermo Méndez Zapata

PRINCIPALES IMÁGENES A COMENTAR ARQUITECTURA BARROCA: Bernini-Columnata de San Pedro – Baldaquino de San Pedro Borromini- San Carlos de las cuatro fuentes Le Vau y ardouin Mansart- Palacio de Versalles Casas Novoa – La fachada del Obradoiro Saccheti- Palacio Real de Madrid ESCULTURA BARROCA Bernini- Apolo y Dafne – El extasis de Santa Teresa – David IMAGINERIA ESPAÑOLA: GREGORIO FERNANDEZ (Escuela castellana)– La Piedad – Cristo Yacente Juan Montañés (Escuela Sevillana)_ La Inmaculada Alonso Cano (Escuela ranadina) La Inmaculada del Facistol PINTURA BARROCA Pintura barroca Italiana : Caravaggio – La Muerte de la Virgen Pintura Barroca Flandes y Holanda : Rubens- Las tres Gracias y Rembrandt-Lección de anatomia- La ronda de noche. Pintura barroca española : Ribera: El Martirio de San Felipe Velazquez: Las Meninas - La Rendicion de Breda – Las hilanderas o el mito de Aracne