La Haute Renaissance en Italie Lonard de Vinci

La Haute Renaissance en Italie Léonard de Vinci (1452 -1519) Michel-Ange (1475 -1564) Raphaël (1483 -1520) Le Titien (1485? -1576)

La fin de la première renaissance: chute des Médicis, reprise du pouvoir politique par la papauté… • La fin du quattrocento est marquée par des événements politiques qui influenceront beaucoup les arts: à Florence la chute des Médicis, et l’arrivée au pouvoir du moine dominicain Savonarole, fanatique et apocalyptique (exécuté en 1498). Après l’autodafé de Savonarole, Florence redevient une république. • Pendant ce temps, la papauté reprend sa puissance politique en Italie et devient un important centre de patronage artistique, ayant pour but que les monuments de la Rome chrétienne surpassent la beauté de la Rome païenne. . . Le projet le plus ambitieux de l’époque est la décoration de la chapelle Sixtine au Vatican à laquelle la plupart des grands artistes de l’époque vont participer.

Nous avons vu, au cours dernier, la fresque La remise des clefs, peinte en 1485 dans la chapelle Sixtine par Pietro Perugino, présenter un manifeste sur l’art de la Première Renaissance. À partir de 1500, nous ne parlerons plus de la première, mais de la Haute Renaissance en Italie… Pietro Perugino, La remise des Clefs, 1485, fresque, Chapelle Sixtine, Le Vatican

La Haute Renaissance • La Haute Renaissance fait référence à l’art de la Rome papale, de Florence et de la république de Venise de 1500 à 1530. • Avec la peinture de la Haute Renaissance, l’art occidental atteint son apogée. Les maîtres de cette période sont Léonard de Vinci (1452 -1519), Michel-Ange (1475 -1564) et Raphaël (1483 -1520), alors qu’à Venise, dont nous avons vu le caractère spécifique, travaillent Giorgione et le Titien.

Léonard de Vinci (1452 -1519) Homme Universel: réaliser une synthèse par la beauté Décrire « l’intention de l’âme humaine » Nouveautés techniques: Clair-obscur, sfumato

Léonard de Vinci (1452 -1519) • Un homme d'esprit universel, à la fois artiste, scientifique, ingénieur, inventeur, anatomiste, peintre, sculpteur, architecte, urbaniste, botaniste, musicien, poète, philosophe et écrivain, Léonard de Vinci est souvent décrit comme l'archétype et le symbole de l'homme universel de la Renaissance. • Après son enfance à Vinci, Léonard est élève auprès du célèbre peintre et sculpteur florentin Andrea del Verrocchio. Il va ensuite travailler à Milan, Rome, Bologne et Venise. Il passera les dernières années de sa vie en France, à la cour du roi François Ier.

Après son enfance à Vinci, Léonard est élève auprès du célèbre peintre et sculpteur florentin Andrea del Verrocchio… dans ce Baptême du Christ (14721475), le jeune Léonard réalise l’angelot agenouillé en bas à gauche. Atelier de Verrocchio: Baptême du Christ (14721475)

L’Annonciation (1472 -75) Puis, toujours dans l’atelier de Verrocchio, mais plus indépendamment, cette Annonciation: nous y voyons acquises les découvertes de la première renaissance: la perspective linéaire et atmosphérique…

Mais c’est ce travail inachevé qui nous montre le mieux la manière de peindre spécifique de Léonard: les formes se matérialisent graduellement par le modelé du ton et le contraste du clair et de l’obscur, Leonard en rend tout de suite la troisième dimension. L’Adoration des Mages (148182), inachevé

Les formes surgissent de l’ombre sans s’en détacher tout-à fait, leurs contours à peine suggérés: cette méthode de modelage s’appelle le chiaroscuro, le clair-obscur. L’adoration des mages n’a pas été achevée…

C’est dans La vierge aux rochers que nous pouvons voir ce que le procédé du clair-obscur donne une fois la toile finie: les personnages semblent émerger de la demiobscurité de la grotte, se détachent par leur clarté. La Vierge aux rochers, 1483 -86

De plus, les formes sont comme voilées par une brume: nous appelons cette brume sfumato, la « fumée de Léonard » . Ce sfumato crée aussi une atmosphère de rêve, et donne à l’œuvre une dimension poétique, nous sentons qu’il ne s’agit pas d’une représentation objective de la réalité. La Vierge aux rochers, 1483 -86

Ces deux procédé, le chiaroscuro et le sfumato, se retrouvent dans la toile la plus connue de Léonard, la Joconde. Ces procédés sont ici si parfaitement réalisés que ses contemporains les ont trouvés miraculeux: « le sourire est si agréable qu'il semble divin plutôt qu'humain ; ceux qui l'ont vu ont été très surpris de constater qu'il semble aussi vivant que l'original» , écrit Giorgio Vasari. Mona Lisa (La Gioconda), (entre 1503 et 1506)

Nous pouvons nous rendre compte de la nouveauté de ce procédé en comparant la Joconde avec la Vénus de Botticelli: pour détacher sa figure du fond, Botticelli en souligne les contours d’un trait… Détail, Venus, Botticelli, La Naissance de Vénus, vers

Les contours de figures sont soulignées d’un trait pour se détacher du fond dans La Naissance de Vénus de Botticelli, vers 1480 …

…alors que nous voyons comment le cou et le visage de la Joconde sortent graduellement de l’ombre qui se confond avec la masse foncée des cheveux: nous appelons ce procédé le clair-obscur.

Léonard utilise aussi la technique de sfumato en voilant, ombrant subtilement comme si une brume, ou un voile couvraient le visage de la Joconde…

Ces mains aussi se matérialisent graduellement et prennent du volume par le modelage clair-obscur, ombrées par le sfumato: les parties de la manche à l’ombre se distinguent à peine du buste, tandis que la rondeur des mains se détache par sa clarté, non par une ligne de démarcation.

Mais la Joconde fascine aussi par sa personnalité: les traits semblent trop personnels pour représenter un idéal, pourtant l’idéalisation est si forte qu’elle cache le caractère du modèle. Ce sourire est-il un sourire, ou une expression symbolique et intemporelle tel le « sourire archaïque » des statues grecques archaïques?

Marcel Duchamp, L. H. O. O. Q. , le « ready made rectifié » , 1919

La Vierge, l'Enfant Jésus et Sainte Anne reprend à nouveau le thème de personnages dans un paysage « d’une beauté irréelle » . Nous retrouvons le sourire intemporel de la Joconde, ici traduit comme douceur maternelle. Léonard, La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne, 1510

Nous pouvons, en comparant le tableau La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne avec le carton La Vierge, l'Enfant Jésus avec sainte Anne et saint Jean Baptiste voir la recherche de composition effectuée par Léonard: La Vierge, l'Enfant Jésus avec sainte Anne et saint Jean Baptiste et La Vierge, l'Enfant Jésus et sainte Anne: recherche de composition

La Cène, vers 1495 -1498, peinture murale, Santa Maria delle Grazie, Milan La Cène, la scène du dernier repas du Christ, énonce les idéaux de la Haute Renaissance. Il ne s’agit pas d’une fresque, mais d’une peinture murale: Léonard expérimente avec la technique d’où le très mauvais état de cette peinture.

Comparons la Cène de Léonard avec celle de Del Castagno, appartenant à la première renaissance. Andréa del Castagno, La Cène, vers 1445/50, fresque, Ste Apollonia, Florence

Ou avec la Cène de Tintoret (1592 -94), renaissance tardive ou manièrisme

La Cène de Léonard dégage une impression de stabilité et de calme, obtenue par un équilibre entre les deux groupes des apôtres agitées:

La stabilité du tableau est la stabilité de la figure de Christ, centrale, le point de fuite étant placé derrière sa tête, encadrée par la clarté de l’ouverture de la fenêtre, son fronton faisant une auréole…

La réaction de chaque personnage révèle la personnalité de chacun et illustre ce qui est selon Léonard le plus grand problème de la peinture: c’est de décrire « l’intention de l’âme humaine » . L’attitude du Christ est celle de la soumission à la volonté divine, Judas se détache par son profil sombre, son poing serré: à la différence des habitudes iconographiques de l’époque, il n’est pas assis de l’autre côté de la table, son attitude le distingue suffisamment…

Léonard scientifique et ingénieur • L'approche de la science par Léonard est très liée à l’observation: Léonard de Vinci a essayé de comprendre un phénomène en le décrivant et en l'illustrant en détail, en non pas en insistant sur les explications théoriques.

Léonard, homme universel, et l’incarnation de l’idéal de la renaissance, développe une doctrine technique, née d’observations suivies d’expériences: il documente ses observation et ses réflexion par dessins, et considère la peinture être l'expression visuelle d'un tout, proposant une « synthèse par la beauté » : « Qui blâme la peinture n'aime ni la philosophie ni la nature » . Étude de Léonard de Vinci sur le corps humain: ce dessin est connu sous le nom de l’homme de Vitruve, 1485 -1490.

Dégager l’essentiel: La Haute Renaissance Léonard de Vinci (1452 -1519)

Dégager l’essentiel: La Haute Renaissance • La Haute Renaissance fait référence à l’art de la Rome papale, de Florence et de la république de Venise de 1500 à 1530. • Avec la peinture de la Haute Renaissance, l’art occidental atteint son apogée. Les maîtres de cette période sont Léonard de Vinci (1452 -1519), Michel-Ange (1475 -1564) et Raphaël (1483 -1520), alors qu’à Venise, dont nous avons vu le caractère spécifique, travaillent Giorgione et le Titien.

Léonard de Vinci (1452 -1519) Symbole de l’Homme Universel de la renaissance, décrire « l’intention de l’âme humaine » , et réaliser une synthèse par la beauté , Nouvautées techniques: Clair-obscur, sfumato

Léonard introduit deux procédés nouveaux dans la peinture occidentale: le chiaroscuro, le clair-obscur et de sfumato, la fumée de Léonard. Mona Lisa (La Gioconda), (entre 1503 et 1506)

Le cou et le visage de la Joconde sortent graduellement de l’ombre sans s’en détacher tout-à fait, sans ligne de démarcation nette: c’est le procédé de modelage par le clair-obscur, « chiaroscuro » . Comme une brume couvre le tableau: c’est « le sfumato » , « la fumée de Léonard » .

Nous pouvons nous rendre compte de la nouveauté de ces procédés en comparant la Joconde avec la Vénus de Botticelli: pour détacher sa figure du fond, Botticelli en souligne les contours d’un trait… Détail, Venus, Botticelli, La Naissance de Vénus, vers

Tandis que chez Léonard, ces mains se matérialisent graduellement, sans ligne de démarcation nette et prennent du volume par le modelage clair-obscur.

La stabilité de cette composition est obtenue par la calme stabilité du Christ (en position centrale, le point de fuite derrière sa tête, ressortant sur fond clair du ciel), mais aussi par l’équilibre des deux groupes d’apôtres, en eux agités. La réaction de chaque personnage en révèle sa personnalité et illustre, comme Léonard a écrit, le plus grand problème de la peinture, qui est de décrire « l’intention de l’âme humaine » . La Cène, vers 1495 -1498, peinture murale, Santa Maria delle Grazie

Léonard, homme universel selon l’idéal de la renaissance, de son temps travaillent aussi comme ingénieur, inventeur, architecte… Il documente ses observation et ses réflexion par dessins, et considère la peinture être l'expression visuelle d'un tout, proposant une « synthèse par la beauté » . Étude de Léonard de Vinci sur le corps humain: ce dessin est connu sous le nom de l’homme de Vitruve, 1485 -1490.