Imaginera Barroca en Espaa Imagineria barroca Espaola Esquemas

Imaginería Barroca en España Imagineria barroca Española

Esquemas

Esquemas • Se trata de escultura totalmente de tema religioso; sus clientes son las Cofradías y las Iglesias que organizan actos litúrgicos y procesiones (origen de las "semanas santas" actuales) y que suelen encargar figuras de santos y pasos procesionales. Estos serán los temas preferidos, aunque destacan también los retablos escultóricos con imágenes de bulto redondo o relieve, acentuándose en ellos el gigantismo y la decoración con respecto a los de épocas anteriores. • Pero la característica fundamental es la acentuación del realismo, que incluso llega a ser descarnado, con la reproducción de signos de sufrimiento y muerte con todo detalle. • EI material típico es la madera policromada (a diferencia de Italia y Francia); la policromía refuerza el efecto realista y acentúa la nota trágica y teatral. El arte de fingir la calidad y textura de las carnes policromadas se llama "encarnado" y el de las ricas telas decoradas que cubren las imágenes, "estofado". Esa escenografía se completa con frecuencia con "pegadizos" (espadas de plata en torno al corazón de la Virgen, lágrimas de vidrio. . . ). Incluso se llega, en casos, en las llamadas "imágenes de vestir" a tallar sólo la cara, las manos y los pies, completando el resto de la imagen con un armazón al que se viste con pelo y telas verdaderas, que con el balanceo de los banceros da sensación de realismo en las procesiones. • Aunque dado el carácter artesanal y gremial que aún tenían los talleres de escultura en esta época hay diferencias entre autores, se pueden agrupar en dos grandes escuelas: la CASTELLANA y la ANDALUZA

Esquemas El pueblo no verá en esas imágenes una obra plástica, sino una concreción de la divinidad. CONTEXTO HISTÓRICO El de la Contrarreforma, cuya abanderada es la Monarquía Hispánica. Vigilada con extrema prevención la mística, y extinguido todo reformismo religioso interiorista, la religiosidad sólo puede manifestarse hacia el exterior, públicamente, muy cercana al espectácul. De ahí su sentimentalismo y teatralidad. Gesticulación que fomenta y expresa, como se ha dicho, una religiosidad “sui generis” común a la mayoría de los españoles: Acrítica, poco comprometida con el mensaje evangélico, no intímista y, a veces, raya en la superstición.

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Escuela Castellana Tendrá su foco principal en Valladolid a diferencia de las ramas de arquitectura y pintura, cuyo centro será ya Madrid. Su realismo es duro, violento; casi espeluznante. Busca el efecto patético y dramático, acentuando las expresiones y signos de dolor en las figuras, sobre todo de Cristos yacentes Ese realismo dramático se acentúa además por la policromía, ya que como dijimos, los colores de las vestiduras son uniformes, muy fuertes y contrastados y más estridentes que en la escuela andaluza. . Retrato de Gregorio Fernández La figura máxima es GREGORIO FERNANDEZ (o HERNÁNDEZ), profundamente religioso, que trata de transmitir sus emociones y su fe en un estilo directo. Influido por el arte hispano-flamenco del s. XV en los plegados anguloso de las telas, hace que ésto y los gestos dramáticos de los rostros, contrasten con los desnudos de sus Cristos de canon armonioso. Las cabezas, profundamente expresivas (algunos dirían “horripilantes”), llevan al espectador cas al punto del estremecimiento, si el tema lo requiere

Escuela Castellana Gregorio Fernández: Cristo Yacente Gregorio Fernández: Encargada el Duque de Lerma, Cristopor. Yacente valido de Felipe III. Mientras. Talla los escultores de madera extranjeros prefieren policromada que el mármola Cristo representa y el bronce, muerto. en España se usan poco en favor de la madera. Tema: Cristo muerto Composición original que no relaciona el tema con la iconografía tradicional, (sin cruz, ni verdugos o mujeres). .

Escuela Castellana G. Fernández: Cristo Yacente Se ubicaban estas imágenes en el banco de los retablos, y ante el altar mayor de las iglesias los Viernes Santos: Cadáver de Jesucristo recostado sobre un almohadón, cabeza ladeada, y en el cuerpo, las huellas sangrantes de su Pasión. Su objetivo será promover y acrecentar la religiosidad de los fieles

Este modelo de Jesús yacente constituyó una creación original en su momento (siglo XVI), con repercusiones de largo alcance en la imaginería religiosa española.

Jesús, perpendicular con respecto a su madre, rompe la Gregorio simetría y la típica composición piramidal del modelo creado por M. Ángel, característico del tratamiento de este tipo de obras. La amplitud de ropajes y los abundantes plegados, duros, metálicos, ofrecen contrastes lumínicos barrocos G. Fernández: Piedad Escuela Castellana Fernández: Pietá

La Virgen María, con el cuerpo muerto de su Hijo, eleva el brazo. Gregorio en señal de Fernández: dolor( ademán de angustia y soledad que contrasta con la serenidad del cuerpo inerte de su Hijo, al que sostiene ). También es una actitud de petición de ayuda, de comprensión y compasión , por parte del espectador que mira esta escena mientras el paso procesional pasaba delante de sus ojos: La teatralidad y la comunicación con el espectador son rasgos barrocos. G. Fernández: Piedad Pietá

Escuela Castellana: Gregorio Fernández “: ECCE HOMO” CONTEXTO: obra encaja dentro de los ideales de la reforma, establecidos en el Concilio de Trento, porque muestra un tema que no necesita de una interpretación por parte del público y La teatralidad es tal que la obra se percibe casi como viviente. Jesús, después de ser flagelado por orden de Poncio Pilato, aparece gravemente afectado y con la corona de espinas, dirigiéndose a la cruz en la que va a ser sacrificado. Pilatos le presenta: ”He aquí el hombre”. Santa Teresa El tema ha sido representado en varias ocasiones a lo largo de la historia del arte, sobretodo a partir del Renacimiento. COMPOSICION: Cristo aparece sin el manto y sin la corona, a pesar de que muestra las señales de haberla llevado. El cuerpo es esbelto, recogido sobre si mismo y bien construido también por el dorsoen el arqueamiento del cuerpo una clara influencia clásica: Un buen ejemplo de ello es la posición que adoptan los brazos y las piernas de Jesús. Un aspecto curioso es la posición que adoptan los dedos de las manos: los dedos índice y meñique aparecen muy doblados en ángulo mientras el corazón y el anular permanecen rígidos al pecho-manierismo renacentista, Greco- lo que confiere a la mano las calidades de sufrimiento, humildad y penitencia. . Un rasgo característico de las obras de Fernández y de su época es la representación de Cristo con abundante barba, bigote y pelo; la cabellera es ondulada y bien trazada. la indumentaria, debemos decir que el desnudo es total aunque se cubre la cadera con un paño de tela encolada. Esta forma de incluir la tela no es habitual en las obras de Fernández aunque se usó profusamente en la escultura procesional de principios del S. XVII. Postizos, encontramos los ojos de cristal y el paño añadidos que dan un mayor realismo a la obra.

Escuela Castellana Gregorio Fernández: Cristo en la Columna Paso procesional del Azotamiento. Hoy sólo conserva esta figura en madera policromada y mármol negro(semicolumna). Composición: Cuerpo de Cristo con paño de pureza plegado de amplio vuelo se apoya en semicolumna dórica con las manos atadas y en posición dramática, lo cual realza el patetismo.

Escuela Castellana REALISMO EXPRESIVO: Rostro de mirada humilde, realzada por los ojos de cristal y boca entreabierta. Tratamiento del cabello largo, bigote y barba en mechones”mojados”. Resto del cuerpo en perfecto estudio anatómico, con la carne abierta en llagas que rezuman expresivo hilos de sangre, Realismo heridas, moraduras y laceraciones que acentúan el sufrimiento. PIEZA CLAVE EN LA ICONOGRAFÍA DE LA FLAGELACIÓN y modelo de tallas posteriores con el mismo tema.

Martínez Montañés "Inmaculada" conservada en la Catedral de Sevilla. Por su mirada hacia abajo, los sevillanos le pusieron el mote de "la cieguita" SEVILLA Escuela Andaluza Martínez Montañés: Inmaculada

Martínez Montañés: Inmaculada Popularmente”La cieguecita” por los párpados caídos; perspectiva para ser vista desde abajo(arrodillado), que se adapta al espectador; figura joven, sobre basa(mayor altura) con manto recogido sobre los hombros, cayendo en grandes pliegues, lo que le da robustez y equilibrio; expresión dulce y melancólica en rostro con tenue sonrisa; rompe la frontalidad con las manos que se desvían la izquierda, dotando de cierto dinamismo al conjunto. La inclinación de la cabeza hacia la derecha introduce una rectificación de origen manierista(el cuello demasiado largo). Martínez Montañés

Escuela Andaluza: M. MONTAÑÉS. ”Cristo de la Clemencia” ( Catedral de Sevilla. ) Rostro ensimismado, soledad y aceptación ante la muerte. Anatomía realista.

Prototipo del crucificado andaluz: Con poca sangre y aún vivo que parece mirar a los fieles. Encargo de un canónigo de la catedral sevillana, se le dieron instrucciones claras de cómo representarlo: Agonizante pero vivo, que mire a cualquiera que se encuentre en la capilla. De torso alrgado-reminiscencias manieristas-y piernas cruzadas aunque sujetas con dos clavos, paño de pureza muy real que cae reposadamente, con pliegues minuciosos y naturalistas; la sangre corre en forma de hilos, menos llamativos que en la escuela castellana.

Martínez Montañés The Merciful Christ (detail) c. 1603

Alonso Cano: Inmaculada de la Cat. De Granada Alonso Cano: Inmaculada Escuela Andaluza Cronologia: 1655, Material: Madera de cedro policromada. Localización: Granada, Catedral: Realizada para rematar el facistol diseñado por él p es un hito en la imaginería del barroco español

Medida: con 55 cm de altura, es posiblemente la escultura más importante de Alonso Cano y una de las más emblemáticas de la imaginería española del siglo XVII. Tema: es necesario recordar el protagonismo que tuvo la representación de la Virgen Inmaculada en el barroco español de la mano de la Contrarreforma, frente a los ataques y críticas protestantes, y fue España el país donde el tema de la Inmaculada gozó de mayor éxito. De ahí que los artistas estudiasen el tema para conseguir representar de forma tangible un símbolo de profunda dimensión teológica Características: Cano renuncia a la utilización de gestos pronunciados y no por ello se reduce la carga emocional que la obra nos transmite; hay que resaltar la serenidad de esta pequeña escultura, cuya verticalidad se ve compensada por la pequeña torsión de su cuerpo, el giro de la cabeza y la posición de las manos, el tratamiento minucioso del ropaje de la Virgen cuyo dinamismo concede a la figura un gran sentido de ascensionalidad. Su estética, a través de un proceso de estilización idealista, prolonga las formas del Renacimiento, por lo que sus composiciones son cerradas, metidas en esquemas geométricos de perfil oval o de huso. Su manera de plegar los paños en grandes masas de ritmo muy medido da a la figura un tono solemne. Es el primer escultor andaluz que abandona la técnica del estofado. Algunas de sus características repetidas en otras Inmaculadas son: inclinar la cabeza a la derecha, el manto caído dejando al descubierto uno de sus hombros, el apuntamiento de la figura hacia los pies, la superficie ondulada de los paños. Significación: En esta obra de Cano se culminó toda una línea de investigación, y por ello se convirtió en un modelo continuo que sería posteriormente repetido en infinidad de ocasiones. Alonso Cano es el creador de las Inmaculadas menudas, íntimas y melancólicas que incitan a la oración

Obra realista, sin estridencias, propia de la mesura y la elegancia andaluzas. Rostro de óvalo estilizado, con facciones grandes y ojos rasgados, enrojecidos y vacíos de lágrimas, que incluye elementos como vidrio en lágrimas y ojos, labios resecos, cuello tenso y mechones mojados en el pelo, que acentúa la verticalidad de la composición. De tema original-no se conocen otras Magdalenas de este tipo en la imaginería andaluza- y juvenil, apenada y angustiada , con modelado elegante y delicado, ocultando su cuerpo bajo un tosco sayón de palma entrecruzada que no deja adivinar las formas. . Colores: Sobria policromía en ocres, tierra, pardos y pocos oscuros. Escuela Andaluza Pedro Mena: Magdalena Penitente Patetismo y sufrimiento que crea prototipos originales y de gran trascendencia en la historia. . La intensa expresión de Magadalena en madera policroma esculpida en 1664 por Pedro de Mena muestra la voluntad de la Contrarreforma de utilizar el arte como un poderoso medio de propaganda religiosa. Pedro Mena: Magdalena Penitente

Escuela Andaluza Pedro de Mena Ecc HOmo Tema: el momento, en que después de azotado, Jesús con corona de espinas manto y soga al cuello, es mostrado por Poncio Pilatos al pueblo Pedro Mena: Ecce Homo

Escuela Andaluza Pedro de Mena: Ecce-Homo (1675) y Las Dolorosa están realizadas con los mismos(1675 -1676). tipos y mismas medidas, siendo el más corriente el de medio busto, donde aparece la Virgen con los brazos completos, de medio cuerpo , con túnica roja, velo blanco y manto azul, con una mano sobre el pecho y la otra extendida, con la boca entreabierta, lágrimas sobre las mejillas, con dolor contenido. el modelado es sobrio y la talla de los paños finísima. Pedro Mena: Ecce Homo y Dolorosa

Escuela Andaluza Dolorosas Jorge Risueño: Dolorsa Fue Mena un gran productor de bustos de Ecce Homo y de Dolorosas, que responden a la necesidad de devociones familiares o conventuales todas son de medida pequeña y muy numerosas.

Alonso Villabriolle Cabeza de San Pablo Final Adaptación y comentarios: C. Sanfrancisco IES ABASTOS VALENCIA Cabeza de San Pablo