DIDCTICA DE LA CREACIN PLSTICA Y VISUAL Consolacin

DIDÁCTICA DE LA CREACIÓN PLÁSTICA Y VISUAL Consolación Florencio García

-A continuación voy a realizar una presentación de 20 artistas pintores. -Esta presentación consiste en una pequeña biografía de cada pintor citando también 3 obras de cada uno. 20 Pintores Picasso Van Gogh Dalí Goya Friedrich Delacroix Monet Sorolla Renoir Munch Miró Warhol Boucher Ernst Kandisnsky Degas Cezanne Turner Géricault El Greco

Pablo Ruiz Picasso

Pablo Ruiz Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra, inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida. fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació el 25 de octubre de 1881, en el n. º 36 de la plaza de la Merced de Málaga. � Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, [2] el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone). �

Desde la izquierda hasta la derecha tenemos 3 obras de Picasso empezando por el famoso “Guernica”, “Las Señoritas de Avignon” y “Familia de Arlequín.

Vicent Willem van Gogh

Vicent Willem van Gogh � Vincent Willem van Gogh (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1. 600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes. Vincent van Gogh, el más genial de los pintores de finales de siglo, sólo consiguió vender dos cuadros en su vida.

Desde la izquierda: “Café en Arles”, “Noche estrellada” y “Campo de trigo con cuervos”.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech � Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, primer marqués de Púbol nació en Figueras, España, 11 de mayo de 1904. Fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Uno de los más geniales artistas conocidos por la humanidad. A la edad 14 había ya expuesto sus trabajos a los críticos, fue con frecuencia (y todavía algunas veces lo es), mal entendido. A los 22 se encontró con Picasso. También fue expulsado de la escuela del arte. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Al final de su carrera, Dalí no se limitó a la pintura, desarrollando nuevos procesos y medios experimentales: Creó un boletín y se convirtió en uno de los pioneros en la holografía artística. Fue proclamado como una de las influencias más notables del pop art. El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito — Tristán e Isolda, de Wagner— murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo.

De izquierda a derecha: “Ventana”, “Muchacha de Espaldas” y “Enigma del desierto”.

Francisco de Goya y Lucientes

Francisco de Goya y Lucientes � Francisco José de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos, España en 1746 y muere en Burdeos, Francia en 1828. Pintor y grabador español. Goya fue el artista europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del impresionismo. Goya aprendió de su padre el oficio de dorador, pero, decidido a dedicarse a la pintura. Goya empezó a pintar retratos y obras religiosas que le dieron un gran prestigio, hasta el punto de que en 1785 ingresó en la Academia de San Fernando y en 1789 fue nombrado pintor de corte por Carlos IV. En el invierno de 1792, cae gravemente enfermo en Sevilla, sufre lo indecible durante aquel año y queda sordo de por vida. La pérdida de capacidad auditiva le abriría, sin lugar a dudas, las puertas de un nuevo universo pictórico. Los graves problemas de comunicación y relación que la sordera ocasionan, harían también que Goya iniciase un proceso de introversión y aislamiento. El maestro murió en Burdeos, hacia las dos de la madrugada del 16 de abril de 1828, tras haber cumplido ochenta y dos años, siendo enterrado en Francia. En 1899 sus restos mortales fueron sepultados definitivamente en la ermita de San Antonio de la Florida, en Madrid, cien años después de que Goya pintara los frescos de dicha iglesia (1798).

De izquierda a derecha: “El Coloso”, “Los fusilamientos del 3 de mayo” y “La Familia de Carlos IV”.

Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich � � Caspar David Friedrich era el sexto de los nueve hijos de Adolf Gottlieb Friedrich, un fabricante de velas y jabones de Greifswald, y su esposa Sophie Dorothea Friedrich, de soltera Bechly. Greifswald pertenecía, como toda la Nueva pomenaria anterior y desde la Guerra de los treinta años a la corona sueca. Ambos progenitores procedían de la ciudad de Neubrandenburg, en la actual Mecklemburgo-Pomenaria occidental, que Friedrich visitó en varias ocasiones. Nace el 5 de septiembre de 1774 en Greifswald. Fue el principal representante de la pintura Romántica alemana, siendo la más destacada en el ámbito del paisajismo. En sus pinturas se encuentra un sentimiento de profundo pánico ante la naturaleza y el conocimiento atónito y casi doloroso de la insuficiencia del hombre frente a su grandeza. El significado de sus obras se va enriqueciendo por frecuentes referencias a la mitología alemana; en las pinturas más tardías, el valor simbólico se hace más evidente en la elección del tema y en la simplificación de las formas. A la edad de 61 años sufre un infarto que le paraliza la mano derecha, pudiendo recién movilizarla dos años más tarde. Finalmente, el artista que ya contaba con un carácter tímido y cerrado, cae en una depresión la que lo aparta de todo y todos, dejándolo morir el 7 de mayo de 1840 en Dresde.

De izquierda a derecha: “Mujer frente al sol poniente”, “Caminante un mar de niebla” y “En el velero”

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix � � � El pintor francés nacido bajo el nombre de Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix nació en Charenton-Saint-Maurice, Francia, un 26 de abril de 1798. El hijo de Charles Delacroix, político de profesión y de Victorie Oeben perteneciente a una familia de artesanos y dibujantes, se ha convertido con el tiempo en el más emblemático pintor del movimiento romántico aparecido a finales del siglo XIX. Delacroix estudió a los grandes maestros del Barroco en el Louvre, interesándose por los grandes artistas venecianos. También conoce la producción contemporánea, especialmente la de los ingleses Bonington y Constable, y la obra de pintores próximos como Wappers, y le influyen Turner y los retratistas ingleses. En Marruecos se pone en contacto con el colorismo, la sensualidad y la luz de la pintura norteafricana. En 1847 visita a Corot, pintor realista, a quien admirará, pero seguirá pintando grandes encargos decoraciones y no obras realistas. En estos momentos también le influirá notablemente Poussin. Delacroix escribió un diario, en el que se presentan vínculos con el Impresionismo "las sombras de un objeto son del color complementario a éste". El artista se despidió de este mundo el día 13 de agosto de 1863 en París.

De izquierda a derecha: “La libertad guiando al pueblo”, “La matanza de quios” y “La muerte de sardanapalo”

Claude Oscar Monet:

Claude Oscar Monet Claude Monet nació en París en noviembre de 1840. Aunque su padre deseaba que le ayudara en el negocio familiar, una tienda de ultramarinos, no se opuso a que Monet prosiguiera con su carrera artística. Uno de los propósitos de la pintura impresionista de Monet era captar objetivamente la expresión etérea de la luz y el color. Monet aplicaba reglas propias tales como: perspectivas sin profundidad o primeros planos que se veían influenciados por su estudio de láminas japonesas, entonces populares en círculos artísticos franceses. � La característica común de todas las obras impresionista de Monet es el intento por captar la naturaleza tal y como es en cada instante e infundir a cada pintura una sensación especial de la naturaleza. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, Claude Monet muere el 5 de diciembre de 1926 en Giverny. �

De izquierda a derecha: “Nenufares”, “Impresión sol naciente” y “Garden at giverny”

Joaquín Sorolla

Joaquín Sorolla � � Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, 10 de agosto de 1923), fue un pintor y artista gráfico español. Joaquín Sorolla fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2. 200 obras catalogadas. Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, estudió posteriormente las obras del Museo del Prado y, gracias a una beca, pudo residir y estudiar en Roma de 1884 a 1889. Un viaje a París en 1894 lo puso en contacto con la pintura impresionista, lo que supuso una verdadera revolución en su estilo. Abandonó los temas anteriores y comenzó a pintar al aire libre, dejándose invadir por la luz y el color del Mediterráneo. Su estilo agradable y fácil hizo que recibiera innumerables encargos, que le permitieron gozar de una desahogada posición social. En el estilo más característico de Sorolla, el de técnica y concepción impresionista, destaca la representación de la figura humana sobre un fondo de playa o de paisaje, donde los reflejos, las sombras, las transparencias, la intensidad de la luz y el color transfiguran la imagen y dan valor a temas en sí mismo intrascendentes.

De izquierda a derecha: “Niños en la playa”, “Niña en la playa” y “El encierro”

Pierre Auguste Renoir:

Pierre Auguste � Pierre Auguste Renoir nació en Limoges, Francia. Fue una de las figuras centrales del impresionismo. Sus comienzos fueron academicistas, influido por sus estancias en Italia, pero a su regreso se abrazó al impresionista. Es entonces cuando sus pinturas se llenaron de luz y libertad, dos conceptos que aplica con maestría a los paisajes y a la figura humana, especialmente a los desnudos femeninos: voluptuosos cuerpos de carnes rojas y pelo rojizo. Son destacados sus retratos de niños y desnudos, que le convierten en un pintor sensual. Del impresionismo Pierre Auguste Renoir toma el gusto por los colores y por la luz, la pincelada gruesa y espontánea. Sin embargo, contra las preferencias de los impresionistas, él utilizará el color negro, al que llamaba el rey de los colores y da, al mismo tiempo, gran importancia a la forma y al modelado , dando mayor relieve a las turgencias de sus bañistas. Durante los últimos 20 años de su vida padeció de artritis. Aunque le era imposible mover las manos libremente, continuó trabajando con un pincel atado al brazo. Renoir murió el 3 de diciembre de 1919 en Cagnes, una villa al sur de Francia.

De izquierda a derecha: “El columpio”, “La parisienne” y “El desayuno de los remeros”.

Edvard Munch

Edvard Munch Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863, Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. � De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Pinta también tristes y melancólicas escenas, como “El puente”, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. � En enero de 1944, en una Noruega ocupada por las tropas alemanas, Edvard Munch muere como había vivido: completamente solo. �

De izquierda a derecha: “El grito”, “La niña enferma” y “El puente”

Joan Miró

Joan Miró � � Aunque nacido en Barcelona en 1893, la vida y la trayectoria artísticas de Joan Miró están vinculadas desde su infancia a las tierras de Tarragona. A los dieciocho años decide dedicarse a la pintura en un ambiente dominado por las últimas tendencias artísticas francesas, que pudo ver en directo en las exposiciones cubista y fauve de la Galería Dalmau de 1912. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro “La Masía” del año 1920. Joan Miro es famoso por sus murales, sus litografías, la escultura de cerámicas y decoraciones teatrales en las que imprimió frescura, ingenuidad y colorido; uno de los máximos representantes del surrealismo que supo transmitir al espectador la magnitud de su magia. Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró. Fallece en Palma de Mallorca el 25 de Diciembre de 1983.

De izquierda a derecha: “El jardín”, “La masía” y “Vuelo de pájaro”.

Andy Warhol

Andy Warhol � � � ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad del siglo xx. Nació como Andrew Warhola en 1928. Está considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. A finales de los 60′s comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale. Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su sexualidad. Esto fue algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse. Algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales.

De izquierda a derecha: “Marilyn Monroe”, “Flowers” y “soup”

James Abbott Mc. Neill Whistler

James Abbott Mc. Neill Whistler (Lowell, 1834 - Londres, 1903) Pintor y artista gráfico estadounidense � Su formación como artista se inició indirectamente cuando, tras ser expulsado de la Academia Militar de West Point por “insuficiencia en Química”, aprendió la técnica del grabado al aguafuerte como cartógrafo de la Marina de los EE. UU. Adquirió una perdurable admiración por Velázquez y se convirtió en devoto del grabado japonés y, en general, del arte y la decoración orientales. � Su creación artística discurrió en paralelo con su teorización acerca del arte, según la cual la pintura debía suscitar en exclusiva emociones estéticas, prescindiendo de contenidos históricos y de la transmisión de cualquier tipo de valor moral. Su creación artística discurrió en paralelo con su teorización acerca del arte, según la cual la pintura debía suscitar en exclusiva emociones estéticas, prescindiendo de contenidos históricos y de la transmisión de cualquier tipo de valor moral. �

De izquierda a derecha: ”Finette”, “Portrait of the Painter's Mother” y “Venecia”

Umberto Boccini

Umberto Boccini El pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista llamado Umberto Boccioni nació en Reggio Calabria, un 19 de octubre de 1882. Este hombre se desarrolló en las escuelas de sus alrededores, en donde encontró su afición hacia el ambiente artístico, precisamente con la pintura. En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia. � Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración. � Muere en Sorte, Verona el 17 de agosto de 1916. �

De izquierda a derecha: “Dinamismo de un ciclista”, “La risa” y “Los ruidos de la calle invaden la casa”

Max Ernst

Max Ernst � � Max Ernst (1891 -1976). Max Ernst nace en la pequeña ciudad alemana de Brühl, cerca de Colonia. Tras finalizar sus estudios de bachillerato, en 1909 se traslada a Bonn, donde se matricula en la Facultad de Filosofía, estudia Historia del Arte, y se acerca a las obras realizadas por enfermos mentales, evitando cuidadosamente "toda clase de estudios que puedan degenerar en un modo de ganarse el pan de cada día". De esta época datan sus primeras obras, cuya filiación expresionista revela la huella de su amistad con August Macke, miembro de El Jinete Azul. Está considerado una figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable, utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extra dimensional de los sueños y la imaginación. Inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). Su obra tendrá una gran influencia en multitud de artistas.

De izquierda a derecha: ”L’Ange du foyer ou le triomphe du surréalisme”, “ The robon of the bride” y “El jardín de Francia”.

De izquierda a derecha: “El jinete azul”, “Noche de luna” y “Pequeños placeres”.

Wassily Kandisky

Wassily Kandisky � � Nació en Moscú en 1866 y falleció en Neully-sur-Seine, Francia, en 1944. Compaginó sus estudios de derecho y economía con el dibujo y la pintura. Al cumplir los treinta años abandonó su carrera como docente para ir a estudiar pintura a Munich. Asistió a las clases de F. Stuck y allí conoció a Paul Klee, con quien mantuvo una gran amistad. También realizó diferentes viajes por Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, entrando en contacto con el postimpresionismo, el Jugendstil (modernismo) alemán, el fauvismo y el cubismo. La influencia del color fauve se percibe en una serie de paisajes alpinos que pinta en Murnau entre 1908 y 1909. Es aquí cuando se da cuenta que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria y que la belleza de sus obras reside en la riqueza cromática y en la simplificación formal. Kandinsky había fundado la Asociación de Artistas de Munich (NKVM), al mismo tiempo que empezaba a maquinar el entramado ideológico que desembocará en la abstracción. El despojamiento progresivo de la representación no será bien aceptado en la NKVM, por lo que Kandinsky y Franz Marc se retiran de la asociación y sientan las bases del grupo Der Blaue Reiter. Organizan diversas exposiciones en Berlín y Munich y Kandinsky escribe De lo espiritual en el arte y el Almanaque de Der Blaue Reiter. En De lo espiritual en el arte habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. Dice que el arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y establece las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color. Pinta numerosas obras que él mismo agrupará en tres categorías diferentes: impresiones, improvisaciones y composiciones. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos, aunque todavía se advierte en ellos un poco la presencia de la realidad. Los últimos restos del mundo real no desaparecerán de su obra hasta después de 1920.

Edgar Degas

Edgar Degas � � Hilaire Germain Edgar Degas; París, 1834 - 1917). Pintor impresionista francés. A pesar de que inició sus estudios de derecho, gracias a la desahogada economía familiar y al beneplácito de su padre (cuya cultura y sensibilidad ante lo artístico resultó fundamental en su etapa de formación), Edgar Degas se dedicó bien pronto a la pintura. En 1853 ingresó en el taller del pintor Barriasy y en 1854 recibió las enseñanzas de Louis Lamothe, seguidor de Ingres. Sin embargo, su privilegiada condición social, que determinará toda su vida y una buena parte de su obra, le permitió acceder a las colecciones particulares de pintura de la clase alta parisiense y formarse en la tradición clásica como autodidacta a través de múltiples viajes. En Florencia, conoció en casa de su tío, el barón Bellelli, copias y originales de Rafael, Mantegna, Pollaiuolo, Ghirlandaio y Botticelli. Por los testimonios de la época se sabe que Degas era un hombre tímido, sensible, algo retraído, con una gran vida interior que a veces le dificultaba la relación con sus semejantes, tal como puede observarse en la serie de autorretratos que realizó entre 1854 y 1858, donde se aprecia la influencia de Ingres. En la década de los sesenta, la posibilidad de entender la pintura como un ejercicio artístico, ajeno a las alegorías y al trasfondo moralista de los grandes cuadros de historia, era todavía incierta y dudosa. Sin embargo, las recientes muertes de Vernet, Delacroix e Ingres abrieron un hueco en el que pudo desarrollarse, de la mano de Manet y Degas, lo que Baudelaire denominó enfáticamente el "heroísmo de la vida moderna"

De izquierda a derecha: “La familia Bellelli”, “La orquesta de la ópera” y “La absenta”.

Paul Cézanne

Paul Cézanne, pintor francés perteneciente a la generación impresionista y una de las figuras que más han influido en el arte contemporáneo. � Estudió en su ciudad natal, primero en el colegio Bourbon (1852 -1858), donde conoció a Émile Zola, con el que trabó amistad. Luego se fue a estudiar a la escuela de dibujo , y más adelante, por voluntad paterna, a la facultad de derecho. Poco después de matricularse en ésta, comprendió que debía dedicarse por entero a la pintura. � En la casa de campo de su padre, el “Jas de Bouffan”, instaló su primer estudio, y en 1860, cuando Zola se trasladó a París, Cézzane pidió permiso a su padre para ir a reunirse con su amigo y estudiar pintura. Con ayuda de su madre y hermana logró su deseo al año siguiente, y se inscribió en la Academia suiza para preparar el examen de ingreso en la de bellas artes. �

De izquierda a derecha: “En la orilla del río Marne”, “Becanal (la lucha por el amor)” y “Bañistas”.

Joseph Mallord William Turner

Joseph Mallord William Turner � � � La popular confusión entre genialidad y locura es más patente que nunca en la biografía de Joseph Mallord William Turner (1775 -1851). Pintor académico en sus principios, Turner fue lenta pero imparablemente evolucionando hacia un estilo libre, atmosférico , en ocasiones esbozando incluso la abstracción, que fue incomprendido y rechazado por unos críticos que llevaban décadas admirándolo. El aparente caos que llenaba las últimas obras de Turner fue atacado por considerarse la obra de un demente. Se dice que la mismísima Reina Victoria se negó a concederle la orden de caballero porque consideraba que Turner estaba sencillamente loco. Turner inició sus estudios en la Royal Academy de Londres, recibiendo clases de artistas como Sir Josuah Reynolds o Paul Sandby. Desde el principio, sus pinturas y acuarelas son admiradas y reciben magníficas críticas. Por ello, Turner pronto se encuentra en una envidiable situación económica, lo que le permite realizar numerosos viajes. Durante la década de 1830, el estilo de Turner se fue haciendo cada vez más libre, con el uso de una paleta predominantemente clara. La culminación de todo este proceso es el sublime " Norham Castle: amanecer" (c. 1835 -40, Londres, Tate Gallery), donde casi toda forma reconocible queda diluida por la omnipresente luz del amanecer. Con su perfección técnica y su paleta extraordinariamente clara, la pintura recuerda más a una acuarela que a un óleo.

De izquierda a derecha: “Ulises se burla de Polifemo - Odisea de Homero”, “Tormenta de nieve: Aníbal y su ejército cruzando los Alpes” y “El muelle de Calais, con pescadores franceses, mientras llega el barco del correo inglés”:

Théodore Géricault

Théodore Géricault � � � Nace en el seno de una familia acomodada, pronto queda huérfano, lleva siempre una vida inquieta, azarosa y de aventuras. Su vida fu muy corta, ya que muere a los 33 años. Se hizo pintor porque era la mejor salida a su impulso. Su formación es muy irregular. Las primeras enseñanzas que recibió fueron muy elementales por parte de un pintor de batallas bastante mediocre. Luego pasó por el taller de Guerin, donde termina su formación irregular. Desde el principio dio muestras de rebeldía y no respetaba las reglas. Aunque su maestro fuera tolerante, pronto se dio cuenta de que su pasión por lo excesivo, y la pincelada empastada, lo que revelaba un marcado temperamento. En Italia queda fascinado por la figura de Miguel Ángel, le maravilló la Sixtina. También quedó impresionado por Caravaggio. En 1820 Géricault va a Londres. Allí pasó un año largo, le impactó el arte de Constable, también la pintura de caballos de Stubbs. La pasión por los caballos en Gran Bretaña, estimula su arte. Regresa a Francia hacia 1821 -1822, enferma, se cree que de cáncer de huesos. Vive alejado del mundo con visión trágica y pesimista de la vida. Así deriva hacia lo descarnado pintando retratos de gente enferma.

De izquierda a derecha: “La balsa de la medusa”, “Retrato de una mujer loca” y “Los Sueños De Akael”

ESCULTORES

Auguste Rodin

Auguste Rodin (1840 -1917) nació en París en el seno de una familia modesta. Sus primeros años no fueron fáciles, no siendo admitido en la Escuela de Bellas Artes, tuvo que resignarse con asistir a la Petit Ecole de artes decorativas. Tampoco gozó de la comprensión de la crítica y su primer empleo fue como dibujante y modelador de escultura decorativa. � Su fama la alcanzó en 1877 con El despertar de la humanidad o Edad del Bronce. Fue muy criticada porque su realismo indujo a pensar que había sido fundida a partir de un modelo vivo. Es un desnudo masculino de tamaño natural. El joven, aunque le cuesta mantener su vigor, parece que va a lanzarse a la vida. Con la mano izquierda plegada parece contener la explosión de amor, de deseo y de esperanza anunciando lo que será la posterior producción de Rodin. �

De izquierda a derecha: “El pensador”, “El hombre de la nariz rota” y “El hombre que camina”.

Antoine Bourdelle

Antoine Bourdelle � � � Escultor francés. Hijo de un ebanista, comenzó a adquirir conocimientos prácticos de talla siendo aún niño, haciendo figuras en el taller de su padre. Gracias a estos conocimientos no le fue difícil ingresar en la Escuela de Bellas Artes de Toulouse. En 1884 pasó a estudiar por medio de una beca a la Escuela Superior de Bellas Artes, donde fue discípulo de Falguiére, Dalou y de Carpeaux. En 1893 recibió el encargo de realizar el monumento commemorativo de la guerra en Montauban. En esta época su obra estaba muy influida por Rodin, a quien había conocido en París, y con quien trabajó como ayudante desde 1893 a 1898. Sin embargo, más tarde se reveló como un artista independiente, de categoría, desarrollando el estilo monumental al que debe gran parte de su fama. La originalidad de este artista ha quedado a veces ensombrecida por su relación con Rodin, pero su amplia influencia sobre otros escultores más jóvenes fue muy importante. Sus obras se inspiraban en los escultores románicos y en los de la Grecia arcaica. Entre las más famosas se cuentan Hércules arquero.

De izquierda a derecha: “Adán”, “Heracles arquero” y “Penélope”

David d'Angers

David d'Angers Pierre Jean David (12 de marzo de 1788 - 4 de enero de 1856), comúnmente llamado de David d'Angers, fue un escultor de Francia. � A los dieciocho años de edad David partió para París a estudiar artes, con solo once francos en su bolsillo. Tras año y medio sufriendo dificultades, obtuvo el premio ofrecido por la Ecole des Beaux-Arts. Además, su ciudad natal le concedió una anualidad de 600 francos en 1809. En 1811 David ganó el Premio de Roma con su relieve Epaminondas. Pasó cinco años en Roma, periodo en el cual su entusiasmo por las obras de Antonio Canova frecuentemente se mostraba excesivo. � La fama de David descansa inevitablemente en la escultura en mármol de su Filopemen Herido en el Panteón de París, conservado en el museo del Louvre, y su monumento al General Gobert en el Cementerio de Père-Lachaise. Además de la estatua de Gobert, también esculpió otras siete estatuas para mausoleos del mismo cementerio (por ejemplo, los bustos de bronce del escritor Honoré de Balzac y del médico Samuel Hahnemann). � En el Museo David de Angers hay una completa colección de sus trabajos, copias y moldes usados. �

De izquierda a derecha: “Filopemen herido”, “Barra” y “Gutenberg en Estrasburgo”

Antoine-Louis Barye

Antoine-Louis Barye � � Antoine-Louis Barye nació en París, el 24 de septiembre de 1795, donde pasó toda su vida. Situado muy cerca de Fourier, grabador de acero que fabrica matrices destinadas a las partes metálicas de los uniformes de la Gran Armada, se inicia en los oficios del tratamiento del metal y se convierte en un cincelador sin igual. Entra en la Escuela de Bellas Artes en 1818, donde recibe una formación clásica en el taller del escultor Bosio y del pintor Gros. Es en el año 1831 cuando se da a conocer al público con la exposición en el Salón de Tigre dévorant un gavial, obra revolucionaria y expresiva, que en seguida lo clasifica como primer escultor romántico, alter ego de Delacroix en pintura. Desde entonces no deja de producir obras maestras, a menudo de pequeñas dimensiones, que van a enriquecer las colecciones de gabinetes de aficionados de ambos lados del Atlántico. Rompiendo completamente con los defensores del Gran Arte que reinan sobre los del Instituto, Barye abre una fundición y él mismo difunde su producción, con el empleo de las técnicas modernas de su época. Sus ideas republicanas no le impiden unirse a Ferdinand-Philippe d’Orléans, para el que lleva a cabo un máxime, obra maestra de las artes decorativas de la época, ni convertirse en el escultor casi oficial de Napoleón III, bajo cuyo reinado realizará obras monumentales como La Paix, La Force, La Guerre y L’Ordre para la decoración del nuevo Louvre, le Napoleón Ier d’Ajaccio, y una enorme estatua ecuestre que representa a Napoleón III, para la entrada del Louvre.

De izquierda a derecha: “León que mata una serpiente”, “Jinete árabe” y “Caballo turco”

Medardo Rosso

Medardo Rosso � Medardo Rosso (1858 -1928), escultor italiano, considerado uno de los máximos exponentes impresionistas. Tras sus estudios en Milán, marchó a París y trabajó en el estudio de J. Dalou. Entre 1890 y 1910 gozó de gran renombre en Europa por sus escenas de género, cabezas y retratos; sin embargo, cayó en el olvido antes de 1914. Se observa un especial interés por representar juegos de luces y sombras y utilizó materiales de fácil modelado (yeso, cera), con los que conseguía un mundo de matices que daban sensación de vida a sus obras, de concepción anti espacial e instantánea. La desintegración de las formas resulta evidente en su Impresión en un ómnibus, llegando más lejos en esta investigación del momento pasajero con Conversación en un jardín y Madame X. Su descubrimiento de que incluso el suceso más vulgar podía ser rico en matices psicológicos, expresados gracias a la luz, fuente de inspiración para los futuristas italianos.

De izquierda a derecha: “Maternidad”, “Chico enfermo” y “Niño ebreo”

Jerónimo Suñol

Jerónimo Suñol � � � Jerónimo Suñol (1840 -1902), escultor español. Su formación se llevó a cabo en la Escuela de la Lonja y en el taller de Vallmitjana, actividades que simultaneó con el trabajo en un taller de imaginería y viajes por Roma y Florencia. En 1864 presentó en la Exposición Nacional de Barcelona su obra Dante, escultura sobria y expresiva que ocupa por méritos propios un lugar relevante entre las obras significativas del Romanticismo español, que le valió la segunda medalla en la citada muestra y que fue adquirida por el Museo del Prado. En 1866 envió desde Roma las estatuas Petrarca e Himeneo, también de inspiración clasicista, por las que fue premiado en la Exposición Internacional de París con la primera medalla, con lo que se convirtió en uno de los primeros escultores de su tiempo. En 1867 obtuvo una beca para estudiar en Roma, donde pasó varios años; a su regreso a Barcelona se encontró con la terrible realidad de que había sido olvidado por el mundo artístico, así que decidió instalarse en Madrid de forma definitiva a partir de 1879; allí recibió varios encargos y realizó algunas obras de categoría, como el Monumento al Marqués de Salamanca o el de Cristóbal Colón, que se halla en la madrileña plaza del mismo nombre, en lo alto del pedestal realizado por Mélida. Su ingente producción se halla repartida principalmente entre Madrid y Barcelona. Entre sus obras destacan el Sepulcro del General O´Donnell, que se halla en las Salesas Reales, las estatuas de los Apóstoles de la Iglesia de San Francisco el Grande y el frontón para el Palacio de la Biblioteca y Museos nacionales que se realizó bajo proyecto suyo. Fue profesor en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y académico de la Real de Bellas Artes. Uno de sus discípulos, el también escultor Marinas, que fue su sucesor en la citada Academia, trazó una acertada semblanza moral y artística de su maestro en su discurso de ingreso, encomió de forma verdaderamente elogiosa las obras de un hombre que, a pesar de ser un gran escultor, no pudo encontrar su lugar en la época que le tocó vivir, y cuya obra, de auténtica calidad, pasó bastante ignorada ante el deplorable gusto de su época debido a sus afanes renovadores.

De izquierda a derecha: “Dante”, “Himeneo” y “Mausoleo de Leopoldo O'Donnell”

José Clará

José Clará � � Nació en Olot (Gerona) en 1878, fue un importante escultor español, enmarcado dentro del mediterraneísmo o también llamado novecentismo , una vanguardia artística de principios del siglo XX; comenzó sus estudios en la Escuela de dibujo de Olot. Más tarde, en 1897 Clarà ingresa a la afamada Escuela de Bellas Artes de Toulouse en Francia, dónde ganó una mención en un concurso, pero en 1890 decide marcharse a Paris, donde conoce a otros artistas como Auguste Rodin, y a quien sería su gran amigo, el escultor Arístides Maillol. Fue alumno de Louis-Ernest Barrias, y realiza dibujos de la bailarina Isadora Duncan, y de otra bailarina, Antonia Mercé “La Argentina”. Luego viaja a Londres e Italia, donde termina su formación, para convertirse en un renombrado escultor, con grandes exposiciones de varios países. En 1932 Jose Clarà regresa a Barcelona, donde trabaja hasta su muerte acaecida el 4 de noviembre de 1958 a la edad de 80 años. Su ultima escultura se llama “Estática”, gran parte de sus obras se encuentran en el Museo Comarcal de la Garrotxa en su ciudad natal Olot, y además en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona.

De izquierda a derecha: “La industria”, “Monumento a Pepín Rodríguez” y “La Diosa”.

Adolf von Hildebrand

Adolf von Hildebrand � Escultor alemán, estudia en Nuremberg y más tarde en Berlín. Contemporáneo de Rodin, representa una corriente de renovación clásica, pero con sencillez. Continúa sus estudios en Italia y permanece dos años en Florencia estudiando a los maestros clásicos italianos, que le influyeron notablemente. En su trabajo recupera los valores arquitectónicos de la época. En 1884 expone su obra La figura de hombre (Galería Nacional de Berlín). En 1893 escribe un famoso libro de teoría llamado El problema de la forma en el arte de la plástica (1893). Posee una visión urbanística y escultórica de grandes ciudades y avenidas que lo hacen uno de los predecesores de la planificación urbana contemporánea. Obtiene la medalla de oro en la Exposición Universal de París en 1900.

De izquierda a derecha: “Joven de pie”, “Muchacho pastor durmiendo” y “Lanzador”

Henry Spencer Moore

Henry Spencer Moore (1898 -1986) fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público. � Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen. � Su principal aportación la encontramos en las cavidades que poco a poco se van excavando en sus obras, cavidades que ocuparan un espacio cada vez mas importante. Precisamente su etapa madura estará caracterizada por la complementariedad entre forma y espacio. Sus obras tienen una escala monumental, en función de su ubicación generalmente al aire libre. �

De izquierda a derecha: “ West Wind”, “Family group” y “Reclining figure”

Pablo Emilio Gargallo Catalán

Pablo Emilio Gargallo Catalán � � Pablo Emilio Gargallo Catalán (1881 -1934). Escultor y pintor aragonés. Considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX. A lo largo de su carrera mantuvo simultáneamente dos estilos aparentemente muy distintos: uno clásico, relacionado con el modernismo en sus inicios y con el novecentismo, y un estilo vanguardista en el que experimenta con la desintegración del espacio y las formas y los nuevos materiales. Gargallo, influido por su amigo Julio González, desarrolló un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales de placas planas de metal, usando también papel y cartón. Algunas de estas esculturas tienen una tipo de minimalismo. Por la importancia que represento en la vanguardiaespañolae internacional, en 1985 se inauguró el Museo Pablo Gargallo en el Palacio Arguillo de Zaragoza.

De izquierda a derecha: “El profeta”, “kiki de montparnasse” y “La pareja”

Fotógrafos

Man Ray

Man Ray � � Man Ray (1890 -1976). Fotógrafo y pintor estadounidense. Cursó estudios de diseño industrial y de arquitectura. Su prolífica carrera comprendió actividades pictóricas, escultóricas y fotográficas. Tuvieron gran influencia sobre su obra la emblemática exposición del Armory Show (1913) y el contacto con artistas dadá afincados en Nueva York, como F. Picabia o M. Duchamp. En el ámbito de la fotografía, género al que se dedicó profesionalmente desde 1921, desarrolló técnicas nuevas, como el rayo grama o la solarización, y cultivó el retrato, la fotografía de moda y la imaginería abstracta. También experimentó con el surrealismo en el marco de su actividad como cineasta en filmes. Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayo gramas. Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas.

De izquierda a derecha: “El barco de papel”, “Lacrime di vetro” y “montage”

Brassai

Brassa � Gyula Halàz nació en 1899 en Brasso, Hungría (Tansilvania) Fotógrafo húngaro. Hijo de un profesor de literatura francesa, se siente influenciado por él hacia París. Llega a la fotografía como autodidacta, comienza estudiando bellas artes en Budapest (1918 -1919) y Berlín (1920 -1922) y muy temprano frecuenta los círculos formados en torno a Lázló Moholy-Nagy, Vasili Kandinski y Oscar Kokoschka. � En 1924 se trasladó a París como periodista y en 1925 entabló relaciones con Eugène Atget, quien se convertiría más tarde en una referencia constante. Primeramente trabaja como periodista, solicitando fotografías para acompañar sus artículos a fotógrafos como André Kertész. Hasta 1930 no se decide a realizar sus propias fotografías. Se hizo famoso por sus imágenes de París. En sus inicios su carrera la de un modesto reportero gráfico que se hizo más conocido al publicar escenas de la vida nocturna parisina, "Paris de nuit", en 1933. Algunos de sus trabajos más populares retrataban los cafés multitudinarios en París. Entre 1936 y 1963, Brassai ejerció como fotógrafo en el Harpers Bazaar. Fue íntimo amigo de Picasso, del que publicó numerosas fotografías suyas mientras trabajaba. Su obra fue publicada en la revista Minotaure. Fallece en 1984.

De izquierda a derecha: “Police station”, “Lovers in bistro” y “París”

George Eastman

George Eastman � � George Eastman (1854 -1932) Inventor e industrial norteamericano. En 1877 comenzó su carrera fotográfica al descubrir la fórmula por la que, al aplicar una emulsión de gelatina al cristal para hacer placas fotográficas secas, se obtenía de ellas una mayor sensibilidad y versatilidad que con las anteriores placas húmedas. Formó entonces la Eastman Dry Plate Company, con el fin de comercializar sus innovaciones. Buscó, asociándose William Walker, fabricante de cámaras fotográficas, un método fácil y económico de captar las imágenes. En 1884 patentó una película transparente y flexible montada sobre un soporte de papel. Esta primera película se enrollaba en un aparato montado en una cajita, a la que llamó Kodak, que comercializó por el módico precio de 25 dólares. Estas cámaras fotográficas se enviaban a la empresa fabricante para su recarga. Contrató al químico Henry Reichenbach y con él desarrolló el soporte ideal para sus emulsiones, una nueva película transparente llamada celuloide, y así en 1899 bastaba enviar el carrete utilizado. Se popularizó por entonces el "You press the button, we do the rest" (usted aprieta el botón, nosotros hacemos lo demás) utilizado como reclamo publicitario. Eastman llegó a ser un gran empresario. Organizó una empresa con el nombre de Eastman Kodak Company , que poco a poco fue adquiriendo las firmas rivales estadounidenses e irrumpió en los mercados europeos. Fue la primera empresa que implantó los servicios sanitarios y que repartió los beneficios con sus empleados. Además de inventor, se le puede calificar de tecnólogo, organizador, líder y sobre todo filántropo, ya que donó todas su pertenencias, más de 100 millones de dólares a instituciones médicas, artísticas, educativas y científicas. Inventó, además, la cámara Kodak Brownie en 1900, en 1923 la cámara de cine de 16 milímetros Cine-Kodak y en 1932 la cámara de 8 milímetros.

De izquierda a derecha: “Powerhouse Mechanic”, “Migrant mother” y “The singer building”

Ansel Adams

Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles. � Realizó grandes series de fotografías de numerosos parques, sobresaliendo, por conocidas, las de Yosemite National Park y Sierra Nevada. Simultaneó esta labor con procesos estrictamente comerciales encargados por las compañías de la época con vistas a calendarios, felicitaciones de Navidad y moda u otros. No le gustaba, pero le permitía seguir dedicándose de forma más libre a su pasión: fotografía de la naturaleza. � Ansel Adams creo el "sistema de zonas" un método de medición y revelado que utilizaba para dividir la gradación de luz en una escena en 10 zonas diferentes, del blanco al negro. � Murió en abril de 1984. �

De Izquierda a derecha: “Road Nevada deserts”, “Moonrise” y “rose and driftwood”

Cecil Beaton

Cecil Beaton � Cecil Walter Hardy Beaton (14 de enero de 1904, Londres - 18 de enero de 1980, Salisbury) fue un diseñador de vestuario y fotógrafo británico. Tuvo su primera cámara fotográfica a la edad de 11 años, haciendo sus pinitos al sacar retratos de sus hermanas. Influenciado en sus inicios por el pictoricismo característico de la fotografía de arte, se convirtió con posterioridad en el artista de la aristocracia británica.

De izquierda a derecha: “Norma Shearer”, “Symphony Silver” y “Marilyn Monroe”

Antoni Gaudí i Cornet

Antoni Gaudí i Cornet � � Antoni Gaudí i Cornet (Riudoms o Reus, 25 de junio de 1852 – Barcelona, 10 de junio de 1926) fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán. Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer. Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho. Gaudí también fue un destacado diseñador, tanto por las imaginativas forjas que caracterizan sus balcones y cancelas, como por el excepcional mobiliario que fabricó para distintos encargos privados. su obra ejerció innumerables influencias sobre las vanguardias históricas, entre las que destacan los paralelismos con el expresionismo alemán y la herencia recogida por Salvador Dalí y otros artistas del surrealismo.

De izquierda a derecha: “Parque Güell”, “Sagrada Familia” y “La Pedrera”

Alexandre Gustave Eiffel

Alexandre Gustave Eiffel � � � Alexandre Gustave Eiffel (15 de diciembre de 1832, Dijon - 27 de diciembre de 1923, París) fue un ingeniero francés, especialista en estructuras metálicas. El apellido Eiffel fue adoptado por uno de sus antepasados a principios del siglo XVIII, tomado de su lugar de nacimiento: Marmagen, en la región de Eiffel, ya que en francés no se podía pronunciar su verdadero nombre: Alessandre Gustaf Bönickhausen. No pudo ingresar en la École Polytechnique y estudió en la École Centrale de París, en la que se graduó como Ingeniero en 1855. Poco después empezó a trabajar en una empresa de equipos para ferrocarriles. En 1867 funda la consultora y constructora Eiffel et Cie. que adquirió un gran prestigio internacional en el uso del hierro, construyendo cientos de importantes estructuras (puentes, grúas, estaciones, etc. ). También construyó el viaducto de Garabit en Truyère, que tuvo el arco de mayor luz de su época (165 m). Su construcción más famosa es la Torre Eiffel. Construida entre los años 1887 y 1889 para la Exposición Universal de 1889 en París, Francia. Esta gran estructura de hierro, aparte de ser un símbolo parisino, llegaría a tener varios usos a lo largo de la historia. Por otro lado, no es tan sabido que él diseñó la estructura interna de la Estatua de la Libertad de Nueva York. Adquirió experiencia en la construcción diseñando puentes de hierro.

De izquierda a derecha: “Torre Eiffel”, “Viaducto Garabit” y “Estatua de la libertad (esqueleto)”

Walter Elias Disney

Walter Elias Disney � � Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 – Los Ángeles, California, 15 de diciembre de 1966), fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Fue el fundador, junto con su hermano Roy O. Disney, de The Walt Disney Company, empresa que en la actualidad genera unos ingresos anuales de 30. 000 millones de dólares, y el principal artífice de un estilo inconfundible de películas de dibujos animados. Un repetido rumor asegura que Disney era un emigrante europeo, probablemente español, que llegó a los Estados Unidos y que, más tarde, por temor a suspicacias, falseó su origen. También han sido mitificadas las circunstancias de su muerte: muchos creyeron que Disney había sido congelado con modernas técnicas de hibernación. Su cuerpo aún permanecería así con las constantes vitales suspendidas, a la espera de un futuro en que pudiese despertar y nuevos procedimientos quirúrgicos reparasen su salud. Pero la prosaica realidad es que el cadáver Disney fue incinerado por deseo de sus familiares. Inquieto e innovador por naturaleza, Disney pidió una cámara prestada y montó un modestísimo estudio en el garaje de su casa, en el que con la ayuda de Iwerks y trabajando por las noches, produjeron su primera película de dibujos animados. El filme tuvo aceptación y consiguieron nuevos encargos hasta que Disney, que todavía no había cumplido los veintiún años de edad, convenció a Iwerks para que volvieran a probar suerte como empresarios con una compañía a la que llamaron Laugh-O-Gram Films. Con una producción basada en cuentos tradicionales, las cosas les fueron bien hasta que la quiebra de su principal cliente los arrastró también a la bancarrota. Con la determinación de eliminar en lo sucesivo los intermediarios, Disney concibió durante un viaje en tren de Hollywood a Nueva York a Mortimer, un ratoncito rebautizado luego con el nombre de Mickey por sugerencia de su esposa y al que Iwerks dio forma. Así lo contó Disney, pero, en realidad, la paternidad de Mickey Mouse ha sido siempre motivo de polémica, y actualmente tiende a atribuirse el propio Iwerks.

De izquierda a derecha: “Mickey Mouse”, “Destino” y “Oswald, el conejo feliz”

Bob Kane

Kane � � � Bob Kane (nacido Robert Kahn, 24 de octubre de 1915 – 3 de noviembre de 1998) fue un dibujante y escritor estadounidense de cómics, considerado el creador del superhéroe Batman para DC Comics. Años más tarde, Kane reconoció que Bill Finger, escritor de su estudio, "contribuyó" en la creación del personaje. El historiador de cómics Ron Goulart se refiere a Batman en la Enciclopedia del comic book diciendo que es "creación del artista Bob Kane y del escritor Bill Finger". Según Kane, entre sus influencias para la invención del personaje se encuentran la actuación de Douglas Fairbanks como el Zorro, el diagrama del ornitóptero de Leonardo Da Vinci y la película The Bat Whispers (1930), basada en la novela de misterio The Circular Staircase de Mary Rinehart. En 1943, Kane abandonó los cómics de Batman para enfocarse en los dibujos diarios de Batman que se publicaban en los periódicos. En 1946, Kane regresó al cómic. Mientras su trabajo en los cómics disminuía en los años 60, Kane utilizó su estatus como creador de Batman para convertirse en una celebridad menor. Disfrutó de una carrera post-cómics como dibujante de animación para la televisión. Kane murió el 3 de noviembre de 1998, dejando una esposa (Elizabeth Sanders Kane, una actriz que apareció en tres películas de Batman), una hija y un nieto.

De izquierda a derecha: “Batman”, “Robin” y “Jocker”

Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock � � Alfred Joseph Hitchcock nace el 13/08/1899, nace en: Leytonstone, Londres Reino Unido, y muere en Los Angeles el: 28/04/1980. Hitchcock estudió con los jesuitas. En 1919 la Famous Player-Lasky abrió una sucursal británica y fue contratado como rotulista. Cuatro años después Michael Bacon creó una nueva compañía y Hitchcock trabajó en ella de chico para todo, fue rotulista, guionista, director de arte, ayudante de dirección, etc. En 1929 filmó La muchacha de Londres, su primera película hablada. A partir de 1934 empieza a rodar una serie de películas de suspense que le dan fama mundial y que fueron su pasaporte a Hollywood. Su última película la dirigió en 1976 bajo el título de La Trama. Un año antes de morir, 1979, recibió un homenaje del American Film Institute y es curioso señalar que aunque sus películas fueron galardonadas, Hitchcock nunca recibió un Oscar como mejor director. Solo pudo conseguir cinco nominaciones y una estatuilla honorífica. En 1980 falleció en Los Angeles. Rodó 23 largometrajes en sus quince primeros años y ya en ellos quedó definido su estilo fuertemente visual y lleno de golpes de efecto. Fue un director reconocido mundialmente e incluso Salvador Dalí colaboró con él pintando el fondo de un sueño amnésico en la película Recuerda.

De izquierda a derecha: “Psicosis”, “Con la muerte en los talones” y “La Trama”