40 Principales Pintura Escultura Fotografa Cine Pintura Pinturas

40 Principales

Pintura Escultura Fotografía Cine

Pintura

Pinturas anónimas a través de la historia Arte Rupestre (Bisonte saltando. Gruta de Altamira) Arte Egipcio (Retrato de dama de Tebas. Tumba de Menna) Arte Romano (Las tres Gracias. Pompeya) Arte Gótico (La Virgen de los Reyes)

LA PINTURA, SEGÚN LA ÉPOCA HISTÓRICA Y PINTORES MAS RELEVANTES • Quatrocento Veneciano: Bellini • Quatrocento Florentino: Botticelli • Cinquento: - Leonardo Da Vinci - Raffael - Miguel Ángel - Ticiano • S. XVI. Español: El Greco • El Luminismo: Caravaggio • S. XVII Español: - Murillo - Zurbarán - Velázquez • Escuela Flamenca. S. XVII. Rubens • S. XVII. Holanda. Rembrandt • Impresionismo: -Claude Monet - Renoir • Contra el Impresionismo: -Van Gogh • Cubismo: Picasso • Surrealismo: - Miro - Dali

Giovanni Bellini • Nació en la ciudad italiana de Venecia. • En su primera época, Bellini sufrió una gran influencia de su cuñado, Andrea Mantegna, de quien tomo la elocuencia de contornos muy marcados. De esta época es “La oración del huerto”. • Comenzó a tomar contacto con el óleo a través de la pintura flamenca y de la obra de Antonello de Mensina. • Su colorido adquirió mayor profundidad y se dedico a investigar las interacciones del color, luz, aire y materia mas a fondo. • En su última época, las líneas de los contornos empezarán a desaparecer gradualmente, para ser reemplazado por transiciones de luz y sombras. Un ejemplo de esta época es “Madona de los arbolitos”.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE BELLINI La transfiguración (1480) -Cuadro al óleo sobre tabla. -Mide 116 cm de alto y 154 cm de ancho - La nueva iconografía de Bellini es evidente en este Cristo que se trasfigura ante tres de los Apóstoles y entre Moisés y Elías, mientras una luz especial subraya el profundo misticismo del momento. - El paisaje incluye elementos arquitectónicos raveneses. -El espacio se ilumina subrayando el misticismo de la escena. Museo de Capodimonte de Nápoles

El Dux Leonardo Loredano (h. 1501 -1504) -Cuadro realizado al óleo y temple sobre tabla de álamo. -Mide 62 cm de alto y 45 cm de ancho. -Se trata de un retrato oficial, por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados. -Hay un gran equilibrio entre el detalle de joyas y tela y la representación fisonómica. -La cara es realista y expresiva, de una gran serenidad. Está un poco girada, efecto que consigue mediante las cintas que cuelgan de su tocado. Esa expresión de una observación distanciada, junto a la ausencia de un fondo concreto en el que ambientarse, hace que el cuadro recuerda a un icono. National Gallery de Londres, Reino Unido

El Festín de los dioses (1514) -Obra realizada al óleo sobre lienzo. Mide 170 cm de alto y 188 cm de ancho. - Fue pintado por encargo de Alfonso I de Este, el duque de Ferrara. - En estas obras del final de su vida se anuncia ya la típica pintura veneciana, con su predilección por el colorido y la luz. -A la muerte de Giovanni (1516), Tiziano modificó el paisaje a la izquierda para que hiciera juego con su obra La Bacanal, también en el camerino de Alfonso. - Es una de las pocas pinturas mitológicas del artista veneciano - Hay equilibrio entre el paisaje y las figuras. Galería Nacional de Arte, Washington DC

Sandro Botticelli -Alessandro di Mariano Filipepi; nacio en Florencia, 1445 -Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo. -De Filippo Lippi, maestro e inspirador de la obra de Botticelli, recibe sus mayores influencias: la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (herencia del estilo del Gótico tardío) y un estilo íntimo. -En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. -Botticelli ha permanecido ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su obra a mediados del siglo XIX.

OBRA MÁS IMPORTANTES DE BOTTICELLI El Nacimiento de Venus (1486) -Temple sobre lienzo. Longitud: 172, 5 cm Anchura 278, 5 cm. Renacimiento Italiano. - Es un tema tomado directamente de la obra Las metamorfosis de Ovidio. - Simbólicamente expresaría el nacimiento de la "Venus Humanitas", es decir, de la unidad, la armonía, encuadrada dentro de los tres elementos: tierra, mar y aire. - El análisis de la geometría de esta obra es particularmente interesante porque nos permite comprobar que la posición de Venus se ha desplazado con respecto a la línea central precisamente lo necesario para trasmitir una sensación de movimiento desde un punto de partida central, tal como lo exigen los céfiros, cuyo aliento empuja la concha hacia la playa. Galeria Uffizí, Ciudad Florencia (Italia)

Italia La Primavera (1478) -Realizado al temple sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho. -Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes. -La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. -La visión de Botticelli está centrada sobre las líneas de los contornos. En esta preferencia por las líneas más que por las masas y los colores reside su límite; pero constituye al mismo tiempo el motivo de su fuerza y de su gloria. Galeria Uffizí, Ciudad Florencia (Italia)

Marte y Venus (1485) National Galery de Londres, Reino Unido -Realizado al temple y óleo sobre tabla de álamo. Mide 69 cm de alto y 173 cm de ancho. -Esta pintura fue posiblemente encargada con ocasión de una boda de la familia Vespucci -A pesar de la dificultad del formato, Botticelli logra una composición genial. Por un lado, las figuras de Venus y Marte están tendidos en posición simétrica. Entre ellos, un triángulo invertido cerrado por la lanza que llevan los tres faunos. Por otro lado, hay pasividad y actividad en ambas figuras. Marte está pasivo, pues duerme, mientras Venus, vigilante, está activa; por contraposición, la diagonal que traza el cuerpo de Venus, desde lo alto de la izquierda hacia abajo, muestra reposo, mientras que la línea oblicua de Marte, que desde abajo a la izquierda asciende hasta arriba a la derecha, es claramente activa.

Leonardo Da Vinci -Nace el 15 de abril de 1452 en el pueblo de Vinci, situado en la ribera derecha del Arno, cerca de los montes Albanos, entre Florencia y Pisa. - Fue un pintor florentino y polímata (a la vez artísta, científico, ingeniero, inventor, anatomista, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor). - A los 14 años ingresa al taller de Andrea de Verocchio, gran pintor, orfebre y escultor de la época. Se especializa en la pintura de retablos y en la escultura en bronce y mármol. -El duque de Milán, Ludovico Sforza, decide contar con los servicios del genio florentino, luego de que Leonardo da Vinci se los ofreciera. -Durante esos 17 años llevó a cabo proyectos de toda índole, participando como ingeniero en las conflagraciones llevadas a cabo por el Duque, así como en la invención de interesantes mecanismos. -Pasa un año en Roma y en el año 1502 entra al servicio de Cesar Borgia, hijo del Papa Alejandro VI. Interviene en las obras de construcción de las fortalezas papales. -Leonardo da Vinci es considerado el mayor genio de la historia de la humanidad por la perfección en el manejo de los colores y la estructura (fue el primero en plasmar en sus pinturas la distorsión producida por el aire en los objetos).

LEONARDO DA VINCI COMO INVENTOR Y SUS OBRAS MAS IMPORTANTES SUS INVENTOS SUS OBRAS -La Gioconda, Retrato de Mona Lisa -Bomba centrífuga -San Jerónimo -Cañón que se carga por la culata -Madona de las Rocas -Tornillo cónico -La Última Cena (Fresco famosísimo realizado en -Transmisión correas el refectorio de Santa María delle Grazie, -Draga para construcción de canales en Milán). -Cadena de eslabones Llamado también la Santa Cena -Tornillo sin fin -Retrato de un músico -Submarino -Estudio de las proporciones del cuerpo humano -Compás -La Virgen y el Niño con Santa Ana -Aparato para bobinar y torcer la seda -La Madona del Clavel -Huso -Isabella d'Este -Lanzadera -La Virgen, el Niño con el cordero y Santa Ana -Paracaídas -Santa Ana, la Virgen, el Niño y San Juan niño -Tubo de lámpara -Retrato de la Dama con un armiño -Corredera para barcos -Retrato de Ludovico el Moro También hay que comentar el dibujo del hombre De Vitruvio El tornillo aéreo (arriba), 1486 considerado como el antecesor del helicóptero.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE LEONARDO DA VINCI La Virgen de las Rocas(1486 - 1503) -Es óleo sobre tabla de dimensiones 198 X 123 cm - Usa la grisalla de forma suave, creando líneas blandas, las zonas más luminosas en blanco y las más oscuras están sombreadas, posteriormente aplica el color por veladuras transparentándose el claroscuro. Está técnica es semejante a la flamenca, ya que la degradación del color en la paleta no aparecerá hasta el siglo XVI con Giorgione. -las figuras forman un triángulo equilátero, cuyo vértice lógicamente es la Virgen, mientras que los lados vienen dados por Jesús y San Juan niño, y por un ángel al otro lado. - las cuatro cabezas están colocadas en un círculo, cuyo centro es el ombligo de la Virgen. Museo del Louvre, Paris. Francia El círculo implica movilidad en una composición equilibrada.

La Última Cena (1495 -1497) -Es un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho. -Representa el momento de la última cena que realiza Cristo con sus discípulos antes de ser apresado y vivir su pasión y muerte. -Se emplea aquí un principio de la composición clásica: la excesiva dimensión de las figuras en relación al espacio que las circunda. -Introduce dos fuentes de luz: una trasera proveniente de la ventana con una bella vista alpaisaje; la otra, del lado izquierdo, ofrecen a Leonardo la posibilidad de dar a su grupo de figuras un carácter de relieve El refectorio del convento dominico de Santa María de las Gracias en Milán

La Gioconda (Mona Lisa) (1503 -1506) -Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53. -La mujer retratada es Madonna Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo. Renacimiento Italiano. -La composición está formada por dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una composición triangular) y el paisaje. - La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles. - Hace un uso sombrío de la luz tanto en el retrato como en el paisaje. - Su postura es recta y erguida, transmite sensación de equilibrio. Viste ropa discreta, el pliegue de sus Museo del Louvre, de París. ropas está muy trabajado, y no lleva joyas, para que la atención del espectador no se desvíe hacia ellas y se centre exclusivamente en su belleza y en su enigmática sonrisa. -

Raffael - Nace en Urbino en 1483, hijo de un pintor no demasiado excelente, Giovanni de Santi. -fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. - Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales. -La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos. - Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia(1504 -1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los Papas y su corte. -Es hacia 1505 cuando se puede encontrar instalado a Rafael en Florencia, ciudad donde va a llevar a cabo un buen número de encargos, algunos de los cuales darán lugar a esas composiciones marianas que tanta fama le han otorgado, caso de la llamada Madonna del Gran Duque (1504), la Madonna del Jilguero (hacia 1506), la Madonna de Casa Colonna (sobre 1507), La Bella Jardinera (finalizada por Ghirlandaio) o la Madonna del Baldaquino

OBRAS MAS IMPORTANTES DE RAFAEL Madona del gran duque (1505) -Pintura al óleo, sobre tabla con unas dimensiones de 84 cm. de alto y 55 cm. de ancho. Renacimiento Italiano. -La composición piramidal con el vértice en la cabeza de La Virgen representa el gusto de las figuras cerradas y estables del clasicismo, donde las figuras geométricas son la base de la agrupación de los personajes del cuadro indicando el ideal del Renacimiento del mundo regido por el orden y las matemáticas. - La luz está suavemente graduada desde la zona central más iluminada hasta el oscuro fondo. Esta forma de plasmar la luz contribuye al modelado de las figuras, cuyo volumen está plenamente conseguido. Galería Palatina del Palacio Pitti, en Florencia, Italia. - Los colores son suaves y trasparentes y hay una gran fusión entre dibujo y color. El contorno de la figura está difuminado, una clara muestra de la influencia del “sfumato” de Leonardo.

Escuela de Atenea(1509 -1510) -Fresco con su base es de 7, 70 m y su altura de 5, 00 m. -Representa una serie de personajes, sabios, artistas, filósofos que están en el interior de un grandioso edificio decorado con columnas, nichos, estatuas y bajorrelieves que recuerdan el proyecto de Bramante para San Pedro. -Pertenece a la etapa romana de Rafael. Estancia de Rafael, Vaticano, Roma. Italia -Hay un punto de fuga central, situado entre las cabezas de las dos figuras centrales y la clave del arco del fondo, en él convergen las líneas que rigen toda la ordenación espacial El efecto de profundidad se acentúa aún más por el gran arco del luneto en el que se ubica el fresco. - La organización espacial es fundamental en esta obra en la que hay una potente presencia de la arquitectura. Se ha configurado un espacio tridimensional, en el que destaca la construcción en perspectiva de la bóveda bajo la cual tiene lugar la acción.

Encuentro de Atila con león Magno (1514) Estancias Vaticanas, Roma. Italia -Es un fresco con una anchura en la base de 750 cm. -Representa el triunfo de la Iglesia, representada por el papa León el Grande, - Resulta atractivo el contraste entre las dos frente a los bárbaros, en ese caso, Atila. zonas manifestándose serenidad en el -En segundo plano, a la derecha, aparece cortejo papal y un dinamismo una agitada multitud que transmite tremendamente expresivo en las tropas bárbaras, destacando los caballos en escorzo dinamismo al cuadro. y el propio Atila en una posición -El cromatismo está limitado, tremendamente forzada sobre su caballo básicamente, al rojo, el amarillo y el negro. A diferencia de las demás escenas, marrón. Sanzio ha prescindido de la simetría, recurriendo a un esquema asimétrico que se utilizará en la sala del Incendia del Borgo.

Miguel Angel (Michelangelo) -Fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, de esencia florentino mantuvo sus lazos con Florencia su arte y su cultura. La mayor parte de su madurez la pasó en Roma, trabajando en los encargos de los continuados papas. -A los 13 años de edad ingresa en el taller de Doménico Ghirlandaio para aprender a pintar y dedicarse a ese oficio, su instrucción duraría tres meses , este es el taller de uno de los principales maestros de Florencia de finales del quatrocento. -Con Ghirlandaio podía aprender todos los recursos técnicos del oficio, una consistente técnica para la pintura de frescos y adriestarse en el arte del dibujo. Pero sus ideas eran diferentas. En vez de adquirir la sencilla manera de este, se dedicó a estudiar las obras de los grandes maestros del pasado, como Giotto, Massacio, Donatello. -Renacimiento Italiano.

Tondo Doni(1504 -1505) -Conocido también como La Sagrada Familia. -Pintura al temple y una disposición circular de 120 cm de diámetro. -La pintó para Agnolo Doni, como regalo de bodas Galeria Uffizí, Ciudad Florencia (Italia) -Usado los colores desde los más intensos a los más livianos, lo que produce la luminosidad especial del color en la obra. -Una composición en forma piramidal de las figuras principales. La base de la línea triangular es la marcada por las piernas de la Virgen colocada de rodillas. -En cuanto a la composición, al margen de las reminiscencias iconográficas a las que haremos referencia, debemos señalar la opción del uso de la medición aurea del conjunto de tal forma que todo queda ensamblado en una lógica numérica que aporta á la pintura una imagen de orden y medida gracias a la sección Aurea o número dorado.

La creación de Adán (1511) -Las escenas de la creación son las últimas que llevó a cabo el artista en la bóveda. - Su disposición es más amplia, la intesidad del tono de los colores es mayor y la búsqueda de un efecto de bulto redondo y del espacio es también mayor. - Los colores de la creación de Adán resaltan por las armonías que establece entre los tonos cálidos y los tonos fríos: los rosados y marrones del desnudo resaltan sobre el verde azulado del suelo sobre el que yace Adán; mientras que en al figura del Creador predominan los tonos rosa- violáceo de la ropa que resaltan sobre el fondo oscuro y la profundidad del manto. Fresco en el techo de la Capilla Sixtina. Roma, Italia

La Conversión de San Pablo (1549) -Mide 6, 25 m. de alto y 6, 61 metros de ancho - Esta rebuscada composición le obliga a situar en primer plano unas figuras cortadas por la mitad, soldados que huyen o ángeles que vuelan. Capilla Paolina del Palacio Apostólico (Ciudad del Vaticano). Roma -El esquema del fresco evidencia la división en dos zonas: terrestre y celestial, con la figura del caballo en perspectiva y el grupo circular en el centro, alrededor de San Pablo, cegado por la luz de la revelación. -utiliza colores delicados, violetas, grises perlados, rosados, ocres, blancos, a veces demasiado pálidos, a veces ásperos y estridentes, siguiendo un ritmo irregular y discontínuo, como el de las figuras que se ordenan según diagonales o arcos de círculo, que finalmente se funden en el claroscuro y se conjugan con el fondo. -Aparecen aquí personajes solitarios, imbuidos de una melancolía nueva, cosa muy rara en el artista, quien básicamente se interesaba por figuras y no el color.

Tiziano -Pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela Veneciana. Renacimiento Italiano. -Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes(dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. -Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano. -Sin embargo, a la edad de 10 años, Tiziano y su hermano mayor, Francesco, acudieron a Venecia para ingresar como aprendices en el taller de Sebastiano Zuccato, un famoso mosaiquista. Debido a su incipiente talento, en el transcurso de tres o cuatro años, entró en el estudio del venerable pintor Giovanni Bellini.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE TIZIANO La Bacanal(1518 -1519) -Óleo sobre lienzo. Con unas dimensiones de 175 cm. x 193 cm. Manierismo -Tiziano ilustra el tema mitológico de Ariadna que al despertarse descubre que ha sido abandonada por Teseo quien se aleja en un velero. -Todo es una exaltación del color, movimiento y luz. El paisaje se trata con una tonalidad muy luminosa, que destaca en los brillos de las telas y los objetos secundarios. Museo del Prado. Madrid -Es una composición aparentemente caótica que tiene como centro la jarra de cristal elevada por encima de los componentes de la escena, como una referencia simbólica.

Pala Pesaro(1519 -1526) -Óleo sobre lienzo. Con unas dimensiones de 478 x 270 cm. Manierismo -En el cuadro se ve a Jacopo Pesaro (en la esquina inferior derecha), quién encargó el cuadro, y a algunos miembros de su familia siendo presentados a la Virgen, que se encuentra sentada en un trono con el niño jesús. -La escena se presenta en un gran edificio, lo que - impide ver el paisaje de fondo claramente. Dos grandes columnas le dan estructura vertical a la obra. - La disposición de las figuras y de sus miradas hace que no haya equilibrio ni simetría. Basílica de Santa María Gloriosa. Dei Frari. Venecia. Italia -El uso del color en esta obra nos muestra claramente la teoría del color y de perpestiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y personajes principales.

Carlos V de Mülhberg (1548). -Cuadro pintado al óleo sobre lienzo. 332 cm x 279 cm. -Representa al emperador de Alemania y rey de España, Carlos I, como triunfador en la Batalla de Mülhberg (24 de abril de 1547). -Realiza un bello contraste de tonalidades frías que aparecen al final, sugiriendo aires de tormenta o de fragor de la batalla, con los tonos cálidos, rojos y amarillos, del primer plano, que dan vigor y vida a la figura. -También destacara la perfección con que capta las diferentes calidades, desde el brillo de los metales, hasta la suavidad del terciopelo o el pelaje del animal. Museo del Prado, madrid. - La pincelada cada vez más suelta permitirá la captación atmosférica por parte del pintor.

El Greco -Nació el 1 de octubre de 1541 en Candía, Creta. Manierismo -El Greco fue un gran aficionado a la literatura clásica y a la de su época desde muy joven. Su producción de este período está vinculada a las tradiciones bizantinas, con influjos italianizantes. -Sobre el año 1566, El Greco viaja a Venecia, donde permanece hasta el año 1570. Allí El Greco recibió las influencias de Tiziano y Tintoretto. -El Greco llega a Toledo en la primavera de 1577. En Toledo El Greco desarrolló su personal manera de pintar. Manierista, pero de gran vigor expresivo, aparece también vinculado a la España de la Contrarreforma. -Sus obras con temas religiosas, los colores sombríos, y las expresiones solemnes contribuyen al carácter español del Greco. -El Greco quedó en España hasta su muerte en 1614.

OBRAS MAS IMPORTANTES DEL GRECO El Expolio (1577 -1579) -Es un Óleo sobre lienzo y mide 285 cm. de alto y 173 cm de ancho. -El tema del Expolio, se centra en el momento en que Jesucristo va a ser despojado de sus vestiduras al comienzo de la Pasión. -En esta obra, el punto central es Jesucristo, al que no afecta el gentío de alrededor y que mira al cielo con rostro de serenidad y de aceptamiento, con esa túnica tan llamativa de color rojo (el cual simboliza el sacrificio y el martirio). Sacristía de la Catedral de Toledo, España. -El rostro melancólico del Salvador queda violentamente yuxtapuesto a las figuras de sus ejecutores, que se amontonan en torno a él, creando una impresión de desorden con sus movimientos, gestos, picas y lanzas. -Tanto el modelado de las figuras como el cromatismo provienen de su época veneciana.

El hombre con la mano en el pecho (1584) - Es un óleo sobre lienzo. 81 cm × 66 cm. -La persona retratada es de identidad desconocida, aunque se le asocia a Juan de Silva marqués de Montemayor y notario mayor de Toledo. -Es uno de los retratos españoles más conocidos en el mundo. -Un caballero con la mano en el pecho mira al espectador como si hiciese un pacto con él. Museo del Prado. Madrid -En su tiempo se convirtió en la representación clásica y honorable del español del Siglo de oro. -Se evidencia los ricos matices en el ropaje oscuro, lo que confirma la influencia de la escuela veneciana.

El entierro del Conde de Orgaz (1587) -Óleo sobre lienzo. 4, 80 x 3, 60 m -El Greco lo pinta en plena madurez artística. -Tiene rigor arquitectónico y una unidad extraordinaria a pesar de los dos partes en las que está dividido. - En esta obra están presentes todos los elementos del lenguaje manierista del pintor: figuras alargadas, cuerpos vigorosos, escorzos inverosímiles, colores brillantes y ácidos, uso arbitrario de luces y sombras para marcar las distancias entre los diferentes planos, etc. Iglesia de Santo Tomé, Toledo -no existe profundidad en la escena, por lo que no observamos ni suelo, ni fondo, ni casi podemos afirmar que la escena se representa al aire libre o en el interior de una cripta.

Caravaggio -Fue un pintor italiano(1571) activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. -Aprendió el arte pictórico de un maestro de segunda fila, Simone Peterzano, y sobre todo a partir del estudio de las obras de algunos artistas venecianos. -Fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. -Eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa. -Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta. -Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió ante todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE CARAVAGGIO La Vocación de San Mateo (1599) -Cuadro al óleo sobre lienzo. 3, 38 m × 3, 48 m. Barroco -Se ha ejecutado en torno a dos planos paralelos: el superior, ocupado sólo por una ventana, y el inferior, en el que se representa el momento preciso en el que Cristo apuntando a San Mateo lo llama al apostolado. -Está dominada por una intensa acción dramática, tiene una composición muy estudiada y obtiene, con gran economía de medios, unos resultados espléndidos. Iglesia de San Luis de los Franceses. Roma -El brillo y la ventana con lienzo parece que sitúa la tabla puertas adentro. -Para acentuar la tensión dramática de la imagen y focalizar sobre el grupo de los protagonistas la atención del que mira, recurre al expediente de sumergir la escena en una penumbra cortada por rayos de luz blanca, que hace emerger los gestos, las manos, o parte de la ropa, y deja casi invisible el resto.

El entierro de Cristo (1602) -Óleo sobre lienzo. 330 cm. x 203 cm. Barroco -El centro de este gran lienzo lo ocupa el cuerpo desnudo de Cristo muerto, que en un plano horizontal divide el lienzo en dos tramos. -El Mesías muerto, se presenta totalmente humanizado y, es a la vez la fuente de luz del mismo, como si toda su carne fuese un foco permanente, acompañado también por la luminosidad de la tela blanca que lo sostiene. Museo Vaticano. Roma -Se trata de una obra plenamente tenebrista, en la que se prescinde del marco arquitectónico o paisajístico, siendo el fondo un lugar neutro, oscuro sobre el que se recortan las figuras de la escena, que es el único foco de interés del pintor.

La Resurrección de Lázaro (1609) -Pintura al óleo. 380 cm. x 270 cm. Barroco Italiano. -los pigmentos se oxidaron rápidamente, dando al cuadro un tono rojizo oscuro que nos impide apreciar las casi treinta figuras pintadas en él. -Fue un encargo de Giovanni Battista de Lazzari, en cuyo honor se eligió el tema de la resurrección de Lázaro. Museo Nacional de Mesina. Italia -El punto más destacable de la composición es el milagro, apreciable en dos detalles conmovedores. El primero es el acto en sí de la resurrección del muerto: Cristo ordena imperativamente con el brazo en escuadra que Lázaro se levante y camine. Lázaro, exánime entre los brazos de sus hermanas, aún está a medio camino entre la vida y la muerte, por lo que mientras su cuerpo y su cabeza caen pesadamente, su mano responde intuitivamente al señor, alzándose hacia la luz.

Murillo -Nació en 1617 en la ciudad de Sevilla. Barroco Español. -Se formó en el taller de su pariente Juan Castillo, respetado artista en Sevilla, donde pronto comenzó a destacar de entre sus discípulos. -Conoció bien la pintura flamenca, debido entre otras cosas a la posible relevancia de Sevilla como importante ciudad comercial, ya que esto favoreció el conocimiento exterior. -Se fue a Madrid y logró que Velásquez le abriera las puertas de los palacios reales de Madrid, Toledo y el Monasterio del Escorial con lo que pudo admirar y copiar grandes pinturas de diferentes maestros, educándose y perfeccionándose de este modo; además, Murillo trabajó en el estudio de Velásquez, regresando finalmente a Sevilla cuando convino que realmente estaba preparado. -En el 1660 intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera del Pozo. Allí trabó contacto con otros importantes pintores como Velázquez, Zurbarán y Alonso Cano y debió de tener acceso a las colecciones de pintura del Palacio del buen Retiro.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE MURILLO Sagrada Familia del Pajarito (1650) -Óleo sobre lienzo. 144 x 188 cm. Barroco naturalista. -El niño Jesús tiene agarrado un pájaro en la mano derecha. La escena es típica de Murillo: la vida cotidiana de una familia, todo revela esa elevación de lo humilde al rango de lo sacro (o viceversa) -El cuadro responde a la técnica tenebrista que se había puesto de moda en Sevilla. Hay un potente foco de luz que entra por nuestra izquierda y que incide sobre los tres rostros. Es un tenebrismo matizado: los rostros están perfectamente modelados. Museo del Prado. Madrid -El fondo uniforme, oscuro y neutro, no impide que nos demos cuenta de que la habitación es muy sencilla. Con esta suavidad de los rostros resaltan más los personajes sobre el fondo oscuro

Inmaculada del Escorial (1660) - Óleo sobre lienzo. 144 x 206 cm. Barroco -La figura muestra una línea ondulante que se remarca con las manos juntas a la altura del pecho pero desplazadas hacia su izquierda -Los ángeles aportan mayor dinamismo a la composición, creando una serie de diagonales paralelas con el manto de la Virgen. -La sensación atmosférica que Murillo consigue y la rápida pincelada indican la ejecución entre 1660 -65, pero debemos indicar que gracias al dibujo la figura no pierde monumentalidad, definiendo claramente los contornos. Museo del Prado. Madrid -El colorido vaporoso está tomado de Herrera del Pozo.

El Buen Pastor (1660) -Óleo sobre lienzo. 123 x 101 cm. Barroco español -El Niño Jesús se sitúa en un paisaje con una referencia arquitectónica al fondo, sentado sobre algunos restos clasicistas y dirigiendo su mirada al espectador -La composición se estructura con una pirámide característica del Renacimiento mientras que la pierna y la vara se ubican en diagonal para reforzar el ritmo del conjunto. Museo del Prado. Madrid -La atmósfera creada gracias a la iluminación y el colorido recuerdan a la escuela veneciana, aportando el maestro sevillano una idealización de las figuras que no aparece en sus escenas costumbristas.

Zurbaran -Fuente de Cantos, 1598 – Madrid. Pintor español. Barroco Español. - A los quince años Francisco de Zurbarán se trasladó a Sevilla, donde fue discípulo del pintor Pedro Díaz de Villanueva, y donde conoció a Velázquez. -Entre 1628 y 1629 llevó a cabo un ciclo de pinturas para el colegio franciscano de San Buenaventura. -El arte de Zurbarán aparece ya perfectamente definido, y se aprecian en su pintura la fuerza realista propia de los mejores pintores españoles de la época, su sentido de la ordenación y de la monumentalidad; el fondo oscuro de sus cuadros subraya ya entonces la presencia volumétrica de las figuras. -En 1634, participó en la decoración del salón de Reinos del Buen; durante este período, y siguiendo el ejemplo de Velázquez, renunció al tenebrismo; en el clasicismo toscano, influido a veces por los maestros venecianos, encontró un estilo acorde con sus aspiraciones.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE ZURBARAN Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco(1629) -Óleo sobre lienzo. 179 x 223 cm. -San Pedro Nolasco fue el fundador de la Orden de la Merced. -El pintor se caracteriza por la perfección con que realiza los hábitos de los monjes, especialmente los pliegues. -La luz anaranjada que envuelve al crucificado incide en la idea de visión sobrenatural, inundando la estancia oscura en la que se desarrolla la escena. Museo del Prado. Madrid -El realismo de ambas figuras y el contraste de luces y sombras son muestra de la influencia del Naturalismo tenebrista que trabaja Zurbarán. Al colocar a ambos santos muy cerca del espectador produce una sensación de cercanía hacia la aparición, intentando introducirle en la escena.

Apoteosis de Santo Tomás de Aquino (1631) -Óleo sobre lienzo. 480 x 379 cm. Barroco español - Zurbarán recibió el encargo de pintar esta Apoteosis, al tiempo que se le daban precisas instrucciones acerca de su ejecución: tamaño de la obra, colocación, tema, personajes, etc. - Esta es una de las obras del autor más conseguidas construcciones plásticas, pues con sencillez resuelve la complejidad de disponer dos planos en cada uno de los dos estadios (el humano y el celestial) que compartimentan en altura el lienzo. Museo BB. AA Sevilla -Santo Tomás y los Padres de la Iglesia del estadio celestial que lo acompañan reclaman el protagonismo del lienzo.

Adoración de los Magos (1639) -Óleo sobre lienzo. 264 x 176 cm. Barroco español -Esta Adoración se pintó para la Cartuja de Nuestra Señora de la Defensión, en Jerez de la Frontera. -Cada uno de los reyes representa a un continente: Asia, África y Europa. Así mismo, cada uno de los reyes representa una de las edades del hombre. -Combina con gran efectismo el tenebrismo habitual en su paleta con dos focos de luz: la diurna al fondo, para crear un espacio abierto, y una artificial lateral que da de lleno en la calva de Melchor, el niño y su madre. Museo de Grenoble. Francia -La composición resulta algo forzada, pues la Sagrada Familia parece un poco relegada a un lateral, desplazada por la imponente presencia de los lujosos personajes y su séquito.

Velázquez -Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, pintor barroco español, nació en Sevilla en 1599. -A los once años inicia su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá hasta 1617, cuando ya es pintor independiente. -En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título de Pintor del Rey Felipe IV. -En 1629 viaja a Italia, donde realizará su segundo aprendizaje al estudiar las obras de Tiziano, Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. -De vuelta a Madrid sus cargos administrativos le absorbieron cada vez más. Felipe IV lo nombró Aposentador Real. -Velázquez deseaba alcanzar la nobleza y fue propuesto para la Orden de Santiago en 1658. -El surgimiento de Velázquez como pintor universal se produjo hacia 1850. En la segunda parte del siglo fue considerado como el realista supremo y el padre del arte moderno.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE VELÁZQUEZ Los Borrachos, El Triunfo de Baco (1628 -1629) -Óleo sobre lienzo. 165 x 188 cm. Barroco español. -Representa a Baco como el dios que obsequia al hombre con el vino, que lo libera, al menos de forma temporal, de sus problemas cotidianos. -La escena puede dividirse en dos mitades: la izquierda, con la figura de Baco muy iluminada y la derecha, con los borrachines, hombres de la calle, con un aire muy español. Museo del Prado. Madrid -Jugando con los brillos consigue dar relieve y texturas a la botella y al jarro creando un parecido con el bodegón.

La Rendición de Breda (1635) -Óleo sobre lienzo 307 x 367 cm. Barroco español. -Obra realizada para el Salón de Reinos del madrileño Palacio del Buen Retiro. -La composición está estructurada a través de dos rectángulos: uno para las figuras y otro para el paisaje. Los hombres se articulan a su vez a lo largo de un aspa en profundidad, cerrando dicho rectángulo con los caballos de los generales. Museo del Prado. Madrid -La técnica pictórica que utiliza aquí el artista no es siempre la misma sino que se adapta a la calidad de los materiales que representa, pudiendo ser bien compacta, como en la capa de la figura de la izquierda, bien suelta, como en la banda y armadura de Spínola.

Las Meninas(1656) -Óleo sobre lienzo 318 x 276 cm. Barroco español. -Es la obra más famosa de Velázquez. El tema central es la infanta Margarita de Austria, aunque la pintura representa también otros personajes, incluido el propio Velázquez. -El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, la perspectiva y la luz, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. Un espejo representado al fondo de la pintura refleja las imágenes del rey Felipe IV de España y su esposa Mariana de Austria. Museo del Prado. Madrid -Velázquez, en la composiciñon aurea de su cuadro, lo ordena con la mencionadad espiral, cuyo centro está situado sobre el pecho de la infanta Margarita, marcando con ello el centro visual de máximo interés y el significado simbólico del lugar reservado para los escogidos.

Rubens -Peter Paul Rubens. Nace en Siegen, actual Alemania, 1577. -Frecuentó la Escuela Latina de Rombant Verdonck donde conoció a Balthasar Moretus y se relacionó con los clásicos griegos y latinos, pero esta formación académica duró poco tiempo. -Su primer aprendizaje artístico se inició hacia 1591, siendo su maestro Tobias Veraecht , pintor de paisajes con el que apenas estuvo tiempo. -Se trasladó al taller de Adam Van Noort y luego al de Otto van Veen, uno de los mejores maestros en ese momento en Amberes y el que más influyó en su estilo juvenil, además de Holbein y Durero, cuyos grabados copiaba desde temprana edad. -En Roma tiene la primera oportunidad pública de demostrar sus dotes como pintor, ya que se le encarga la decoración de una capilla de la iglesia de Santa Croce in Gerusalemme de Roma. -Las obras pintadas por Rubens en la década de 1610 todavía presentan una significativa dependencia de la tradición Flamenca, aunque las novedades aprendidas en Italia empezarán a tomar fuerza con el paso del tiempo.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE RUBENS Adan y Eva (1598) -Óleo sobre tabla. 180, 3 x 158, 8 cm. Barroco Centroeuropeo. -El maestro casi se especializa en los desnudos, aportando un canon estético conocido como "rubeniano", pero aún no ha llegado a esas figuras entradas en carnes que le caracterizarán. -El dibujo que exhibe el maestro es de considerable calidad, así como el empleo de la luz, el color y la perspectiva, aunque deje cierto sabor a primitivo, en consonancia con la escuela flamenca. -La escena transmite gran serenidad y casi estatismo. Casa de Rubens (Rubenshuis), Amberes

Retrato ecuestre del Duque de Lerma(1603) -Óleo sobre lienzo. 283 x 200 cm. - El retrato es del hombre más poderoso de España durante el reinado de Felipe III: el duque de Lerma. -La situación frontal marca el escorzo de caballo y caballero, permitiendo ver al fondo una escena de batalla ya que sitúa el horizonte muy bajo. -Se observa el dibujismo característico de sus primeros años, con un detallismo maravilloso en la armadura o en los engarces del caballo. Museo del Prado. Madrid -Nos exhibe la altanería y el orgullo del valido, dando la impresión de arrollar al espectador al ser visto desde un ángulo bajo aprendido del Manierismo.

El Rapto de las hijas de Leucipo (1618 ) -Óleo sobre lienzo. 222 x 209 cm. Barroco Centroeuropeo. -Los hijos gemelos de Leda y Júpiter, Cástor y Polux, decidieron raptar, con ayuda de Cupido, a las hijas del rey de Mesenia, Leucipo, llamadas Hilaíra y Febe. -Las figuras se estructuran en dos diagonales entrelazadas, ocupando buena parte del espacio pictórico y en forma compacta, incluyéndose dentro de un círculo muy definido. Alte Pinakothen (Munich) -Su acentuado dinamismo refuerza el dramatismo de la escena, complementando las poses y los movimientos de los personajes.

Rembrandt -Rembrandt Harmenszoon van Rijn, pintor barroco Holandés, nace en Leiden en el 160. Barroco Centroeuropeo. -Inicia su aprendizaje artístico en su ciudad natal con un oscuro pintor llamado Jacob van Swanenburgh, en cuyo taller estuvo tres años. -Entre 1624 y 1625 continuó su aprendizaje en Amsterdam, esta vez en el taller de un pintor de mayor relieve, Pieter Lastman, de quien toma la influencia de Caravaggio y Elsheimer. -Abandona la exuberancia barroca pero se enriquece con un colorido vibrante y un enorme interés por el detalle, creando nuevas iconografías adecuadas a la mentalidad protestante y adultera. -De "manera áspera" se caracteriza sus últimas décadas, en la que la pincelada larga, empastada, será la principal protagonista, sin menospreciar el papel de la luz dorada, con la que consigue crear efectos atmosféricos de calidad insuperable, tomando como referencias a la Escuela Veneciana y Tiziano. 0

OBRAS MAS IMPORTANTES DE REMBRANDT Lapidación de San Esteban (1625) - Óleo sobre tabla. 89´ 5 x 124 cm. -Pintada en Leiden bajo la influencia de Pieter Lastman, su maestro. -La luz impacta de lleno en san Esteban y los hombres que le lanzan las piedras, resaltando sus gestos y expresiones, mostrando un amplio catálogo de reacciones humanas. Museo BB. AA Lyon -Las figuras ocupan toda la superficie de la tabla, destacando sus anatomías escultóricas y sus músculos en tensión. El movimiento y el dramatismo de la escena, elementos típicos del barroco, están en su momento culminante a pesar de tratarse de una obra juvenil.

La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp (1632) -Óleo sobre lienzo. 169´ 5 x 216 cm. - Retrato de grupo encargado en 1632 por el doctor Nicolaes Tulp. -Destaca el realismo de las figuras a través de sus expresiones: sorpresa, entusiasmo, atención. Museo Mauritshuis. Holanda - Las figuras apiñadas en torno al cadáver suponen una novedad, ya que en los retratos de grupo anteriores, se pintaba a las personas en fila; al colocarlas así, Rembrandt ofrece una mayor sensación de realismo. -Los contrastes lumínicos que provoca una luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja en profunda sombra el resto del espacio

La novia judía, Isaac y Rebeca(1666 ) -Óleo sobre lienzo. 121´ 5 x 166´ 5 cm. -Escena de un padre judío en el momento de despedirse de su hija que se va a casar. -La postura del hombre, al colocar el brazo tras la joven y la mano derecha a la altura del pecho, resulta bastante extraña, lo que acentúa aun más el enigma a la hora de interpretar el cuadro. Las miradas de ambas figuras no se relacionan entre sí, algo extraño en la pintura de Rembrandt. Rijksmuseum. Ámsterdam -El colorido es bastante vivo, con tonos rojizos y amarillos, mientras el fondo neutro es más oscuro, características comunes del tenebrismo. Conviene también destacar los detalles de las joyas de la muchacha, más elaboradas, que recuerdan el primer estilo del pintor.

Claude Monet -Claude Oscar Monet. Nace el 14 de noviembre de 1840 en Paris. -Recibió sus primeras lecciones artísticas en la escuela, de la mano de François-Charles Ochard, alumno del pintor neoclásico Jacques louis David. -En el 1859 acudió a la Académie Suisse, taller propiedad del alumno de David, Charles Suisse, quien ofrecía a sus alumnos absoluta libertad para trabajar ante modelos vivos. Aquí conocería a Pissarro, entablando ambos una estrecha amistad. Durante estancia empieza a tomar contacto con los realistas en la "Brasserie des Martyrs" donde Monet acude a realizar caricaturas para ganarse la vida. Se interesará por Courbet, al que poco después conocerá, sin renunciar a las enseñanzas de Delacroix o Daubigny. -. En el 1862 regresa a París, acudiendo al taller de Auguste Toulmouche. Este le aconsejó que acudiera al estudio de Charles Gleyre donde permaneció hasta 1864. Aquí conoció a tres compañeros con los que entabló estrecha amistad: Renoir, Sisley Bazille, intimando especialmente con este último. -Impresionismo pleno 1870 al 1910. Evolución el Expresionismo desde 1910.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE CLAUDE MONET Mujeres en el jardín (1866) -Óleo sobre lienzo. 255 x 205 cm. Impresionismo. - Las figuras son de tamaño natural, siendo Camille - la compañera del pintor - la protagonista de la imagen. Museo de Orsay. Paris -Esta composición es una de las más novedosas al incorporar importantes elementos que configuran la teoría impresionista de la luz y el color: recurre a los contrastes de color aprendidos de Delacroix; las sombras son de color tomando el malva como se aprecia claramente en la mujer que coge las flores; las pinceladas son cortas y rítmicas, aplicando los tonos con manchas; los colores están mezclados con blanco para aclararlos.

La playa de Trouville (1870) -Óleo sobre lienzo. 38 x 46 cm. Impresionismo -Las obras no pueden ser más espontáneas, como se pone de manifiesto en este caso. -Tomadas directamente del natural, Monet se interesa por captar efectos de luz y color dentro de la dinámica del Impresionismo, empleando sombras coloreadas. -Los colores de los vestidos de ambas damas exhiben un pronunciado contraste, muy relacionado con Manet. En cambio, la pincelada empastada y pesada recuerda a National G. , National Gallery de Londres Courbet, quien había sido el padrino de su boda celebrada ese año.

Nenúfares (1914) -Óleo sobre lienzo. 200 x 200 cm. Impresionismo. -Monet se construyó un impresionante jardín en su casa de Giverny decidió cultivar en él exóticos nenúfares importados de Japón. -La disposición de los nenúfares en el agua y los reflejos de los sauces son los únicos motivos interesantes para el artista, en un proceso de desaparición de la forma que es eliminada casi por completo. -Las pinceladas son cada vez más sueltas, trabajando con manchas de tonalidades oscuras que se animan con los colores de las ninfeas. Este Museo Nacional de Arte Occidental proceso de desaparición formal tendrá su de Tokio reacción en las imágenes de Cézanne primero y más tarde con el cubismo.

Renoir -Renoir, Pierre Auguste. Nació en Limoges, Francia en el 1841. - Perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. . El pintor Rafael tuvo una gran influencia en él. -Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet y Van Gogh. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del rococó, como Watteau. -En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Gorot.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE RENOIR Le Moulin de la Galette (1876) -Óleo sobre lienzo. 131 x 175 cm. Impresionismo - Su principal interés es representar a las diferentes figuras en un espacio ensombrecido con toques de luz, recurriendo a las tonalidades malvas para las sombras. -El efecto de multitud ha sido perfectamente logrado, recurriendo a dos perspectivas para la escena: el grupo del primer plano ha sido captado desde arriba mientras que las figuras que bailan al fondo se ven en una perspectiva frontal. Museo de Orsay. Paris -La composición se organiza a través de una diagonal y en diferentes planos paralelos que se alejan. Las figuras están ordenadas en dos círculos: el más compacto alrededor de la mesa y otro más abierto en torno a la pareja de bailarines.

Jeanne Samary (1877) - Óleo sobre lienzo. 56 x 47 cm. Impresionismo. -La modelo es la actriz de la "Comédie Française" Jeanne Samary. -Su mirada se dirige atentamente al espectador, destacando sus ojos claros y los labios pintados de "rouge". -El fondo sobre el que se recorta la figura está obtenido con rápidos trazos, al igual que el vestido o el busto de la joven, apreciándose la base dibujística que tanto entusiasmaba al pintor. Museo Pushkin (Moscú) -Los críticos consideran este retrato como el más impresionista de Renoir.

En el concierto (1880) -Óleo sobre lienzo. 100 x 80 cm. Impresionismo - Noche de ópera en el París de finales del siglo XIX. -La joven madre, vestida con un escotado traje negro , dirige su intensa mirada hacia el espectador. La hija, de blanco, está ajena al juego de miradas de su madre con el espectador. -El contraste de tonalidades blancas y negras resultaba muy habitual en la pintura de Manet, añadiendo Renoir un tercer tono para contrastar con los otros dos: el rojo del grueso telón de acceso al palco. La iluminación artificial aporta sombras coloreadas Sterling and Francine Clarck Art a la escena, realizada con una pincelada rápida y Institute. Williamstown fluida mientras que en las dos figuras podemos (Massachusets). EE. UU apreciar la facilidad del maestro para con el dibujo.

Van Gogh -Van Gogh, Vincent. Nació en Groot-Zunder, Holanda en el 1853. -Fue uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autoretratos y 148 acuarelas) y 1. 600 dibujos. -Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon von Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y perspectiva. -En La Haya, su primo, pintor de acuarelas Anton Mauve, le dio buenos consejos y le insistió en la importancia del aprendizaje de la perspectiva y el dibujo. Vincent realizó las primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando tonos apagados. -Utilizó los colores complementarios y todo esto le hizo abrirse a una expresión en su arte que no había sospechado en los Países Bajos. Pissarro también le explicó las nuevas teorías sobre la luz y el tratamiento divisionista de los tonos. El artista consiguió ir añadiendo colores más ricos y luminosos a su paleta, gracias a Signac, con quien trabajó en 1887. -El tesón y las gana que demostrará Vincent en suvida son encomiables y definen claramente la biografía de este magnífico pintor neoimpresionista.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE VAN GOGH Dormitorio de Van Gogh, Arles (1888) -Óleo sobre lienzo. 72 x 90 cm. Neoimpresionismo - La pequeña estancia está vista en perspectiva, marcando las líneas del suelo y de las paredes para crear el volumen de la habitación. Sin embargo, abandona las sombras y la textura tradicional, creando superficies planas de clara inspiración oriental. Mezcla de esta manera la tradición europea en la perspectiva con las simplificaciones japonesas, uniendo así sus dos fuentes de inspiración. Museo Nacional Van Gogh Amsterdam Holanda -Los tonos empleados son los más apreciados por Vincent; el amarillo y el azul aparecen en la mayor parte de su producción, convirtiéndose en sus tonalidades emblemáticas. Añade a estos colores pequeñas pinceladas de verde y rojo para jugar con los contrastes.

Doce Girasoles (1888) -Óleo sobre lienzo. 91 x 72 cm. Neoimpresionismo -Fue realizado por Van Gogh para la decoración de la casa amarilla en Arles. -El sencillo jarrón se sitúa sobre un espacio ocre, posiblemente una mesa, delimitado por una gruesa línea de la pared pintada en tonos verdoso -azulados. El jarrón también está delimitado por una línea similar. Bayerisches Nationalmuseum (Munich)Alemania -Los girasoles se distribuyen por el espacio de manera arbitraria, contrastando sus tonalidades con el fondo. La pincelada empleada por Van Gogh es muy rápida, aplicando el color con facetas - véase el jarrón donde se aprecian los toques de pincel - iniciando casi definitivamente una pincelada en espiral que caracterizará su pintura

Noche Estrellada (1889) -Óleo sobre lienzo. 73, 7 x 92, 1. Neoimpresionismo -Esta famosa escena resulta una de las más vigorosas y sugerentes realizadas por Vincent. - El pintor se encuentra recluido en el manicomio de Saint-Rémy desde el mes de mayo de 1889 y muestra en sus imágenes lo que contempla desde su ventana. -el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor, obtenido con una de las pinceladas más personales de la historia de la pintura. Museo de Arte Moderno de Nueva York -Las líneas del contorno de los edificios están marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonnismo empleada por Gauguin y Bernard.

Picasso -Pablo Ruiz Picasso. Nació en Málaga en el 1881. -Es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque. -Se traslada a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. -Se interesa por Cézanne y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura. -Picassso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres; durante una temporada va a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas. -El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE PICASSO Autorretrato con la paleta en la mano (1906) -Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. Cubismo -El empleo de las máscaras ibéricas como fuente, marcando la mandíbula y las orejas al tiempo que las sombras bajo la mejilla y la barbilla se interrumpen de manera brusca. - El cuerpo es volumétrico, casi arquitectónico, definido gracias a intensas líneas de color negro con las que consigue aportar mayor volumetría, tanto a la cabeza como al brazo. Sin embargo, el resto de la composición pertenece claramente al periodo rosa como podemos apreciar en la postura frontal de la figura o el colorido empleado, jugando con tonos rosas, azules, blancos y grises. Museo de Arte de Filadelfia. EE. UU Los ojos abiertos del artista parecen indicar la expectación sobre lo que pronto va a llegar: la revolución cubista.

Les Demoiselles d´Avignon (1907) -Óleo sobre lienzo. 245 x 235 cm. -La obra fue concebida como una sátira eróticoalegórica-literaria de las obras en boga relacionadas con la Arcadia. -Es patente la norma del antiguo Egipto en la figura de la izquierda, mientras que el arte ibérico influye en el modelado de las cabezas, algunas de las cuales fueron violentadas en el otoño, tras el contacto de Picasso con las esculturas africanas. -La figura, gracias a la multiplicidad de planos, puede verse de frente, de perfil y de espaldas a un tiempo, como la mujer en cuclillas de la derecha, con lo que se rompe el sentido del volumen y la Museo de Arte Moderno de Nueva York perspectiva tradicional.

Guernica (1937) Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía“. Madrid -Óleo sobre lienzo. 351 x 782 cm. - Divide el cuadro en cuatro partes iguales, donde irá colocando los distintos personajes del cuadro. La base de la composición es un triángulo de base muy ancha, que contiene las figuras más importantes, como el caballo, el guerrero muerto, la mujer agachada, y la mujer que sostiene la luz. Fuera del triángulo, las figuras colocadas a ambos lados (toro y madre con hijo muerto, a la izquierda, y mujer en llamas a la derecha) guardan simetría, y dan equilibrio a la composición. -Pintada por encargo del gobierno español, Picasso hace un cuadro monocromo, de impacto directo, como alegato contra la agresión fascista en España y contra la guerra en un sentido más amplio. -Tiene pocos elementos, pocos colores, ningún relieve y una carga expresiva muy fuerte. -Es un friso monocromo donde la muerte es el único protagonista, en un lenguaje propio que hace estallar el cubismo.

Miro -Miró, Joan. Nace en Barcelona 1893. - Comienza sus estudios sobre pintura en la Escuela de la Bellas Artes de la Lonja (1907), en la Escuela de Arte Francesc Galí (1912) y en el Círculo de San Lucas. -Tras realizar su primera muestra individual en las Galerías Dalmau (1918) de tinte fauvista y cubista, marcha a París en 1919. Allí conoce a Tzara y Max Jacob. -En 1925 se introduce en el mundo surrealista parisino, interviene en sus actos y exhibe obras con ellos. En los primeros años de la década de los 30, sufre una grave crisis creativa que le lleva a abandonar la pintura por el dibujo y el collage, comenzando la serie de las llamadas "construcciones" realizadas en tres dimensiones. - A mediados de esta década y hasta bien entrada la otra, inicia una fuerte relación con el ceramista catalán Lloréns Artigas, de cuyo trabajo en común saldrán obras tan conocidas como el Mural del Sol y la Luna para la sede de la UNESCO en París. Pero no será hasta los años 60 cuando la cerámica ocupe todo su tiempo; afición que será suplantada por la escultura a finales de los 60 y comienzos de los 70.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE MIRO La estrella Matutina (1940) -Témpera, gouache, huevo, óleo y pastel sobre papel. 38 x 46 cm. -La vida retirada favorece este proceso de introspección, en el cual tienen un papel esencial el cielo y la noche con sus astros. - Las Constelaciones, una serie formada por veintitrés aguadas sobre papel, parecen querer reflejar el orden del cosmos, con figuras ingrávidas que hacen referencia a la tierra y que comparten la existencia con una multiplicidad de signos celestes. Fundació Miró. Barcelona -Improvisa una figura que determinará la colocación de figuras adicionales hasta cubrir toda la superficie.

Mujer, pájaro, estrellas (1942) - Pastel y lápiz sobre papel. 106, 6 x 71, 1 cm. -Muestra un juego dinámico entre las notas fosforescentes y aterciopeladas del pastel y los delicados desarrollos lineales. - Las figuras se adaptan fácilmente, sin violencias, a unas notas cromáticas vibrantes y difuminadas, y encuentran sutiles correspondencias, como las manchas negras compartidas o los brazos de la mujer y las patas del pájaro que escenifican un contacto posible pero pasajero. Depósito Gallery K. AG -El cuerpo de la mujer, fijado sobre unos pies enormes, es un gran corazón de donde brota un tallo del que cuelga, como una flor, su cabeza, también con forma de corazón. El pájaro, en su vuelo, intercepta una estrella fugaz.

El oro del azur (1967) - Acrílico sobre tela. 205 x 173 cm. -Esta obra plasma la vigencia que para Miró tenían todavía los signos y símbolos de los años cuarenta como expresión de su concepción poética de la pintura. Fundació Miró. Barcelona -Estrellas, planetas, las configuraciones elementales de los personajes ineludibles (la mujer y el hombre, el principio femenino y el principio masculino) y, por encima de ellos, una línea ondulante, probablemente un pájaro que reinventa el horizonte, contribuyen a la definición espacial y ofrecen una nueva versión de la cosmología mironiana.

Dali -Dalí Domènech, Salvador. Nació en Figueres, Girona 11 -05 -1904 - En 1916 había conocido el impresionismo y el divisionismo a través de la colección que poesía el pintor Ramón Pichot. -En 1922 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde estudiaría hasta 1926. -Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. -Manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE DALI Los relojes blandos, La persistencia de la memoria(1931) -Óleo sobre lienzo. 24 x 33 cm -La teoría de Dalí sobre lo blando y lo duro encuentra en las estructuras de los relojes su máxima expresión, sobre todo como manifiesto del tiempo que se come y que come. Alude al aspecto que obsesiona al hombre del siglo XX: espacio-tiempo. -El reloj no sirve, no es materia, no funciona, de manera que aparece la estructura blanda simbolizando la idea pasional, vivencial y no racional, sobre la cabeza del gran masturbador como una masa viscosa, con un ojo, una pestaña y una gran nariz. Museo de Arte Moderno de Nueva York -Es el triunfo de los sueños que no están controlados por nada, es el canto al triunfo del deseo sobre la realidad.

Metamorfosis de Narciso (1937) -Oleo sobre lienzo. 50´ 8 x 78´ 3 cm. - Alude al mito de Narciso, quien se enamoró de su propia imagen y murió al intentar alcanzarla. No sigue al pie de la letra el mito, sino que lo alterna para expresar su mundo atormentado y conflictivo. - El pintor, al final del poema sobre este cuadro, escribía "Gala es mi narciso" dejando patente la importancia de ésta. Tate Gallery (Londres) -Acompañan la escena otros personajes absurdos del mundo surrealista. El perro se ha interpretado con un contenido erótico perteneciente a la película de Buñuel "Un chien andalou"; un grupo heterosexual; el dios de la nieve, etc.

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar (1944) - Ólero sobre lienzo. 51 x 41 cm. En esta "fotografía onírica pintada a mano", contemplamos un paisaje marino de lejanos horizontes y tranquilas aguas, quizás Port Lligat, en el que Gala es una vez más la protagonista de la escena. -En este sueño, que tiene lugar en plena luz del día, Dalí pretendía, "poner en imágenes por primera vez el descubrimiento de Freud del típico sueño con un argumento largo, consecuencia de la instantaneidad de un accidente que provoca el despertar. Así como la caída de una barra sobre el cuello de una persona dormida provoca simultáneamente su despertar y el final de un largo sueño que termina con la caída sobre ella de la cuchilla de una guillotina, el ruido de la abeja Museo Thyssen-Bornemisza, Madridprovoca aquí la sensación del picotazo que despertará a Gala"

Escultura

LA ESCULTURA -La palabra escultura viene del latín sculptura, que significa arte de esculpir. Esta disciplina representa a las figuras en sus tres dimensiones: alto, largo y ancho. Es decir, las esculturas tienen volumen y pueden ser apreciadas no sólo de frente sino desde distintos puntos. - Hay dos tipos de esculturas: las exentas y las en relieve. *Las exentas o de bulto redondo, son aquellas que al ser tridimensionales pueden ser observadas desde todos los ángulos: . Clases: Bustino, medio cuerpo, de tres cuarto, torso. . Según su posición: sedente, yacente, orante, oferente, ecuestre. *Las esculturas en relieve son figuras que destacan por sobre una superficie. -La materia sobre la cual trabaja el escultor suele ser barro, piedra, madera, marmol, bronce, hierro, marfil, plata , oro y de reciclaje. -Técnicas de la escultura: esculpir, modelar, vaciar, cincelar, repujar, grabar, estampar o troquelar, embutir, etc.

LA ESCULTURA A TRAVÉS DE LA HISTORIA PREHISTORIA MESOPOTAMIA EGIPTO GRIEGO La Venus de Willendorf Toro alado de Khorsabad Nefertiti en el museo de Berlín El Discobolo

ETAPAS DE LA ESCULTURA -Egipto. Men, Tutmose -Grecia y Roma. Fidias, Miron, Praxíteles -Románico y Gótico. Nicholau, Nicola Pisano, Alejo de Vahía -Renacimiento. Alonso Berruguete, El Greco, Miguel Ángel - Manierismo. Pietro Bernini, Leone Leoni -Barroco. Gian Lorenzo Bernini, Juan de Mesa -Rococo. Andrés Benítez y Perea, Innocenzo Spinazzi -Neoclásico. Antonio Canova, José Álvarez Cubero -Romanticismo. António Víctor de Figueiredo Bastos -Realismo. Muntaz Dhrami -Impresionismo. Auguste Rodin - Contemporaneo. Picasso, Chillida, Henry Moore, Calder -Vanguardismo. Pablo Gargallo, Julio González

Fidias -Atenas, h. 490 a. C. -? , 431 a. C. Escultor griego. -Fue el artista más famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. -Apenas se sabe nada de su formación, si bien se cree que tenía experiencia como grabador, pintor y repujador. -Vivió en la época de Pericles, estadista empeñado en hacer de la Acrópolis de Atenas un signo majestuoso de la grandeza de la ciudad, que se convirtió en el principal protector de Fidias, quien básicamente trabajó en y para Atenas. -Fidias sobresalió tanto en la escultura exenta como en el relieve. -Pero lo que engrandeció el nombre del artista ya en su tiempo y ha mantenido inalterada su fama a través de los siglos son las esculturas del Partenón, del 438 a. c.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE FIDIAS Atenea Lemnia -En ella Fidias marca el prototipo de Ateneaque será repetido en siglos posteriores. -La diosa vestía un peplos y portaba un casco corintio, lanza y escudo. Fue colocada a la entrada de la acrópolis de Atenas. -También en la acrópolis era de bronce y de dimensiones algo mayores al natural. - Su rostro es paradigmático del canon de belleza clásico basado en la nariz como órgano de proporción.

Procesión de las Panateas -Mármol. Altura: 102 cm. Procede del friso del Partenón. -Representa a las doncellas atenienses, hijas de las mejores familias, que ofrecen un peplo, tejido por ellas, a la diosa Atenea. -El ideal de la belleza, el sereno equilibrio, y el tratamiento de los pliegues es perfecto. Musée du Louvre, París - Hay que destacar además la perfección anatómica y la maestría en la técnica de “paños mojados”, así como la variedad de escenas que impiden que el friso sea monótono a pesar de sus dimensiones.

Atenea Parthenos -La obra original de Fidias tenía unas dimensiones que alcanzaban los 26 codos de altura (12 m aproximadamente, comprendido el pedestal, de 1, 50 m de alto). -La escultura fue montada sobre un núcleo de madera, cubierto con placas de bronce moldeadas y recubiertas a su vez con láminas de oro desmontables, salvo en las superficies de marfil de la cara y los brazos de la diosa. El oro pesaba 44 talentos, el equivalente de unos 1140 kg: la Atenea Partenos suponía una parte considerable del tesoro de Atenas Museo Arqueológico Nacional de Atenas - Fue la imagen de culto más renombrada de Atenas, considerada uno de los mayores logros del escultor más aclamado de la antigua Grecia. Fidias empezó su obra alrededor del 447 a. c. Lacares retiró las láminas de oro en el. 296 a. c. para pagar a sus tropas, y el bronce fue probablemente dorado más tarde.

Praxíteles -Nacido en Atenas hacia el 400 a. c. , formado junto a su padre Cefisodoto el viejo, desarrolló su máxima actividad artística entre los años 370 y 340. -Fue el más renombrado escultor clásico ático del s. IV a. c. Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualimo. Sus obras están caracterizadas por la llamada karis (gracia) ática y la llamada «curva praxiteliana» consistente en un elegante contrapposto. -Fue el primero en esculpir la forma femenina desnuda en una estatua a tamaño natural. -Cinco puntos de composición que parecen tener un origen praxiteliano: *Una línea muy flexible divide las figuras si se traza en el medio de arriba a abajo; todos tienden a estar reclinados. *Están adaptados para verse de frente y de espaldas, más que desde los lados. *Árboles, drapeados y otros elementos semejantes se usan como apoyo para las figuras de marmol, y se incluyen en el diseño en lugar de ser extraños a él. *Las caras aparecen en una vista tres cuartos. *La estatua se encontró en el mismo lugar en el que la describió Pausanias.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE PRAXÍTELES Hermes con el niño dionisio -Segunda mitad siglo IV ane. una escultura griega de mármol con una altura de 213 centímetros. -Se encontró en el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera donde servía como ornamentación. Se trata de una obra escultórica exenta, inspirada en la mitología griega. - Introduce un movimiento de atrás hacia delante, con un ligero juego de las piernas y una leve inclinación del tronco, con lo que toda la figura parece apoyarse en un casi imperceptible balanceo que elimina cualquier riesgo de rigidez o excesivo aplomo. -Si se hace un trazo de arriba a bajo, una línea muy flexible en forma de S divide las figuras. museo arqueológico de Olimpia

Afrodita de Cnido -Una de sus primeras obras, realizada en Atenas en torno al año 360 a. c. -La escultura representa a la diosa griega del amor, la belleza y la fertilidad femenina de Afrodita , prestándose a realizar, o tras haberlo efectuado, el baño ritual de las Eleusiadas. -Fue representada desnuda en actitudes personalmente íntimas. Tal actitud recibió el nombre de replegamiento intimistay se utilizó principalmente en la Antigüedad tanto por Praxíteles como por Escopas para representar a divinidades y personajes míticos en poses particularmente despreocupadas. -La vestidura y el ánfora, pese a la impresión opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte estructural, de manera que así el cuerpo puede "rotar" ligera y levemente hacia adelante y hacia la izquierda, casi en un gesto de, instintivo aunque despreocupado, pudor.

Apolo Sauróctono -Era una estatua de bronce y de tamaño natural del siglo IV a. C. -Representaba a Apolo en su adolescencia a punto de herir a un pequeño lagarto que trepaba por el tronco de un árbol. -La postura de Apolo conserva la característica curva praxiteliana en la cadera, compensada con el apoyo del peso sobre una de sus piernas y sobre el árbol. -El suave torso, por vez primera en la estatuaria griega, se desequilibra hasta no poderse sostener por sí solo: la ondulación del cuerpo, estructurada sabiamente por Policleto, y que en la Amazona de Berlín estaba a punto de perder su estabilidad, ahora ya se deshace en una bella curva continua, la curva praxitélica, que un árbol debe soportar. Copia. Museo del Louvre, París

Alejo de Vahía -Fue un escultor gótico de probable origen nórdico ya que su formación artística parece proceder de la zona del Bajo Rin. -Se estableció en España, donde desarrolló su actividad escultórica en un periodo de tiempo impreciso, comprendido entre 1475 y 1515. [ -No firmaba sus obras y su personalidad se ha reconstruido gracias a su estilo personal muy definido, y a un solo dato documental. Es, sin duda, el escultor con mayor obra conocida entre todos los que trabajan en Castilla a finales del siglo XV, pero a causa de su constancia en repetir esquemas y modelos -que, por otra parte, hace muy fácil el reconocimiento de sus obras- es muy difícil trazar una evolución estilística. -Tuvo relación con la ciudad de Oviedo, donde entre 1491 y 1497 intervino en la sillería de coro de su catedral junto a muchos maestros extranjeros. -su fracaso es patente en el momento en que se enfrenta con personalidades que, por cualquier tipo de razón, conocían el espíritu del Renacimiento.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE Alejo Vahía Cristo crucificado (1500) -Es una escultura en madera policromada. -Tratamiento anatómico característico, inciden en la expresividad, pero sin caer en deformaciones o en gesticulaciones. -Destaca especialmente el tratamiento de sus brazos, más inclinados de lo que es habitual en el siglo XV, que confiere al conjunto un especial dinamismo. Iglesia de San Francisco de Palencia -Lleva las manos cerradas alrededor de los clavos, pies cruzados en rotación interna y una gruesa corona de espino trenzado.

Sepulcro de Don Francisco Núñez, Abad de Husillos (1501) -Es un monumento funerario. Se encuentra ubicado en la nave del evangelio de la Catedral de Palencia, ocupando un nicho en el muro que delimita la capilla mayor. -La figura yacente apoya la cabeza en una abultada almohada y representa a un clérigo con bonete y casulla. En la mano llevaba una filacteria de la que actualmente sólo se conservan los extremos, pero en la que debía de figurar una inscripción en letras góticas. Catedral de San Antolín de Palencia -El frontal de la urna está ricamente decorado. Dividido por pináculos en tres compartimentos, se representa en cada uno de ellos una figura en relieve, cobijada por un doselete de motivos flamígeros.

Santa Ana Triple -Es una imagen en madera policromada. -La composición, cuidadosamente escalonada desde Santa Ana hasta el Niño, está basada en un sutil juego de triángulos, en el que el fruto y las miradas de los personajes obligan al espectador a establecer un movimiento y a dar fuerza a la significación. -Como en todas las obras del escultor caracteriza a este grupo la inmovilidad, las actitudes estereotipadas pero muy elegantes y la expresión hermética. Museo Catedralicio de Palencia -En origen, el grupo escultórico de Santa Ana Triple estuvo situado en la girola, en un pilar junto a la capilla de San Miguel, en un retablo del siglo XVI.

Alonso Berruguete -Escultor castellano del Manierismo, hijo del pintor Pedro Berruguete, es uno de los referentes fundamentales de la imageniería española del Renacimiento. -Aprendió pintura y escultura en el taller familiar; sus obras de entonces evidencian el contacto con los escultores activos en Castilla, fundamentalmente en Burgos, Ávila, valladolid y Palencia. Desde 1507 estuvo en Italia ampliando sus conocimientos de pintura, principalmente en Florencia, donde debió llegar hacia 1512. Allí es citado varias veces por Vasari, quien constata sus contactos con Bramante, Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci. Estuvo entre los manieristas toscanos discípulos de Andrea del Sarto y hay quien afirma que participó activamente en la génesis del Manierismo pictórico florentino. -En su obra hay una admiración profunda por la obra de Donatello, quien le inspira algunos tipos, y, desde luego, Miguel ángel , por sus volúmenes rotundos y la atormentada terribilitá de su obra final. De Leonardo da Vinci aprendió a individualizar los rostros, pese a lo cual todas las influencias confluyeron en un estilo muy personal y un temperamento fuertemente expresivo, que se refleja en sus figuras de un contorno llameante y anguloso que revive la estética del Gótico.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE BERRUGUETE Retablo de la Mejorada (1530) -El gran retablo de la Mejorada inicia la serie de sus obras escultóricas castellanas y es el punto de partida de su amplia labor de Berruguete en Valladolid y su entorno. -la obra de la Mejorada también marca su alejamiento del servicio real. Museo Nacional de Escultura (Valladolid) -Trasladado incompleto al Museo Nacional de Escultura de Valladolid, su estructura clasicista presenta bella decoración en sus superficies, y sus relieves de las calles laterales, como el de la Anunciación, muestran el sentido manierista de su composición o, como en el del Camino del Calvario, la gracia florentina del cortejo que domina sobre el dramatismo del tema.

Sillería alta de la catedral de Toledo (1539 -1543) -Las tablas para la sillería fueron trabajadas en madera de nogal; en este trabajo le ayudaron los grandes escultores Giralte y Villoldo; su participación fue realmente importante, sobre todo en la parte decorativa. Los críticos de arte hablan de esta obra como la más bella del escultor castellano, donde el genio del artista puede haber alcanzado la perfección. Se advierte un virtuosismo especial en los plegados de los paños con dobleces sinuosos. En los rostros de los personajes hay una expresión psicológica de los sentimientos de cada uno a modo de simbolismo. Esto hace que se les reconozca al instante. La figura de Eva es quizás la más representativa, carnal y bella, plenamente renacentista. En el trabajo de las tallas Berruguete tiene la gran habilidad de saber jugar con el claroscuro, valiéndose de esta técnica para realizar bellos efectos que aportan aún más calidad al conjunto.

Retablo de San Sebastián (1526) -La gran expresividad de sus figuras, sus formas y proporciones estilizadas, y la variedad de recursos emocionales enfatizados por el uso de la policromía configuran una opción radical donde se combinan, de forma dramática, las más refinadas licencias del Manierismo con unas actitudes patéticas en consonancia con los valores más expresivos de la tradición goticista. -Suponen un intento de sustituir el canon de Vigarny por otro más estilizado y alargado, dando pruebas de su interés por el tema de las proporciones, aunque éste fuera asumido con una intención antinormativa, típicamente manierista. El San Cristóbal y el Sacrificio de Isaac son sus compañeros. Museo Nacional de Escultura (Valladolid)

Miguel Angel -Nació en 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo. -Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. -empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. -entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una Cabeza de Fauno, en la actualidad desaparecida. -Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de La batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de Las Metamorfosis de Ovídio y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos. -(Ver también en pintores)

OBRAS MAS IMPORTANTES DE MIGUEL ANGEL David de Miguel Ángel (1501 -1504) - Renacimiento (Cinquettento). En Mármol. Con 4. 34 m de altura (pedestal incluído). -representa al rey David, a la espera del gigante Goliat. Se encuentra en reposo, concentrado. -El David de Miguel Ángel es una escultura de musculatura muy marcada, con una proporción casi perfecta. La cabeza es 1/8 partes del tamaño total del cuerpo mientras que la mano es extremadamente grande. Así, remarca los elementos más importantes de la escultura, la mano para marcar la acción y la cabeza para subrayar la mirada, la concentración. Galería de la Academia (Florencia) -El David se convirtió en un símbolo de la República, como un digno defensor de la misma, al igual que el David de la leyenda bíblica con su pueblo.

La Piedad (1498 -1499) -Arte renacentista. Mármol de Carrara 174 x 195 cm -Algo que caracteriza al arte renacentista y a Miguel Ángel es la armonía. Así, por ejemplo hay un contraste armonioso entre el brazo caído de Jesús y el brazo derecho de la Virgen. Otro rasgo armonioso es la diferencia entre el tratamiento de claroscuros de pliegues del vestido con la piel de Jesús, lisa. El último contraste son los ejes vertical y horizontal de las dos figuras. -la composición se engloba en un triángulo desde la cabeza de la Virgen hasta la base más ancha del conjunto. No hay que olvidar la relación entre el triángulo y la divinidad. Basílica de San Pedro del Vaticano (Roma) -Una técnica escultórica muy usada en el Renacimiento fue el sfumato. En este caso lo vemos en la forma de representar los músculas, que están como difuminados en la superficie

Moises (1513 -1516) -Es una esculturade mármol. -La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes, que provocan cierta tensión psíquica, se puede apreciar estudiando minuciosamente la escultura: la protuberancia de los músculos, la hinchazón de las venas, las grandes piernas, pesadas al empezar a moverse. -Tiene cuatro elementos neoplatónicos, la tierra, representada en la pierna con los pliegues de la ropa a modo de cueva. El aire cuando respira, se percibe en las aletas de su nariz, que se expanden. El agua representada en sus barbas a modo de cascada. El fuego representados con esos "cuernos“. Iglesia de San Pietro in Vincoli. Italia -La asombrosa mirada, llena de ira contenida, nos demuestra la llamada terribilita, característica del artista que daba a sus esculturas una gran personalidad. Sin embargo, es una ira contenida, es una escultura de sentido contemplativo.

Juan de Mesa -Juan de Mesa y Velasco (Córdoba, 1583 - Sevilla, 1627), escultor español del Barroco. -En el año 1606 se traslada a Sevilla, e ingresa en el taller del afamado imaginero Juan Martínez Montañéz, donde realiza o completa su formación. -Se inicia como imaginero en 1615 con una imagen de San José con Jesús de la mano, obra concertada con fray Alonso de la Concepción para realizar en, pues su policromía corresponde a una actuación posterior del S. XVIII. -Después de algunas obras menores comienza y se consolida su etapa más importante como gran imaginero de imágenes procesionales, que va de 1618 a 1623. -Sus imágenes de santos, como el San Juan procedente de la Cartuja de las Cuevas(1624) o el San Ramón de los Mercedarios de Señor San José (1626), ambos en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, mantienen personales características a lo largo de su carrera. Y ello a pesar de que ésta no se produce mediante un recorrido lineal y uniforme, sino dividida en ciclos Hernández Díaz. Algunos atribuyen las fases de inactividad a crisis repetidas de una enfermedad crónica que le atenazó hasta desembocar en una muerte relativamente temprana.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE JUAN DE MESA Jesús del Gran Poder (1620) -181 cm. Altura - Perla de la imaginería del Nazareno es el Jesús del Gran Poder, realizado en 1620 para la cofradía del Traspaso, de Sevilla, claramente influenciado por el Jesús de la Pasión de su maestro, Martínez Montañéz. -El estro de Juan de Mesa se muestra en esta escultura por su tremendo expresivismo. Sin la menor complacencia hedonista, la imagen está pensada para alcanzar la compasión. Iglesia de Jesús del Gran Poder de Sevilla --La talla del Gran Poder es del mismo año que la del Cristo de la Buena Muerte de los Estudiantes, y del mismo año asimismo que la del Cristo del Amor (tres espectaculares obras del reconocido Juan de Mesa).

Santísimo Cristo de la buena muerte -Tallado en madera Policromada en el año 1620, alcanza los 1, 76 m. de altura. -El Cristo de la buena muerte tiene tallada la cabeza sin Corona de espinas. Parece ser que el autor quedó muy satisfecho con ésta talla realizando dos copias de la misma. Una de ellas en 1621 que según María Elena Gómez moreno sitúa en la iglesia de San Isidro de Madrid y la segunda , de 1627, cuya ubicación no esta determinada. Hermandad de Los Estudiantes (Sevilla) -La autoría de la talla fue encontrada al desprendérsele la cabeza de su ensamble cuando el Cristo iba trasladado en vía crucis. En su Interior un papel con una leyenda “Ego feci Joannes de Mesa, anno 1920”.

Nazareno del Perdón -Una imagen muy poco conocida y estudiada por encontrarse en el convento de clausura de Santa María de Jesús. -muestra ciertas semejanzas con la obra Mesina y más concretamente con Jesús del Gran Poder o El Nazareno de la Rambla. -Ésos mechones izq. y dcha. que recuerda en su labrado al de Jesús del Gran Poder, el virtuoso modelado de pliegues como se pueden observar en otras obras, la oreja izq. descubierta y atravesándola una espina muy propio en la obra Mesina, la propia corona de espinas, las manos. . Convento de clausura de Santa María de Jesús (Sevilla)

Rodín -Auguste Rodín es considerado el escultor más importante desde Bernini. Natural de París, donde nació en 1840, su primera obra conocida es el Hombre de la nariz rota, escultura realizada con 24 años y que fue rechazada en el Salón de 1864. -fue un escultor francés contemporáneo a la corriente impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno» . -Su escultura se dividió en dos líneas distintas: la primera, a la cual denominó "alimentaria", era la escultura decorativa de la cual vivía y la segunda, más popular y transgresora, es conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental. -Había estudiado la anatomía no para ser dominado por ella, sino para usar el cuerpo humano como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE RODÍN Las Puertas del Infierno (1880) -Mide 6, 35 m de alto, 4 de ancho y 1 de profundidad. Contiene 180 figuras cuyas dimensiones fluctúan entre los 15 cm. y más de un 1 m. -Fueron encargadas en 1880 por Edmond Turquet a en nombre del estado, pero el proyecto quedó cancelado y permaneció en el taller del escultor que le fue haciendo añadidos hasta su muerte en 1917. Museo de Orsay. Paris -La iconografía está basada en La Divina Comedia de Dante y en los poemas de Baudelaire de su obra Las flores del Mal, tratando de realizar una gran alegoría del amor y la condena. -El papel de la luz, los claroscuros y la poco definida línea de sus figuras, que parecen inacabadas (al igual que Miguel Ángel), son elementos netamente modernos que nos permiten aproximarlo a los impresionistas y que determinan claramente su modernidad.

El Pensador (1880 -1900) -Es una de las más famosas esculturas en bronce de Rodín. 1, 98 x 1, 298 x 1, 34 m -Esta figura se ha transformado en un símbolo de la obra completa de Rodin. Originalmente colocada en el centro del arquitrabe de la Puerta del Infierno, esta figura estuvo pensada para ser Dante el cual domina la turba de los condenados llevados hacia el abismo. Encarna al hombre sobre su destino, y al creador sobre su creación. -es el más obvio ejemplo de la progresiva independencia que va teniendo Rodin, de Dante. Musée Rodin. Paris -La técnica de modelado es impresionista, pero se puede decir, que de cierta forma, el trabajo de la materia, la textura, es expresionista (por ejemplo, el hundimiento de los ojos tiene una muy fuerte expresión).

El Beso (1886) -183 cm. altura. Representa los amores de Paolo y Francesca, personajes del Infierno de Dante. -La composición revela una de las características más distintivas de Rodin: la no utilización de un punto de vista único, sino la visualización del conjunto desde varios observatorios. -Antes de crear la versión en mármol, Rodin produjo varias esculturas menores en yeso, terracota y bronce. Musée Rodin. Paris -la composición sigue un efecto en espiral: de la rugosidad de la piedra sin desbastar, surgen las piernas que ejercen un efecto de impulso ascendente a través de la posición de las tres rodillas; posteriormente, los brazos van cerrando la composición en un juego de líneas contrarias, hasta culminar la pirámide visual en la fusión de ambas cabezas en el beso.

Chillida -Eduardo Chillida (1924), un artista nacido en San Sebastián, con fama internacional como Tapies y uno de los primeros conocidos y premiados fuera de España. -Aunque estudió arquitectura, Chillida se dedicó a la escultura desde 1947 y sus primeras obras arrancan por un lado de la escultura primitiva -de la Grecia arcaica y los kouroi-, como la serie Torsos, de 1950, y de Henry Moore, al que conoció en sus viajes al extranjero. De la primera extrae la solidez y el aire totémico propios de ella, pero también de la escultura de vanguardia, y del segundo, la idea de monumento sólido. -En 1951, en Hernani, lleva a cabo un cambio importante: introduce el hierro, trabajando con un herrero en la forja. Allí Chillida encuentra sus raíces: las tradiciones vascas, propias de una sociedad rural y también la artesanía de esa sociedad. -La llamada de la arquitectura es cada vez más fuerte y, con los años, Chillida aumena la escala de sus esculturas, construyendo cobijos, lugares que tanto son esculturas como arquitecturas.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE CHILLIDA El peine del viento (1952 -1953) -Con una altura de 81 m. de hierro. un estilo propio del autor, mezcla de informalismo, minimalismo y land art -El lugar en el que se alzan las tres esculturas arboladas del Peine del Viento era ya hace 60 años el primitivo "yunque de sueños" del adolescente Eduardo Chillida. Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía" -Si el primer Peine del Viento, planos elementales de hierro ordenados en vertical, ofrece una sensación estática, el segundo despliega poderosos tentáculos que transmiten la impresión de fuerza y movimiento. En el Peine III, actualmente en la sede de la Unesco, en París, Chillida cierra los brazos y los condensa como si la acción del viento los hubiera fosilizado

Elogio del Agua (1987) -Medidas: 7, 2 x 12 x 6, 5 m. Peso: 54 toneladas -Materiales: Hormigón armado y acero. -La masa es en el Elogio del agua, es lo visible, lo que ocupa y define el espacio, podríamos decir en términos de Chillida, que es el volumen positivo del Elogio del agua. -no es una sencilla cáscara, es maciza. Este hecho nos alude a la lucha y triunfo de la artista con el gran peso de la escultura (54 toneladas). El carácter macizo de la obra acentúa su "autenticidad", en efecto, según Chilllida, este carácter es una cualidad intrínseca del material que es preciso respetar para que la obra sea auténtica; para el artista, Parc de la Creueta del Coll (Barcelona) hacer una obra no maciza supondría falsear la naturaleza de la materia y todo el planteamiento escultórico.

Elogio del horizonte (1989) -El material usado es hormigón armado, algo llamativo porque se supone que tiene características de pesadez. Sin embargo, aquí es liviano, como etéreo. El uso de hormigón y de bronce era característico en la escultura de Chillida. -La gigantesca escultura se erige sobre dos pilares de hormigón y sostiene una elipse casi cerrada. Ésta asemeja a unos brazos y simboliza la unión de la tierra y el cielo, el hombre frente al cosmos. Cerro de Santa Catalina (Gijón -Escultura, medio minimalista, abstracta, . . . pero sobre todo ligada a la naturaleza y al clima. Aquí, sólo con el título, evoca contemplar la vista maravillosa que hay desde ella.

Henry Moore -Escultor ingles conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público. -Aunque durante sus inicios Moore siguió el estilo románico de la época victoriana, posteriormente desarrolló un estilo propio, influido por varios artistas renacentista y góticostales como Miguel ángel, Giotto y Giovanni Pisano, así como por la cultura tolteca-maya. -Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo, [2] pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena. -Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas -La habilidad que adquirió en su madurez para cumplir encargos de obras de gran tamaño, tales como el West Wind en el edificio del Metro de Londres, lo hizo excepcionalmente rico.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE MOORE Figura reclinada en madera (1935 -36) -Esculturas metálicas en hierro y madera Estilo: Surrealismo. -Basadas en la figura humana, sintetizada en líneas curvas muy libres en las que juega sobre todo con el vacío. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo USA -La figura aparece reclinada a la manera de la escultura clásica, combinando el carácter reposado con elementos de energía y majestad. El juego de volúmenes que crea se relaciona con la arquitectura orgánica, por el desarrollo de los perfiles curvos y ondulados que definen un estudio muy cuidado de la naturaleza. -

Figura reclinada (1951) -Son obras figurativas, que representan generalmente personas reclinadas y en diferentes posiciones, generalmente mujeres. -La importancia de una escultura residía en su volumen, no en su temática ni en ninguna otra característica. La petricidad aludía al concepto de bloque primigenio, de bloque original. -muchas de las esculturas modernas no se llegan a entender por lo que el autor cobra mayor interés ya que sabe reflejar estados de ánimo en bloques.

Grupo de familia (1950) -El material que ha utilizado este escultor ha sido el bronce. -Esta escultura es exenta porque todos sus lados están trabajados, es independiente de todo porque no depende de ninguna superficie a la que este pegada. -es figurativo, porque podemos distinguir todos los elementos que hay en ella. La escultura está compuesta por tres elementos, se puede apreciar como estos elementos están formando una familia. Escuela de Barclay. Reino Unido -Las formas que predominan en esta escultura son formas redondas y líneas curvas, esto es debido ya que el escultor quiere transmitir naturalidad.

Gargallo -Pablo Emilio Gargallo Catalán. Nació en Maella, Zaragoza, 1881. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y sus primeros trabajos estuvieron vinculados a la tradición realista, inspirados, sobre todo, por las esculturas de Aristide Maillol. -En Barcelona, fue discípulo de Eusebi Arnau, para quien trabajó en su taller. En 1911 su tendencia artística experimentó un profundo cambio a raíz de su encuentro con Picasso durante una estancia en París: la influencia del arte primitivo estuvo presente en la realización de sus máscaras y de sus figuras de metal. -A lo largo de su carrera mantuvo simultáneamente dos estilos aparentemente muy distintos: uno clásico, relacionado con el modernismoen sus inicios y con el novecenticimo, y un estilo vanguardista en el que experimenta con la desintegración del espacio y las formas y los nuevos materiales. -En 1914 regresó a Barcelona, donde le fue asignada la cátedra de escultura de la Escuela Superior de Artes y Oficios, en la que ejerció hasta 1924. -Con el advenimiento de la dictadura de Primo de Rivera volvió a París, donde se afincó definitivamente. En su última etapa creativa, la pintura de Modigliani influyó en el desarrollo de sus figuras, de entre las cuales destaca El profeta (1933).

OBRAS MAS IMPORTANTES DE GARGALLO Gran Profeta (1933) - Bronce, 233 x 75 x 54 , planchas metálicas. Expresionismo -Al introducir vacíos, Gargallo proporciona una luminosidad diferente a sus creaciones. La luz incide dentro de la escultura, provocando una serie de claroscuros que en obras macizas no encontramos. Más aún se realza con el material usado, hierro, que brilla. -Representa a un profeta que está gritando, haciendo un gesto con el brazo de ira. No es una figura abstracta, sino figurativa, se ve perfectamente los rasgos aunque su rostros esté descompuesto en vacíos. -El bronce y el mármol los materiales más usados, Museo Pablo Gargallo, Zaragoza pero Gargallo prefiere el expresionismo del hierro, de mucha más dureza estética.

Academia (1933 -1934) -Bronce, 72 x 36, 5 x 50 -esta obra puede calificarse de cualquier modo menos de académica, independientemente de que sus características generales más evidentes a simple vista puedan inducir a pensarlo. Museo Pablo Gargallo, Zaragoza -Sin embargo, si la vista no es tan simple, inmediatamente se advierte la extraordinaria modernidad de su planteamiento (podríamos aceptar entonces la eventual existencia de un academicismo moderno, pero, en todo caso, el término es inaceptable para cualquier obra de Gargallo) y el personal e insuperable lenguaje plástico aplicado a su ejecución, absolutamente esencializado, libre de cualquier concesión anecdótica, riguroso en lo anatómico (la espalda podría contemplarse ad aeternam ) y plenamente depurado en lo formal y expresivo.

Urano (1933) -Bronce, 79, 5 x 110 x 31, 5 Museo Pablo Gargallo, Zaragoza - La pequeña figura masculina tumbada sobre la grupa del caballo está representada con alarde y variedad de recursos que ha dominado y personalizado en obras anteriores, de modo que los rizos del cabello se refieren a la antigüedad clásica, el brazo izquierdo y la pierna derecha están representados según la moderna figuración clasicista que le es propia, el antebrazo derecho y el vientre se han modelado en negativo, y en la cabeza, el abdomen y la pierna izquierda incorpora el vacío total y la síntesis más rigurosa, vacío implantado también con rotunda eficacia en el cuerpo y el tumultuoso fundamento de un caballo modelado, por lo demás, con fruición y opulencias barrocas

Fotografía

Fotografía -Es la ciencia y el arte de obtener imágenes duraderas por la acción de la luz. Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz. Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace pocos años una película sensible, mientras que en la actualidad, en la fotografía digital, se emplean, generalmente, sensores CCDy CMOS y memorias digitales. -Comienza en el año 1839, con la difusión mundial del procedimiento del daguerrotipo, desarrollado y perfeccionado por Daguerre, a partir de experiencias previas inéditas de Niépce. -Tipos: (Algunos) *F. estereoscópica. reproduce los objetos sobre una superficie plana *F. con luz infrarroja y ultravioleta. *F. aérea y orbital *F. Subacuática *Macrofotografía. fotografiar pequeñas cosas (insectos, organismos etc).

FOTOGRAFOS CONOCIDOS Olivier Grunewald Charles Ebbets Clyde Ansel Adams Cecil Beaton Eduardo Blanco Mendizábal

Olivier Grunewald - Nació en París en 1959. Empezó a fotografiar aves a la edad de 14 años. Fotografo y autor, con el objetivo principal de la naturaleza, paisajes y vida silvestre. -Estudió fotografía publicitaria comercial en la Escuela de Duendes de la imagen, en París. Después de sus estudios comenzó a trabajar como fotógrafo independiente que se especializa en deportes, montañismo y escalada en roca y continuó la escalada y la fotografía para los próximos 10 años con una mediana formato de cámara. Más adelante en su carrera pasó a un gran formato de la cámara y comenzó a centrarse más en la naturaleza salvaje, y un proyecto a largo plazo sobre los volcanes. -Viaja por toda la tierra y se colabora en proyectos con su esposa, Bernadette Gilbertas, geógrafo y periodista. También ha producido documentales sobre la Tierra Salvaje para la Ciencia y la revista Nature.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE GRUNEWALD El resplandor infernal de un lago de lava del volcán Ertale junto a la salida de la luna sobre el desierto de Danakil. En este volcán se alcanzan temperaturas de hasta 260 °C en la superficie y casi 600 ºC en las paredes En el Parque Nacional de Bemahara podemos encontrarnos con estas rocas y puntas erosionadas de piedra caliza a 90 metros de altura de un bosque. Aquí se concentran muchos investigadores en estudiar especies raras y en peligro de extinción de la isla.

Desierto de Atacama Este volcán del desierto de Atacama se eleva a más de 6. 000 metros de altitud y suele estar cubierto de nieve. Pero sus fumarolas nos recuerdan que el gigante blanco aún hierve. El origen morfológico de estratovolcán se remonta, al igual que su vecino gemelo (detrás), al catastrófico colapso de un antecesor común hace unos 10. 000 años.

En el desierto etíope de Danakil, una corriente caliente de agua termal transporta minerales coloristas. Éstos han sido arrastrandos a lo largo de dos kilómetros a través de una gruesa capa de sal. Dallol, el templo de la Sal en Etiopía Esta piscina termal, situada en el Parque Nacional de Yellowstone, contiene algas resistentes al calor y microorganismos, que son responsables de que reluzcan las aguas profundas. Volcán Morning Glory Pool en Estados Unidos

Charles Ebbets Clyde -Nació en Gadsden, Alabama. Compró su primera cámara a la edad de ocho años por el cargo a su cuenta de madres en una farmacia local. Comenzó su carrera durante la década de 1920 en San Petersburg, Florida, como una foto fija. -En 1927, el primer intento se hizo para recorrer la totalidad del camino de tierra desde Miami a Tampa llamado “Tamiami trail". Ebbets fue elegido para ser uno de los tres hombres haciendo el viaje por virtud de su amplio conocimiento de la región y la vida silvestre y su habilidad con la cámara para documentar la aventura para los periódicos y la Essex Motor Company, que patrocinó el viaje y coche. Las fotos de su éxito se realizaron en los periódicos de todo el país. -En la década de 1930 Ebbets fue un conocido fotógrafo de bien y tenía un trabajo publicado en los principales periódicos de todo el país incluyendo el New york times. En 1932, fue nombrado director de fotografía para el Rockefeller Center, que estaba en construcción en Nueva York. En septiembre de ese año, él tomaría la foto que más tarde definiría su trabajo La hora del almuerzo en lo alto de un rascacielo. En 1933, Ebbets regresó a Florida, donde fue a vivir y trabajar por el resto de su vida. Sus intereses se centran ahora en el crecimiento interesante de turismo en el estado, los únicos indios seminole y la vasta extensión de naturaleza virgen en el Everglades.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE EBBETS CLYDE La hora del almuerzo en lo alto de un rascacielos (1932) -Tomada durante la construcción del edificio de la RCA(renombrado como el edificio GE en 1986) en el Rockefeller Center. -La fotografía muestra a 11 hombres comiendo, sentados en una viga con los pies colgando cientos de pies por encima de la ciudad de Nueva York calles. -Ebbets tomó la foto el 29 de septiembre de 1932, y apareció en la New York Gerald Tribune foto en el suplemento Domingo 2 de octubre.

Descansando en una viga (1932) -Fueron tomadas durante la construcción del Rockefeller Center de Nueva York en 1932. -es una imagen de los mismos trabajadores tumbados en la misma viga mientras toman una siesta.

Ansel Adams - Nacido en San Francisco, 1902. -Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional de Yosemite en Estados unidos(entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dike, Imogen Cunningham y otros. -En 1930, Ansel Adams conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del estilo pictorialista y a encaminarse hacia el estilo de “straight photography”, donde la claridad de la lente es lo más importante, y donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible. -Luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por esto fue criticado.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE ANSEL ADAMS Monolith, The Face of Half Dome, 1927. Clearing Winter Storm, 1940

Ice on Ellery Lake, Sierra Nevada, 1941. Moonrise over Hernandez, New Mexico, 1941.

Georgia O'Keeffe and Orville Cox at Canyon de Chelly Aspens, New Mexico, 1958.

Cecil Beaton -Nació en Londres en 1904. Debido a sus grandes dotes conquista la fama a nivel mundial, como Fotógrafo y diseñador británico. -En 1915 le regalan su primera cámara fotográfica una Kodak 3 A de fuelle. Fue guiado por Alice Collard quien le enseñó las técnicas del revelado y fijado. -En 1924 se introdujo en el mundo de Vogue con un retrato retocado de su amigo George Rylands. Durante varios años después, reúne material suficiente y abre una exposición en el West End, en 1926 empieza a dedicarse exclusivamente a la fotografía. -En 1929 se queda en Nueva York, trabajando desde el estudio para la firma Vogue. -Hacia 1930 regresa con un gran triunfo a Londres donde escribe su primer libro "El libro de la belleza". Viaja hasta Hollywood donde gracias a su ingenio y aprovechando la deslumbrante luz de California y sus pintorescos claroscuros realiza una serie de retratos a grandes personajes, tales como; Gary Cooper, Johnny Weissmuller, Dolores del Rió.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE CECIL BEATON "La moda (y la belleza) son indestructibles“ (1941) -La ambigüedad de Beaton muestra en esta imagen. -una dosis de cinismo hedonista que sorprende por su aparente ligereza, sobre todo en la fecha en que está tomada la foto, 1941, en plena guerra mundial.

Vestidos de noche de Charles James(1948) Una de sus mejores fotos. Se trata de un estudio pictórico, inspirado en el rococó francés de Watteau. Esta compleja composición, de ocho modelos en traje de noche para la revista Vogue, fue considerada una obra maestra en su género.

Marilyn Monroe (1956) "Junto a ella te sientes primero sorprendido y después desarmado a causa de su absoluta falta de inhibición. Lo que a primera vista parece exhibicionismo está, sin embargo, compensado por una ansiosa inseguridad de fondo. "

Eduardo Blanco Mendizábal -Nació en Corella (Navarra) España en el año 1977. Reconoce que desde pequeño siempre le gustó estar en contacto con la naturaleza, y el mundo de la fotografía le atrajó pronto. Estudió Trabajos Forestales y posteriormente también de guía de naturaleza. -Con menos de 20 años compró su primera cámara reflex y de manera autodidacta, consiguió convertirse en un fotógrafo profesional de Naturaleza y Viajes. El paisaje, la etnografía, los animales y las plantas son sus pasiones. El hombre y su relación con el medio es un tema recurrente en sus fotografías. -formó parte del proyecto Objetivo Pura Vida junto con otros tres fotógrafos españoles: Cristobal Serrano, Isabel Díez y José Benito Ruiz. Tenían como misión dar a conocer el país centroamericano. -ha recibido numerosos galardones tales como Premio Especial FOTOCAM 2008 Caja Mediterráneo, Highlight en la categoría “El mundo de los mamíferos” en el concurso internacional Glanzlichter 2007 (Alemania), 1º, 2º y 3º Premio Postal de Navidad AEFONA 2006. Fue seleccionado con la mejor fotografía de paisaje publicada en la revista “Naturaleza Salvaje” durante el 2005, entre otros reconocimientos.

OBRAS MAS IMPORTANTES DE MENDIZÁBAL Costa Rica: Pelicanos al vuelo Cencellada en el soto.

PAISAJES NATURALES Capra Ibex Paisajes de Costa Rica

PAISAJES URBANOS

Cine

Cine -Es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo(o película, o filme). -La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto. -fue George Mèliés quien profundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. -Fue en ese mismo año 1927 cuando la Paaramount Picture crea la técnica cinematográfica conocida como doblaje. -Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de Rouben Mamoúlian , aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con “Lo que el viento se llevó".

EL CINE A TRAVES DE LA HISTORIA 1939 1990 1959 1997 2009

Luis García Berlanga -Nació en Valencia, 12 de junio de 1921. Fue guionista y director de cine español. -De joven, decidió estudiar derecho y luego Filosofía y Letras, pero más tarde, en 1947, cambió su vocación e ingresó en el Instituto de investigación y Experiencias Cinematográficas de Madrid. -Debutó como director en 1951 con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a éste, se le considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. -Su cine se caracteriza por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas. En la etapa de la dictadura franquista despuntó su habilidad para burlar la censura de la época con situaciones y diálogos no excesivamente explícitos pero de inteligente contra-lectura y consiguió llevar a cabo proyectos tan atrevidos como Los Jueves milagro. -Su película Plácido fue nominada para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961.

PELÍCULAS MAS IMPORTANTES DE BERLANGA Bienvenido, Mister Marshall (1953) -Argumernto: En los años 1950, un pequeño pueblo español, Villar del Río, se prepara recibir la presunta visita de los estadounidenses en pleno plan de ayuda al desarrollo. El pueblo ve una oportunidad y toda la vida social comienza a girar en torno a los norteamericanos. -En tono de sátira y crítica soterrada, habla de la situación política y económica de España en la época del rodaje, hecho inédito en la filmografía española hasta ese momento. -Una mordaz carga de profundidad contra Estados Unidos, rematada con la escena censurada de la bandera estadounidense hundiéndose en la acequia, que escandalizó a Edward G. Robinson durante su exhibición en Cannes.

Plácido (1961) -Argumento: En un pequeño pueblo del interior español, Ollas Cocinex patrocina una subasta a la que acuden artistas de Madrid Nochebuena para invitar a cenar a un pobre en casa de cada familia de ricos. Mientras Plácido, contratado para que recorra por la ciudad una estrella navideña en su recién estrenado motocarro, debe abonar la primera letra del modesto vehículo antes de la puesta de sol. -El film estuvo nominado al Óscar a la mejor película de Habla no inglesa. - La película surge a partir de una campaña ideada por el régimen franquista que, bajo el lema: "siente un pobre a su mesa", pretendía hacer crecer en el pueblo un sentimiento de caridad cristiana hacia los desheredados, pero que, en realidad, esconde una manera de limpiar las conciencias burguesas.

La vaquilla (1985) -Ofrece una visión grotesca de la Guerra Civil española, a través de una comedia protagonizada por un grupo de soldados republicanos infiltrados en zona nacional. -La cinta, primera película sobre la Guerra Civil Española en clave cómica, abandona los tópicos sobre el heroísmo guerrero de los bandos en pugna, mientras muestra el ángulo más absurdo de la guerra que causa enemistades brutales entre individuos agobiados por identicos problemas y dilemas. -resultó ser un producto difícil, contando con un presupuesto de 250 millones de pesetas (millón y medio de euros) y unos 500 extras.

Pedro Almodóvar -Pedro Almodóvar Caballero, nacio en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1949 es un director de cine, guionista y productor español, el que mayor resonancia ha logrado fuera de dicho país, habiendo recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, incluyendo dos premios Óscar, en diversas categorías. Ostenta la Orden de Caballero de la Legión de Honor Francesa(1997), además de haber obtenido la Medalla de Oro al mérito de las Bellas Artes(1998). Ha sido investido Doctor Honoris Causa por la universidad Harvard en junio de 2009. -Fue miembro del grupo teatral Los Goliárdos, en el que conoció a Félix Rotaeta y a Carmen Maura, y del dúo de punk-glam-rock paródico Almodóvar y nc. Namara en el que, al lado de Fabio Nac, generó canciones tan cómicas como Gran ganga o Quiero ser mamá. -Su reconocimiento popular comenzaría, sin embargo, con el filme ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984). -El cine de Almodóvar cultiva un naturalismo que destruye el usual costumbrismo burgués del cine español.

PELÍCULAS MAS IMPORTANTES DE BERLANGA Tacones lejanos (1991) - Argumento: El marido de Rebeca (Victoria Abril) fue primero el gran amor de su madre, la diva "Becky del Páramo" (Marisa Paredes). Ambas se reencuentran justo cuando el marido de Rebeca muere asesinado. El juez del caso (Miguel Bosé) es también una drag-queen de noche, una fan imitadora de Becky. -Almodóvar acostumbra a integrar al transexual en su cine bajo esta premisa. En esta película realiza un melodrama que respetaba escrupulosamente el significado etimológico del término. Allí, no obstante, recuperaba el clásico travesti transformista (que no transexual), a través de un juez que en sus ratos libres le gusta ponerse una peluca, vestirse de mujer y cantar playbacks. El apunte comercial, con unas buenas dosis de morbo, estaba provocado por la elección del actor, Miguel Bosé, uno de los iconos de la música pop española que siempre ha jugado con la ambigüedad.

Todo sobre mi madre (1999) - Cuenta la historia de Manuela, que tendrá que enfrentarse al pasado y los recuerdos tras la muerte de su hijo. -Almodóvar se adentra en cuestiones existenciales de relevancia y profundidad. Sobre una base de tradición laicista el director aborda también asuntos de carácter religioso sirviéndose de muchas alusiones cruzadas. -Más allá de una lectura apologética, en Almodóvar, como en otros no creyentes confesos, hay un deseo de creer a su manera. Una intuición de apertura al misterio y un ajuste de cuentas ante Dios. En este caso pasándole parte del problema del mal. Es él quien al fondo tiene algo que ver con el látigo del sufrimiento. Una encrucijada interesante, aunque muchas veces se prefiere permanecer en ella que elegir o ser elegidos

Los abrazos rotos (2009) -Argumento: Un hombre escribe, vive y ama en la oscuridad. Catorce años antes sufrió junto a Lena, la mujer de su vida, un brutal accidente de coche en la isla de Lanzarote. -La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel es una historia de amour fou, dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de culpa. -En Los abrazos rotos Almodóvar vuelve a hablar de cine desde el cine. Hay menciones explícitas a Ascensor en el cadalso u 8 y medio, y la película se nutre de influencias como las de Antonioni (la exploración de la imagen en Blow Up) o Rossellini (no solo aparecen las imágenes de Te querré siempre sino que incluso determinan el desarrollo del argumento).

Alfred Hitchcock - Nació en Londres, 1899 -Hollywood, 1980. D irector de cine británico nacionalizado estadounidense. -Hijo de un carnicero, cursó estudios en el Colegio de San Ignacio y, posteriormente, en la Universidad de Londres, donde estudió ingeniería. En 1920 empezó a trabajar en la industria cinematográfica, primero como publicista para la Paramount y pronto como guionista y ayudante de dirección. En 1925 se trasladó a Alemania, donde tuvo la oportunidad de trabajar como ayudante de dirección en los estudios UFA y entrar en contacto con el expresionismo alemán, un género del que siempre se consideró deudor. -Tras regresar al Reino Unido, en 1929 rodó Blackmail, filme que se convirtió en el primer éxito del cine sonoro inglés; títulos como El hombre que sabía demasiado (1934) o 39 escalones (1935), de bien trabada trama policíaca, atrajeron la atención de David O. Selznick, quien lo contató en 1940 para trabajar en Hollywood. -El manejo de la cámara, de gran inventiva y audacia, y en el montaje, extremadamente fragmentado y estudiado.

PELÍCULAS MAS IMPORTANTES DE HITCHCOCK La ventana indiscreta (1954) -Un fotógrafo L. B. "Jeff" Jefferies (James Stewart) recluido en su apartamento y con una pierna enyesada debido a un accidente, elabora conjeturas acerca del extraño comportamiento de uno de sus vecinos de enfrente (Raymond Burr) al que espía valiéndose de toda herramienta a su alcance (cámara fotográfica, binoculares). -Preservada desde 1997, en el National Film Registre de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser considerada «cultural, histórica, o estéticamente significativa» . - En 1955 fue candidata a los Premios Oscar en las categorías: mejor director, mejor fotografía en color, mejor guión y mejor sonido.

Psicosis (1960) -La película describe el encuentro entre una secretaria, Marion Crane , que se encuentra en la clandestinidad en un motel después de malversación de fondos de su empleador, y el propietario del motel. -La película ha sido aclamada como una de las películas de terror más eficaces. Se trata de una película en la que cada escena es casi legendaria, y muchas han sido copiadas o hecha parodias. La película dio lugar a varias secuelas y una nueva versión, que generalmente son vistas como obras de menor calidad. -Hitchcock adoptó a Psicosis como un medio para recuperar el éxito y la individualidad de un género cada vez más competitivo.

Los pájaros (1963) -Se basa en un famoso ataque de pájaros a la familia Westminster en Irlanda. Los animales aparentemente en cantidades y grupos que iban de 100 a 300 atacaron sin piedad a esta familia de 4 personas ninguno de los miembros sobrevivió al incidente. -Fue nominada al Oscar a los mejores efectos especiales. Esta película es diferente de las precedentes por la ausencia de música, que suele servir de instrumento al suspenso Hitchcokiano. -Hitchcock omitió deliberadamente toda explicación racional al comportamiento de las aves. Sabía que eso creaba mucha mayor inquietud en la audiencia. También suprimió el clásico "The End" del final, para lograr que la desazón del público continuara aún después de acabada la película.

Ridley Scott -Sir Ridley Scott (n. 30 de Noviembre de 1937) es un director de cine británico. -Ha sido nominado en tres ocasiones a los premios Óscar a la mejor dirección. En enero de 2003 fue nombrado caballero por la reina Isabel II. -El cine de Scott utiliza a la iluminación, fotografía, creación de ambientes y sincronía con la música y el sonido como "actores" adicionales que contribuyen a la experiencia total del espectador. -Sus primeros filmes (especialmente Los duelistas, Alien, y Blade Runner) proporcionan al espectador una experiencia completa donde las escenas son recordadas no solamente por los actores que intervienen o por momentos específicos del guión, sino por el ambiente recreado en ellas. -fue el primero en utilizar comercialmente la denominación "Director's Cut" (‘montaje del director’) para una obra que el director reedita para el público y en la que se aprecian diferencias con la versión estrenada originalmente.

PELÍCULAS MAS IMPORTANTES DE RIDLEY SCOTT Blade Runner (1982) -Se ha convertido en un clásico de la ciencia ficción y precursora del género cyberpunk. Obtuvo dos nominaciones a los Óscar. -La película transcurre en una versión distónica de la ciudad de Los Ángeles, EE. U. U, durante el mes de noviembre de 2019. -La película describe un futuro en el que seres fabricados a través de la ingeniería genética, a los que se denomina replicantes, son empleados en trabajos peligrosos y como esclavos en las «colonias exteriores» de la Tierra. -La película se convirtió en la favorita de los cinéfilos y el mundo académico y ganó rápidamente el título de película de culto.

Thelma y Louise (1991) -Ganadora de un Óscar en 1991, al mejor guión original. -Thelma y Louise son dos amigas que un día deciden emprender un viaje en coche para olvidarse por un rato de los problemas cotidianos. Todo va bien hasta que una de ellas (Louise) asesina a un hombre en un bar, después de que este intenta violar a su amiga Thelma. -Susan Sarandon es Louise y Geena Davis es Thelma. Aunque ellas dos copan la mayor parte de las escenas, participan también en la película Harvey Keitel, Michael Madsen (Budd en Kill Bill), Christopher Mc. Donald, Stephen Tobolowsky y un joven debutante Brad Pitt en un papel de "hombre objeto".

Hannibal (2001) -Una de las víctimas de Hannibal Lecter que todavía está viva, el millonario Mason Verger, quiere capturarlo, torturarlo y matarlo. Los lugares donde transcurre la acción se alternan entre Italiay los Estados Unidos. -El personaje de Hannibal Lecter se convirtió en un "nombre familiar"y parte de la cultura popular. El difícil desarrollo de Hannibal atrajo gran atención, tanto con el director de The Silence of the Lambs, Jonathan Demme, como con la actriz Jodie Foster, quienes eventualmente no quisieron participar en el proyecto. Luego de su lanzamiento en febrero de 2001, Hannibal rompió récords de taquilla en los Estados Unidos, Australia, Canadá y el Reino Unidos. -Ésta es una película oscura en muchas de sus fases, pero que incluye también excelentes vistas, tanto nocturnas como diurnas, rodadas en exteriores -principalmente en Florencia-.

Steven Spielberg -Steven Allan Spielberg(Cincinnati, Ohio, 18 de diciembre de 1946) es un director, guionista y productor estadounidense de cine. Es uno de los directores más reconocidos en la industria del cine mundial. Ha sido condecorado con la Orden del Imperio Británico y la National Humanities Meda. Su carrera real comenzó cuando ingresó a los Universal Studios como pasante no remunerado, siete días a la semana y el invitado del departamento de edición. Después de Spielberg se hizo famoso, la USC le otorgó un doctorado honoris causa en 1994, y en 1996 se convirtió en miembro del consejo de la universidad. -Como interno y de evaluación de Universal Studios, Spielberg hizo su primer cortometraje de su presentación en salas, la película de 24 minutos Amblin '(1968), cuyo título Spielberg más tarde tomó el nombre de su compañía productora, Amblin Entertainment. En mundo de el espectáculo, se lo conoce como "El Rey Midas de Hollywood. -Además de fundar su propia productora (Amblin Entertainment), Spielberg fundó Dream. Works SKG con Jeffrey Katzenberg y David Geffen en 1994.

PELÍCULAS MAS IMPORTANTES DE SPIELBERG E. T. el extraterrestre (1982) -Cuenta la historia de Elliott (Henry Thomas), un muchacho solitario que se hace amigo de un extraterrestre, llamado E. T. , quien se queda abandonado en la Tierra. Elliott y sus hermanos ayudan al extraterrestre a volver a su hogar, mientras intentan mantenerlo oculto a su madre y al gobierno. -El concepto de E. T. está basado en un amigoimaginario de Spielberg, creado tras el divorcio de sus padres. En 1980, Spielberg conoció a Mathison y desarrollaron una nueva historia a partir de un proyecto fílmico estancado de ciencia ficción/horror Night Skies. La película fue rodada de septiembre a diciembre de 1981 en California, con un presupuesto de 10. 5 millones de dólares. A diferencia de la mayoría de las películas, la película fue rodada en un aproximado orden cronológico, con el fin de facilitar las actuaciones emocionales del joven reparto y que fuesen más convincentes.

Indiana Jones y el templo maldito -Segunda de las aventuras cinematográficas protagonizadas por el héroe de acción y aventuras creado por George Lucas y Spielberg, que veían como el personaje daba de si lo suficiente como para convertir sus andanzas en una nueva saga. -El éxito de la película fue innegable, pese a que económicamente no superó la recaudación de En busca del arca perdida / Los cazadores del arca perdida, y lo único objetable fue la cantidad de duras críticas a causa del contenido sangriento y oscurantista de algunas escenas, especialmente aquella en la que el gurú de los thugs, Mola-Ram (Amrish Puri), arranca el corazón a un hombre sin que la cámara se desvíe ni un centímetro del hecho. Fue a raíz de esta escena que Hollywood decidió crear la calificación -13 años. -

La lista de Schindler -Historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que salvó la vida de un millar de judíos polacos durante el Holocausto. -La película ganó siete premios Oscar, incluido el de mejor película, el de mejor director y el de mejor banda sonora; también ganó 7 Premios BAFTA y 3 Globos de Oro. -El director y productor trabajó en La lista de Schindler durante diez años, iniciando la misma tras la finalización de E. T. , el extraterrestre en 1983. -Spielberg invirtió parte de su propio dinero en la producción de la película, y tuvo algunos problemas personales durante la realización de la misma y motivados por su alta dedicación

Trabajo realizado por: Alicia Sánchez Torres. 1º Educación Primaria. T 5 Conclusión: Después de este trabajo tan laborioso, me quedan varias cosas como conclusión, primero ya se utilizar el power point, medio en condiciones y segundo, que poco se del arte en general. Ahora se un poco más. Gracias Material: Toda la información e imágenes han sido sacadas de internet. Unas de la más utilizadas http: //www. artehistoria. jcyl. es Musica: Concierto de Aranjuez