40 PRINCIPALES Juan Manuel lvaro Duarte Pintores Giotto

40 PRINCIPALES Juan Manuel Álvaro Duarte

Pintores

Giotto di Bondone (1270 -1337) Pertenece a la pintura gótica mediterránea, en concreto, a la escuela de Florencia del Trecento. Su estilo de define por el intento de tridimensionalidad, a través de la perspectiva y el volumen. En sus obras hay una aproximación a la realidad y un intento de transmitir ilusión óptica de profundidad espacial. Dota de sentimientos a sus personajes utilizando la gesticulación.

Sus obras más importantes son: Lamento sobre cristo muerto Para crear sensación de profundidad colocó en el primer plano a los personajes de espaldas al espectador. Aparecen gestos corporales exagerados para dar a la escena un carácter dramático.

El anuncio a Santa Ana � El artista dota de espacio y profundidad a la obra e intenta que el milagro representado tenga similitud a la realidad representándolo en una escena cotidiana.

El festín de Herodes Esta obra destaca por la naturalidad con la que son representados los personajes. Se nos muestra una escena abierta con los rasgos típicos de este autor, el volumen y la profundidad.

Jan van Eyck (1390 -1441) Pertenece a la pintura gótica flamenca. Sus obras se basan principalmente en la búsqueda del realismo, para ello da una gran importancia a los detalles y al espacio tridimensional. La temática principal eran los retratos de personajes importantes. Utilizaba para sus obras pinturas al óleo. Realizaba trípticos con puertas pintadas por las dos caras (típico de la pintura flamenca).

Sus obras más importantes son: Matrimonio Arnolfini Se puede observar el realismo mostrado en la imagen así como la representación de los pequeños detalles que caracterizan a este autor. Se puede apreciar claramente la sensación de profundidad que hay en el retrato.

Políptico de la Adoración del Cordero Místico El tamaño de los personajes está en función de su distancia del primer plano para dar sensación de profundidad. Se intenta mantener una proporción entre ellos que coincida con la realidad.

Virgen del Canciller Rolin Es una pintura al óleo típica de Jan van Eyck. Podemos ver la sensación de tridimensionalidad con la que el autor dota a la obra. Es una obra que reúne todas las características de la pintura gótica flamenca.

Fra Angélico (1395 -1455) En sus obras mantiene la tradición gótica (fondos dorados, azules y sus delicados personajes). Además de lo anterior, introdujo en sus obras composiciones de perspectiva y elementos arquitectónicos. Captó tanto las corrientes antiguas como las nuevas y las adaptó a su lenguaje personal. Intervino en la decoración del Vaticano.

Sus obras más importantes son: Anunciación La delicadeza de los personajes y la paz que muestra la obra son rasgos del estilo gótico. Por otra parte, introduce la perspectiva que hace que la obra se sitúe en un proceso de transición entre la pintura gótica y la pintura del Quattrocento.

Juicio final El eje de la obra se sitúa en la figura de Dios. La zona izquierda de la obra posee una gran armonía y un gran colorido mientras que la zona inferior derecha se puede observar una fuerte sensación de dinamismo y movimiento en las figuras.

El beso de Judas Es una pintura al temple sobre madera de estilo gótico. La obra está representada en un paisaje cuidadosamente dibujado. La luz juega un papel muy importante en lo imagen ya que se oscurece a medida que se va alejando el paisaje de la posición del espectador creando sensación de profundidad.

Botticelli (1445 -1510) Es considerado el autor que marca el final del Quattrocento y el inicio del Cinquecento. Era un gran admirador de la belleza femenina por lo que dotó a sus figuras de erotismo. Además, las vistió con finas gasas que dejaban traslucir la anatomía humana. Su técnica destaca por la calidad del dibujo, de trazos curvilíneos, y por la sensación de gracia y armonía que transmiten sus obras. Fue el primer pintor renacentista en recrear temas mitológicos. El paisaje tiene un papel muy importante en este autor.

Sus obras más importantes son: El nacimiento de Venus Es una pintura al temple sobre lienzo. Representa el tema mitológico inspirado en la Venus clásica. La obra muestra una estructura piramidal en la que el personaje central es el que capta toda la atención y los demás personajes convergen hacia él. Los personajes son ligeros, sinuosos y sensuales.

La primavera Esta pintura la llegada de la primavera. Las figuras femeninas se representan con finas gasas (típico de Botticelli). El paisaje oscuro hace que el contraste con los personajes sea muy visible, lo que hace que la vista del espectador se centre en ellos.

Madonna del Magnificat Se puede apreciar la gran calidad del dibujo así como los famosos trazos curvilíneos del autor. Es un dibujo con forma redonda lo que complica mucho más el trabajo. Algunos de los personajes representados aparecen curvados para poder ser representados

Leonardo Da Vinci (1452 -1519) Pertenece a la pintura del Cinquecento. Su actividad creativa fue muy amplia abarcando temas como la pintura, las matemáticas, la ingeniería o la escultura entre otras materias. Para él, la pintura es una actividad intelectual destinada a reproducir la realidad basándose en el estudio del ser humano y de la naturaleza que le rodea. El estudio de la naturaleza lo llevó a investigar sobre la luz, una de sus grandes preocupaciones. Empleó la técnica del sfumato (técnica basada en la difuminación de las formas y de los colores envolviéndolo todo en una especie de neblina.

Sus obras más importantes son: Virgen de las Rocas La obra presenta una estructura piramidal determinada por un primer plano por la Virgen, San Juan niño y el Ángel. Se utiliza la técnica del sfumato para difuminar distintos planos.

Santa Cena Los personajes se reúnen en grupos de tres en torno a la figura central. La luz es suave y clara, y procede de dos ángulos distintos. La que procede de la izquierda se refleja en el muro derecho y en los personajes, y la que penetra desde el fondo por los ventanales lleva la mirada al infinito. Se puede observar el magnífico uso de la perspectiva coincidiendo el punto de fuga con la cabeza de Cristo y con la ventana central.

Gioconda ( Monna Lisa) Es una pintura de óleo sobre tabla. Aparece las técnicas de sfumato y claroscuro consiguiendo una atmósfera que envuelve a la protagonista en un velo misterioso y que resalta la expresividad del rostro y de las manos. Es su obra más conocida.

Rafael (1483 -1520) Pertenece a la pintura del Cinquecento. Sus pinturas se caracterizan por una perfecta maestría en el dibujo y por la rica gama cromática utilizada. Sus composiciones son armoniosas, con figuras dinámicas y de gran belleza. Autores como Leonardo y Miguel Ángel influyeron en su obra. Decoró una parte de las estancias del Vaticano.

Sus obras más importantes son: Desposorios de la Virgen Podemos ver la amplia gama de colores utilizados, la perfección del dibujo y la belleza de la obra. Se puede observar el equilibrio de la obra típico de la pintura del Cinquecento.

Escuela de Atenas La técnica utilizada para esta obra es la pintura al fresco. Se puede observar un rasgo típico de las pinturas de Rafael como es la representación de figuras dinámicas.

Disputa del Sacramento Es una obra totalmente equilibrada, con una amplia gama de colores y una calidad en el dibujo típico de este autor.

Tiziano (1489 -1576) Es uno de los artistas más destacados de la escuela veneciana del siglo XVI. Pertenece a la pintura del Cinquecento. Desarrolló un estilo muy particular donde predomina el color, en contraposición a las líneas y los contornos. Le daba mucha importancia al paisaje, al igual que rinde culto a la riqueza y al lujo. Su pintura es armoniosa, donde la luz y el color se funden e integran perfectamente.

Sus obras más importantes son: Venus de Urbino En esta obra se puede observar el colorido utilizado por el autor. Otra de sus características que aparece es el culto al lujo y a la riqueza.

Dánae Esta obra es más oscura que la anterior pero aún así sigue manteniendo Tiziano una amplia gama cromática. La luz es fundamental en este cuadro ya que ilumina directamente a la mujer.

El hombre del guante El colorido típico del autor desaparece en esta imagen dando lugar al contraste entre negro y colores claros. La luz vuelve a tener gran importancia al iluminar directamente la cara la mano del personaje.

Miguel Ángel (1475 -1564) Destacó tanto en la pintura como en la arquitectura y escultura(sobretodo). Fue quien inicio la transición del Cinquecento al manierismo. Participó en la decoración del Vaticano. Sus obras destacan por sus figuras escultóricas, musculosas, monumentales, expresivas y dinámicas. En sus primeras obras utiliza colores brillantes y las figuras transmiten optimismo. En sus obras de madurez los tonos se volvieron más lúgubres, las anatomías de las figuras se alargan hasta la desproporción y el tono dramático y predominan los forzados escorzos.

Sus obras más importantes son: Tondo Doni Su primera obra en pintura. Tiene una composición triangular inscrita en un círculo. En esta obra se proyecta algo desconocido en la época: figuras monumentales, casi atléticas, de contornos delimitados, tratadas con una gran plasticidad y con una rica gama cromática.

Creación de Adán Es una pequeña parte de la gran obra de Miguel Ángel en la pintura, la Capilla Sixtina. Con esta obra representa la creación del ser humano en la Tierra. La monumentalidad de las figuras queda compensada con la delicadeza del tratamiento y la magia del instante.

Juicio Final Es una parte de la Capilla Sixtina. En ella se representa el día del juicio final. El cielo se representa en la parte superior mientras que el mundo terrenal es representado en la parte inferior de la imagen. Las figuras son monumentales, titánicas, de escorzos más o menos violentos.

El Greco (1541 -1616) Es uno de los pintores manieristas más importantes. Recibió influencia del colorido de Tiziano , de la fuerza del claroscuro de Tintoretto y de la monumentalidad y vigor de las figuras de Miguel Ángel. Su obra tiene dos etapas: en su primera etapa las figuras son monumentales, por influencia de Miguel Ángel. El color es veneciano, como Tintoretto, y la paleta es cálida. En su etapa final, las figuras adquieren un mayor alargamiento, aparecen los paisajes oníricos propios de las visiones místicas y utiliza una gama cromática muy fría. Realiza sobre todo obras religiosas y retratos.

Sus obras más importantes son: El expolio Es una de sus primeras obras en España. La túnica roja que lleva el Cristo centra la atención de espectador. La mano del Cristo se representa con los dedos corazón y anular unidos, gesto típico de los personajes representados por El Greco.

El caballero de la mano en el pecho En esta obra se aprecia el fondo neutro y la luz se centra, por un lado, en el rostro y en los ojos del personaje, lo que nos acerca a su personalidad; y por otro, en la mano del caballero en el momento de prestar juramento.

El entierro del conde de Orgaz Esta obra pertenece a la etapa de madurez del autor. La pintura está dividida en dos escenas, la inferior o humana y la superior o celestial. En la primera predomina la horizontalidad, contrariamente a la triangularidad de la segunda. Podemos destacar de la obra el alargamiento de las figuras, lo que consigue dar mayor espiritualidad a la imagen así como por el colorido veneciano y los contrastes lumínicos típicos del Manierismo.

Caravaggio (1571 -1610) Está considerado como el representante del naturalismo. En su obra se puede observar una marcada evolución en el realismo y en el tenebrismo con respecto a pinturas anteriores. El realismo le lleva a representar a los personajes tal como son si idealizar su físico así como representar temas mitológicos como si fueran sucesos cotidianos. El tenebrismo consiste en utilizar en exceso la técnica del claroscuro. Los fondos de las composiciones aparecen oscuros y solo se iluminan aquellas figuras o las partes de estas que tienen un especial interés. Estos efectos se intensifican por el uso de composiciones diagonales.

Sus obras más importantes son: Baco Es una de sus primeras obras documentadas, probablemente su propio retrato. En el cuadro destaca la calidad con la que se representan la vajilla y los vegetales. La actitud que muestra el personaje se puede relacionar con la ruptura con los cánones que desde el Renacimiento se habían seguido para este tipo de representaciones mitológicas.

Crucifixión de san Pedro Con el paso del tiempo, Caravaggio acentuó el volumen y la solidez de sus figuras, a la vez que creó espacios vacíos en sus obras. El color queda subordinado a la luz que surge de un único foco. Con esto el dramatismo y el realismo se acentúan.

Entierro de Cristo A medida que el tiempo pasa su paleta se vuelve más oscura, el dramatismo gestual y psicológico es considerable y la intención de captar la atención del espectador aumenta. Esta obra es un ejemplo de ello.

Rubens (1577 -1640) Es el pintor que mejor representa a la escuela barroca flamenca. Tuvo gran influencia en los pintores de su época. Trató todos los géneros pictóricos: retrato, pintura religiosa, mitológica, histórica… Y trabajó para la Iglesia. Los artistas italianos influyeron en sus obras en aspectos como la tridimensionalidad, las composiciones dramáticas y los colores de la pintura veneciana. Con el paso del tiempo su obra fue cambiando, su obra se hizo más equilibrada y simétrica. Finalmente se dedicó a la representación de paisajes y sus trazos y colores se hicieron más ligeros.

Sus obras más importantes son: La elevación de la Cruz Para componer esta escena, Rubens traza una línea diagonal que cruza el lienzo. Los rostros de los personajes resultan muy expresivos, y los colores son cálidos, como los de la pintura veneciana.

Las tres Gracias Es la obra más famosa de Rubens. En ella se puede observar a tres mujeres que representan a las tres Gracias( tema mitológico). El centro de la composición es el grupo de las tres mujeres. Gracias a que se enlazan unas con otras y a la presencia de varios planos de perspectiva, el autor logra conseguir el sentido circular.

Sansón y Dalila En esta obra se pueden ver las diagonales utilizadas pro el autor en sus obras, los intensos contrastes de luz influenciados por Caravaggio, las figuras musculosas y dramáticas por influencia de Miguel Ángel, las actitudes expresivas y los grupos asimétricos.

Rembrandt (1606 -1669) Fue el pintor más importante de la escuela holandesa. Destacó especialmente como retratista. Se ayudó de los efectos creados por el claroscuro para resaltar expresiones faciales de los personajes. Representó retratos con total realismo, mostrando sus virtudes y defectos. Estudió su propia fisonomía y sus estados de ánimo, lo que le permitió representarse en autorretratos en multitud de ocasiones. Su pintura fue evolucionando con el paso del tiempo.

Sus obras más importantes son: Lección de anatomía del doctor Tulp Su técnica se distingue por la utilización del claroscuro para dar a la atmósfera un significado espiritual, además de visual. Por un lado, el claroscuro da gran intensidad y emoción a la escena; por otro lado, sirve para destacar el cuerpo muerto y los rostros de los asistentes, quedando el resto en penumbra. Rembrandt se inspiraba en temas cotidianos para sus obras como en este caso. La imagen tiene una representación piramidal en la que todos los personajes tienen la misma dignidad.

La ronda de noche En este cuadro dominan los juegos de luces y sombras influenciados por Caravaggio. Algunos personajes reciben focos de luz directa mientras que otros quedan en penumbra. Las figuras del fondo quedan difuminadas para dar sensación de profundidad.

Retrato de familia Es una obra de la última etapa de su vida. El autor intenta plasmar vitalidad en los rostros de los personajes. El fondo de la imagen es oscuro y la luz va directamente a los personajes para resaltarlos.

Batolomé Esteban Murillo(16171682) En sus obras se interesó por el naturalismo, pero intentó hacerlo amable, dulce, incluso cuando representaba temas de cierta dureza. También le atraía el estudio de la luz y llegó a crear intensas sombras tenebristas en algunos de sus cuadros. Pintó sobre todo cuadros religiosos en los que consiguió crear una atmósfera cálida que aportaba misterio a la obra. En estos temas religiosos introdujo detalles cotidianos que humanizan la escena. Dentro de la pintura religiosa destacó pintando Inmaculadas.

Sus obras más importantes son: Inmaculada Concepción de los Venerables La composición de la obra viene marcada por una diagonal, formada por los ángeles, que atraviesa el cuadro de derecha a izquierda. La luz se centra en el cuerpo de la Virgen, mientras que los extremos superior izquierdo e inferior derecho quedan en penumbra.

Joven mendigo En esta obra, Murillo ahonda en la pobreza, la soledad y el dolor del joven. La luz proviene directamente de la ventana de la izquierda e ilumina directamente al mendigo, quedando el resto de la habitación en oscuridad.

Sagrada Familia del pajarito El centro de la composición es la figura del Niño Jesús. La luz incide sobre esta figura y el resto queda más oscuro. Pese a ser un tema religioso la escena parece sacada de una familia corriente ya que no se observan signos de divinidad.

Velázquez(1599 -1660) Pertenece a la pintura barroca en España, concretamente a la escuela madrileña. Usa la perspectiva aérea, es decir, el método que produce sensación de profundidad a partir de la plasmación de la atmósfera, lo que logra mediante el color y la luz. Trató todas las temáticas, incluso las que no eran corrientes en la pintura de la época como desnudos o temas mitológicos. Trabajó para personajes importantes de la época como reyes, condes ó personajes eclesiásticos.

Sus obras más importantes son: La rendición de Breda La composición es muy equilibrada. Vencedor y vencido se colocan en el centro recibiendo la mayor iluminación. El autor logra que el espectador se involucre en el cuadro pintando a algunos personajes de espalda mientras otros nos miran fijamente.

Las hilanderas En esta obra se pueden apreciar dos escenas. La primera se desarrolla en el primer plano y la segunda se sitúa al fondo. Este recurso de introducir un cuadro dentro de otro es propio del Barroco, pero Velázquez pone en primer plano la escena cotidiana y deja al fondo la escena mitológica, que entonces se consideraba más importante.

Las Meninas Es la obra más importante y conocida de Velázquez. El autor utiliza en esta obra la perspectiva para introducir al espectador en la obra, el espectador se sitúa en el lugar que normalmente ocuparían los reyes. Las miradas de todos los personajes se dirigen a nosotros. La luz incide directamente sobre los rostros y la puerta del fondo mientras que el resto de la estancia queda oscura. De este modo el pintor juega con el claroscuro.

Jacques-Louis David(1748 -1825) Pertenece a la pintura del Neoclasicismo. Fue el pintor que mejor simbolizó esta etapa de la pintura al inspirarse en la austeridad y la severidad de la Antigüedad griega y por su gusto por los temas heroicos. Fue un defensor de la Revolución Francesa hasta el punto de colaborar en la propaganda del nuevo régimen. Sus obras son normalmente escenas de interior, las figuras se ligan por composiciones rígidas, y las temáticas tienen siempre un fin moralizante desde el punto de vista político. Utiliza el claroscuro por influencia de Caravaggio para resaltar determinados personajes o detalles.

Sus obras más importantes son: Muerte de Marat En esta obra se puede observar una de las características del autor como es la representación de sus personajes en interior.

Retrato ecuestre de Bonaparte en el monte San Bernardo En esta obra se observa el carácter político que daba el autor a sus obras. En ella se representa a Napoleón Bonaparte , al que convertiría con sus obras en el héroe de los nuevos tiempos.

El juramento de los Horacios La luz se concentra en la escena del juramento, en el primer plano, dejando en penumbra el fondo de la imagen. La luz también destaca en la parte derecha de la imagen, donde se puede apreciar a un grupo de mujeres y niños. Los arcos del fondo organizan el espacio de la imagen.

Goya(1746 -1828) Vivió un período de transformación en el arte ya que vio la decadencia del Barroco y del Rococó, el Academicismo, el Neoclasicismo y el Romanticismo. Su obra es, por un lado, reflejo de los movimientos anteriores y, por otro, él recrea e inventa adelantándose a su época. En sus obras representa un gran gusto por la realidad(atípico en su tiempo). Al principio de su carrera artística utiliza colores claros y brillantes pero con el paso del tiempo su paleta se vuelve más oscura hasta llegar a las pinturas negras. Su obra va evolucionando a temas más tenebrosos a la vez que su vida avanza.

Sus obras más importantes son: La familia de Carlos IV La obra presenta un perfecto equilibrio que se puede observar en la disposición de las figuras. La luz incide sobre todo en la figura de la Reina captando la atención del espectador.

Saturno devorando a sus hijos Es una obra de los últimos años de Goya. La escena se sitúa en un espacio indefinido y oscuro, y transmite angustia y violencia. Usa una gama de colores muy oscura típica de sus últimas obras. En medio de la penumbra, solo destacan los enormes ojos del anciano y el cuerpo de la víctima.

Fusilamiento del 3 de mayo La composición se centra en torno al hombre que se adelanta. La centralidad de la figura se destaca por el color blanco de la blusa, sobre la que se refleja la luz del farol que ilumina la imagen. El grupo de hombres que vana ser fusilados tienen rostro y centran nuestra atención, mientras que el grupo de soldados aparece sin rostros, como una máquina de muerte.

Edvard Munch(1863 -1944) Es considerado el padre del Expresionismo. Gran parte de su obra estuvo marcada por la enfermedad, la muerte y el dolor que vivió en su infancia y juventud. Esto se tradujo en una visión desolada de la existencia, la cual se reflejó en la representación de seres angustiados e inquietantes, melancólicos y solitarios, que captaba a través de su espíritu. Su estilo se caracterizó por pinceladas audaces, líneas sinuosas y un colorido casi irreal.

Sus obras más importantes son: La niña enferma En esta obra, Munch representa el recuerdo de la muerte de su hermana en su infancia. Un rasgo típico de su pintura es el recuerdo del dolor.

Melancolía Como su propio título indica, Munch representa con este cuadro la melancolía. El personaje aparece triste, pensativo y solitario.

El grito Es su obra más importante y conocida. Esta obra recoge una figura humana que grita sobre un puente, como expresión de la angustia vital del personaje. En el cuadro dominan las líneas curvas aunque también aparecen algunas líneas rectas. Los colores empleados ayudan a resaltar la fuerza del cuadro. El profundo sufrimiento del autor en su infancia (muerte de sus padres y hermana) queda perfectamente reflejado en esta obra.

Pablo Ruiz Picasso(1881 -1973) Emprendió una revolución visual y conceptual que abarcó la pintura, la escultura, la cerámica y el grabado. Destacaba en el ámbito de la pintura por encima de todo. Su carrera pasa por varias fases: -Etapa azul: se trata de cuadros de gran intensidad emotiva y tristeza, que tratan sobre ciegos, mendigos ó enfermos. -Etapa rosa: uso de tonos cálidos, líneas suaves y proporciones alargadas. Refleja con gran afecto la maternidad y el tema del circo. -Tercera etapa: comienza a simplificar los rasgos y volúmenes. Comienza su etapa Cubista. -Cuarta etapa: inicia su etapa de clasicismo y figuración, con sus retratos y temas mitológicos. -Última etapa: influenciado por otros pintores realiza versiones de sus grandes obras.

Sus obras más importantes son: Las dos hermanas Es una pintura de la primera etapa de la pintura del autor. Se pueden observar los tonos azules predominantes en la obra así como la tristeza que de las dos mujeres.

Familia de acróbatas con mono Es una obra de su segunda etapa (etapa rosa). En ella se usan colores cálidos, líneas suaves y proporciones alargadas. Se representa con gran afecto la maternidad, y la melancolía que envuelve el mundo del circo.

Las Meninas Pertenece a la última etapa de Picasso. Al estudiar a los grandes artistas del pasado tomó como referencia sus obras y realizó versiones de ellas. Este es un ejemplo de Las Meninas de Velázquez.

Salvador Dalí(1904 -1989) Destacó por su obra surrealista. Exploró diversos campos que van desde el Clasicismo al Cubismo o el Dadaísmo. Recibió influencia de otros pintores, en especial de Miró. Su estilo se basaba en imágenes irreales en paisajes desnudos. Estas imágenes las tomaba directamente de los sueños y están relacionadas con el psicoanálisis. En ellas plasmaba sus obsesiones.

Sus obras más importantes son: L´humanité Esta obra pertenece al período cubista de el autor. La figura no tiene rostro y solo se encuentran representados los ojos del personaje.

Madonna de Port Lligat En esta obra el autor representa imágenes tomadas de sus sueños. Esta obra representa la vida vista en el mundo de los sueños.

La persistencia de la memoria Es la obra más conocida de Dalí. La composición es muy cuidada. La playa y la rama seca de árbol forman dos líneas horizontales, y las diagonales de la mesa y la cabeza rompen esa horizontalidad y crean profundidad. La luz juega un papel fundamental en el cuadro: una potente fuente de luz ilumina el fondo, mientras que el primer plano permanece en penumbra.

Joan Miró(1893 -1983) Es uno de lo máximos exponentes del Surrealismo. Sus inicios discurren entre el Fauvismo, el Cubismo y el Dadaísmo. Con el paso del tiempo evoluciona hacia el Surrealismo. Aportó una visión de su inconsciente mágica y lírica, llena de fantasía. Creaba en el espacio diferentes figuras utilizando colores brillantes sobre fondos blancos o azules.

Sus obras más importantes son: La estrella matutina En esta obra se puede observar claramente una de las características de Miró, el dibujo de figuras utilizando colores brillantes sobre un fondo blanco.

Retrato de una niña En este cuadro confluye la severidad de los maestros medievales y la delicadeza de las formas orientales, lo que confiere en lirismo y profundidad en el rostro.

El carnaval de Arlequín En esta obra mezcla objetos reales con otros inventados. Los objetos parecen flotar en el espacio, que está claramente representado por una pared y un suelo en perspectiva. A través de la ventana abierta, en la zona superior derecha, vemos un típico paisaje de Miró. Los colores utilizados son típicos de Miró, colores primarios.

Escultores

Polícleto(480 a. C. -420 a. C. ) Pertenece a la escultura griega. Ha pasado a la historia del arte por un tratado artístico(Canon) Para él la belleza se relaciona con la proporción y para ello elaboró una serie de reglas que había que seguir para representar el cuerpo humano de forma perfecta. Introdujo en la escultura el contraposto (oposición armónica de las diversas partes del cuerpo humano, sobre todo cuando alguna de ellas se hallan en tensión su simétrica se encuentra en reposo).

Sus obras más importantes son: Diadúmeno En esta obra se puede observar la teoría del contraposto. La pierna derecha esta adelantada y estirada, y la izquierda más atrás y en ligera flexión. De esta manera consigue crear el contraposto. Por otra parte el rostro del atleta representa la concentración y recoge los ideales de belleza griega.

Doríforo El Doríforo está considerado como la representación perfecta del canon de Polícleto. Destacan la actitud serena del joven y la belleza y la armonía del cuerpo. En la escultura también se puede observar el contraposto utilizado por el escultor: el brazo derecho permanece recto y relajado mientras que el izquierdo se representa en tensión. En las piernas pasa algo similar pero viceversa.

Discóforo Se trata de una escultura similar a las anteriores en cuanto al canon utilizado. También en esta figura aparece el contraposto. La cabeza de la figura aparece girada, típico de las figuras de este autor.

Ghiberti(1378 -1445) Pertenece a la escultura italiana del Cuattrocento. Se le considera el iniciador del nuevo estilo. Su técnica favorita era el trabajo en bronce, tratando con gran maestría el relieve y en él, el paisaje y la figura humana, a la que representaba con todo detalle. Creó un taller donde se formaron numerosos artistas, por lo que su influencia fue notable. Aplicó la perspectiva a sus obras. Utiliza una gran diversidad de temas en sus obras.

Sus obras más importantes son: Puerta norte del baptisterio de Florencia En el tratamiento de las figuras y del paisaje un gran realismo y naturalismo, propios del Renacimiento. Una de las imágenes de la obra es el Sacrificio de Isaac, imagen que ganó el concurso para hacer la puerta principal del baptisterio.

Puerta del Paraíso Es la obra más importante de este autor. Esta compuesta por diez relieves en bronce dorado que representan historias del Antiguo Testamento. En su interior, la perspectiva constituye el eje organizador de las escenas en una gradación que va desde un bajorrelieve, hasta un altorrelieve, dando la sensación al espectador de imagen exenta. Así, las figuras del primer plano se ven de mayor tamaño, y las más lejanas, más pequeñas.

Donatello(1386 -1466) Pertenece a la escultura del Quattrocento y es considerado el escultor más importante de la época. Trabajó como ayudante en el taller de Ghiberti e incluso colaboró en las Puertas del baptisterio. Las características de su escultura vienen determinadas por un fuerte realismo, el naturalismo y una gran fuerza expresiva y emocional. Consiguió un perfecto dominio de la anatomía humana, que le permitió representar al ser humano en todas sus etapas. Utiliza el stiacciato técnica en bajorrelieve en la que los planos de la composición se aplastan unos contra otros, manteniendo escasos milímetros entre ellos.

Sus obras más importantes son: El condottiero Gattamelata Esta obra se distingue por su monumentalidad, el estudio de la perspectiva y el realismo del caballo y del personaje. El condottiero luce una armadura ricamente decorada como símbolo de poder. El caballo levanta una de sus patas delanteras y la apoya, por motivos de equilibrio, en una bola.

David Esta considerada como una de las esculturas más importantes del Renacimiento temprano. Es el primer desnudo tridimensional de tamaño natural desde la Antigüedad. La escultura tiene gran armonía y equilibrio, además de una gran belleza gracias a la sensualidad del joven y a la expresión de serenidad del rostro. El brazo izquierdo se apoya en su cadera y con la mano derecha sujeta la espada. Postura que recuerda a la curva praxiteliana.

San Jorge La imagen transmite la fuerza de un guerrero. Asienta las dos piernas firmemente en la tierra, la mano derecha cae con el puño cerrado, el rostro está levantado y la mirada se pierde en el infinito. En este caso, el estudio anatómico se reduce a la cabeza y a las manos, ya que las demás partes del cuerpo están cubiertas con la armadura. El escudo ayuda a dar sensación de solidez, fuerza y equilibrio.

Miguel Ángel(1475 -1564) Es uno de los artistas más importantes de la historia, sino el mejor. Se consideraba por encima de todo escultor. Comenzó su carrera en Florencia pero pronto dio el salto a Roma. El estilo de Miguel Ángel se caracteriza por la grandiosidad de las figuras, las anatomías tensas y dinámicas y la terribilitá, es decir, la expresión de las pasiones interiores hasta puntos dramáticos, lo que suponía una ruptura con el clasicismo. Tenía un gran conocimiento de la anatomía humana, lo que se puede apreciar en la mayoría de sus obras.

Sus obras más importantes son: Piedad Esta considerada como una obra maestra. Se trata de una composición piramidal formada por el cuerpo de la Virgen. Contrastan la juventud de la Virgen con la vejez del Cristo. La serenidad aparente de la Virgen no puede esconder el dolor espiritual que se refleja en su rostro. También contrasta el cuerpo desnudo del Cristo con los ropajes de la Virgen.

David Es, quizá, la obra más conocida de Miguel Ángel. Es una obra de un tamaño colosal en mármol. El rostro transmite fortaleza e ira, tensión y calma aparente, como preparándose para la acción; es una muestra de terribilitá. La escultura manifiesta todo el conocimiento anatómico que poseía Miguel Ángel ya que se pueden ver las venas, los tendones y los músculos en tensión contenida.

Tumba de Julio II La figura de Moisés, en el centro de la tumba, se caracteriza por la monumentalidad, el dinamismo y el acusado contraposto. Lo representa sedente y con una actitud contrariada en el rostro, que guarda similitudes con los profetas de la Capilla Sixtina. La fiereza de la mirada y de las poderosas manos ejemplifican bien la terribilitá.

Bernini(1598 -1680) Pertenece a la escultura barroca de Italia. Su estilo se caracteriza por el dramatismo y la plasmación de emociones intensa, el gusto por captar un instante de tiempo, el movimiento, el realismo, y el detallismo a la hora de representar la anatomía, los rostros, la piel y los ropajes. Su labor escultórica se puede dividir en varias etapas: -Sus primeras obras poseen gran libertad, energía y perfección. -Con el paso del tiempo su estilo se vuelve más personal y atípico para la época. -En su última etapa sus figuras se vuelven alargadas y los pronunciados y delicados ropajes las envuelven con gran plasticidad.

Sus obras más importante son: Apolo y Dafne Los personajes aparecen idealizados dentro de los cánones de belleza clásica; sin embargo, el conjunto transmite movimiento. Los cuerpos de los protagonistas forman dos líneas curvas que se unen en el suelo. Una diagonal formada por los brazos derechos de ambos atraviesa la composición. Bernini puso mucho interés en captar las expresiones de los rostros. La obra llama la atención por su dramatismo, el movimiento y el virtuosismo en el tratamiento de la piel y las texturas.

Baldaquino de San Pedro del Vaticano Es un enorme dosel que cubre el altar. Se trata de una obra entre escultórica y arquitectónica típica de Bernini, quien concebía la arquitectura desde postulados escultóricos y escenográficos. El contraste del negro de la estructura, el dorado de la decoración y la blancura de la basílica, crea un efecto pictórico. Todo el conjunto está pensado para atraer la mirada de los espectadores.

Éxtasis de Santa Teresa Esta obra representa un tema mitológico. El color de los mármoles, las pinturas y el dorado de los metales acentúan la riqueza cromática. Los pliegues de la ropa producen una espectacular plasticidad a base de luces y sombras, que se combinan con la iluminación celestial realizada en bronce dorado.

Girardon(1620 -1715) Pertenece a la escultura barroca en Europa. Dentro de la escultura barroca sus obras se sitúan en el clasicismo francés. Sus obras se caracterizan por un gran equilibrio y por la utilización del clasicismo, que adquirió en su estancia en Roma. Trabajó en la ornamentación de los jardines de Versalles mostrando un modelado barroquismo para ajustarse al clasicismo del conjunto palaciego. Sus obras transmiten una fuerte impresión teatral.

Sus obras más importantes son: Rapto de Proserpina Esta figura representa una escena mitológica en la que Plutón rapta a Proserpina. Se puede ver la impresión teatral que transmite la figura.

Baño de Apolo asistido por las Musas La escultura se realizó para los jardines de Versalles. Es un grupo escultórico sin precedentes en su tiempo, ya que su composición se inspira en la estatuaria griega de época helenística y, además, transmite una fuerte impresión teatral.

Tumba de Richelieu en la iglesia de la Sorbona El equilibrio compositivo y el clasicismo que se ponen de manifiesto en esta obra son fruto de una estancia en la ciudad de Roma. Los gestos de los personajes son muy teatrales y dramáticos.

Gregorio Fernández(1576 -1636) Encarna junto a Martínez Montañés la crisis ideológica que caracterizó el tránsito del siglo XVI al XVII. En su obra estuvo influenciado por otros autores como Juan de Juni o Pompeyo Leoni. Se ocupó de pasos procesionales para la Semana Santa. Sus esculturas procesionales están elaboradas con gran maestría y destacan la delicada anatomía, el dinamismo en los pliegues suaves de las telas, la talla primorosa y la calidad de las encarnaciones. En los últimos años se adhirió al Barroco y sus obras adquirieron mayor movilidad, dramatismo, suntuosidad y vigor en sus drapeados.

Sus obras más importantes son: Flagelación Es una escultura procesional de Semana Santa. Se puede ver en la Cofradía de la Vera Cruz.

Cristo yacente Este Cristo destaca por la gran perfección anatómica gracias a la suave modulación en las carnaciones. Su naturalismo se acusa en ciertos detalles fisonómicos, a la vez que juega con las líneas contrapuestas de sus hombros y caderas. La figura muestra las huellas de su tortura y martirio y la abundante sangre que sale de sus heridas.

Piedad Esta obra es un paso de Semana Santa. En el cuerpo de Cristo son patentes las heridas, muestra de su sufrimiento. Estas han sido pintadas de rojo para dar mayor realismo y dramatismo. El cuerpo presenta un perfecto estudio anatómico con detalles realistas. Las telas están talladas con gran maestría y los pliegues aportan movimiento, propio del Barroco. Rapto de Proserpina

Antonio Canova(1757 -1822) Pertenece a la escultura del Neoclasicismo. Es su principal figura. Su obra tuvo un gran éxito, por lo que fue contratado por papas, reyes y hasta por Napoleón. Trabajó temas mitológicos. Su estilo se caracteriza por la búsqueda de un ideal de belleza de tipo clásico; el gusto por las líneas elegantes, nítidas, sin irregularidades, y las texturas suaves; el uso de materiales como el mármol y el bronce; y la austeridad y la claridad compositivas. Tenía una sensibilidad exquisita y una gran capacidad para captar emociones.

Sus obras más importantes son: Eros y Psique La obra está realizada en mármol blanco, muy pulido, de forma que luce como si fuera piel y proporciona suavidad. La composición es sencilla y clara, pues ambos cuerpos trazan una X. El centro de la imagen son los labios de los amantes. La atención del espectador se dirige a esa zona. La obra transmite sensación de gran sensualidad.

Paulina Bonaparte Canova retrata a la hermana del emperador Napoleón Bonaparte. La representa desnuda, en pose seductora, como si fuera una diosa. La luz se refleja en la blancura del mármol. La belleza ideal, la perfección de las líneas, el gesto sereno, sin gesticulación, todo aporta monumentalidad y sensualidad. La expresión es hermética; no nos permite conocer el estado psicológico de la retratada.

Augusto Rodín(1840 -1917) Es la figura más importante de la escultura del siglo XIX. Libera a la escultura del convencional academicismo y la dota de expresión interior. Recibió influencia de grandes escultores como Miguel Ángel y Donatello. Creó un estilo de gran plasticidad. En bronce o mármol refleja toda su fuerza introspectiva y con un modelado de las formas suaves y simplificadas todas las pasiones humanas, la belleza, el erotismo y el amor. Muchas obras dan aspecto de inacabadas pero con ello logra incorporar juegos de luz a sus esculturas, por lo que se puede calificar de impresionista.

Sus obras más importantes son: Las puertas del infierno Esta obra fue creada por encargo del gobierno francés. Rodín se inspiró para crearla en las puertas del baptisterio de Florencia. El tema central es el infierno tomado de un tema mitológico, Divina Comedia de Dante.

El beso Formaba parte de Las puertas del infierno. El dinamismo de la composición lleva al espectador a rodear la escultura, buscando todas las posibilidades de visión. La multiplicidad de puntos de vista es una de las principales características de la obra de Rodín, que buscaba con ello potenciar la expresividad de los cuerpos.

El pensador Formaba parte de Las puertas del infierno. Al sacarla de su contexto pasa a tener otro significado, se trata de un hombre pensativo. Rodín imprimía gran dinamismo a sus figuras, para hacerlas más expresivas, y para ello el esfuerzo de pensar se transmite a todo el cuerpo. Así, dota a su personaje de intensa expresión interior. La composición se estructura en un juego de diagonales. El autor abre espacios de forma que podamos observar todas las partes del cuerpo. La escultura tiene un aspecto inacabado y tosco. Esto genera un juego de luces y sombras que le da mayor intensidad expresiva.

Henry Moore(1898 -1986) Es uno de los grandes escultores del siglo XX. Halla su inspiración en el mundo primitivo no occidental y en el arte egipcio, etrusco y azteca. Dominó distintos materiales, como la piedra, la madera, el hormigón, el mármol o el bronce. Creó formas y volúmenes de gran tamaño sobre la figura humana, desde la figuración a la abstracción, como expresión de la realidad vital del ser humano. Entre sus temas usuales destacan la extensa serie de maternidad, las figuras yacentes las cabezas y los grupos familiares.

Sus obras más importantes son: Mujer reclinada Rey y reina

Figuras envueltas con niños

Artistas libres

Praxíteles(400 a. C. -¿? ) Escultor que pertenece al clasicismo tardío del siglo IV a. C. Se caracteriza por lo sutil y refinado de sus formas. Concibe sus obras con gran sensualidad y delicadeza que se pone de manifiesto en los cuerpos de doncellas y efebos que tienen una forma sinuosa, la curva praxiteliana. Las figuras arquean suavemente su cuerpo buscando un punto de apoyo ajeno, lo que les obliga a doblar una pierna para apoyarse en la otra y arquear la cadera. Las figuras tienen expresión en los rostros.

Sus obras más importantes son: Apolo Sauróctono En esta obra se puede observar la famosa curva praxiteliana. El personaje se apoya en el tronco y el cuerpo se arquea levemente, dando sensación de desequilibrio estable. Es una escultura de mármol.

Venus de Cnido Es una escultura muy similar a la anterior ya que comparte sus características. Hay que destacar que en esta figura se representa por primera vez a una diosa desnuda.

Hermes con Dionisos La escultura representa la curva praxiteliana como en todas sus obras. El rostro del personaje principal es de gran belleza. En él destacan el trabajo del cabello, los ojos que aparecen entornados, lo que le da una actitud ausente, y los labios, que son carnosos para aportarle sensualidad.

Brunelleschi(1377 -1446) Se le considera, junto a Donatello y a Masaccio, como uno de los artistas que marcaron la ruptura con el Gótico en introdujeron el nuevo estilo renacentista. Introdujo en sus obras leyes de la proporción y la perspectiva que tomó de los clásicos. Por ello predominan en sus obras líneas rectas y los volúmenes cúbicos. Además de arquitecto, Brunelleschi se puede considerar escultor y pintor.

Sus obras más importantes son: Cúpula de la catedral de Santa María de las Flores Sobre el tambor octogonal que ya existía, Brunelleschi levantó hiladas de piedra y ladrillo horizontales imitando el modelo romano del opus spicatum. En el interior creó otra bóveda, esta vez semiesférica, uniendo ambas por un sistema de ganchos. El espacio hueco quedaba entre las dos permitió contrarrestar el empuje, aumentar la altura y aligerar el peso de la bóveda.

Iglesia de San Lorenzo El autor retoma el viejo esquema basilical paleocristiano de planta de cruz latina. La iglesia tiene tres naves separadas por arcadas de columnas corintias con cúpula sobre el crucero. Las naves laterales están cubiertas con bóvedas semiesféricas, mientras que la nave central presenta un techo plano de madera. Se pueden observar elementos medievales como la iluminación por medio de óculos.

Cúpula de la capilla Pazzi. Fue un encargo de la familia Pazzi. En ella cambia la planta de cruz latina por la planta centralizada de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta con una cúpula sobre pechinas.

Alberti(1404 -1472) Pertenece a la arquitectura del Quattrocento. Fue el prototipo del perfecto humanista, ya que poseía conocimientos de teatro, música, derecho, pintura y arquitectura. Era un gran experto en los temas de la Antigüedad, por lo que escribió varios tratados de arte. Usa elementos constructivos clásicos para sus obras.

Sus obras más importantes son: Iglesia de San Andrés La iglesia tiene planta de cruz latina con una sola nave, cúpula en el crucero y capillas laterales que se abren a la nave. Posee una fachada de gran plasticidad. Consta de un gran arco de medio punto dispuesto sobre pilastras de orden corintio.

Templo de Malatesta Es un panteón que conmemora la vida de Segismundo Malatesta, un personaje importante de la época.

Borromini(1599 -1667) Su obra fue considerada en vida como extravagante y fantástica. Rompió con las tendencias escultóricas de la época al descartar la concepción antropomórfica de la arquitectura. En una primera época fue colaborador de Bernini, aunque con el tiempo llegaron a un gran enfrentamiento. También se dedicó a labores escultóricas durante parte de su vida.

Sus obras más importantes son: Oratorio de San Felipe Neri No es una obra suya pero intervino de forma decisiva en la reconstrucción del edificio.

San Carlo alle Quattro Fontane Se trata de una obra de arte atípica ya que la planta del edificio es romboidal. La fachada se amolda con el interior del templo. En ella se combina el orden gigante con el menor.

San Ivo alla Sapienza La obra se realiza en el interior de un patio cerrado. Tiene una planta basada en la geometría, que combina dos triángulos equiláteros para formar un hexágono estrellado. La perspectiva está presente en la decoración interior de la cúpula.

Frank Lloyd Wright(1867 -1959) Es uno de los maestros de la arquitectura moderna, de radical originalidad. Promovió la armonía de la arquitectura con la naturaleza, con el entorno y con el ser humano. Fue el principal exponente del Organicismo. Opuesto al Racionalismo, sus viviendas son de líneas sencillas y novedosas por su funcionalidad, técnica y formas. Introdujo muchas novedades, como ocultar las instalaciones en los elementos constructivos.

Sus obras más importantes son: La casa Kaufmann En esta casa se consigue una de las características básicas del Organicismo: la integración de la naturaleza con el ser humano. En la construcción se emplearon materiales que no rompían con el entorno exterior.

Museo Guggenheim Su forma circular rompe la configuración de las manzanas de los alrededores. El uso con profusión de formas curvas, a fin de dar un intenso carácter orgánico de los edificios. El interior se organiza en torno a una rampa que asciende en espiral, de forma que el espectador ve las obras expuestas mientras camina.

Fotógrafos

Ansel Adams(1092 -1984) Tomó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país, Estados Unidos. En sus primeras fotografías captó en blanco y negro la grandeza de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías muestran, con un enorme contraste de luces y sombras, montañas peladas, desiertos áridos, nubes gigantescas y enormes árboles. Inventó el sistema de zonas, que proporciona al fotógrafo un método sistemático para definir con precisión la relación entre la manera en la que ve el sujeto fotográfico y el resultado que alcanzará el trabajo.

Sus obras más importantes son: Nevada fall Se puede observar su inclinación a representar paisajes.

Winter Sunrise the Sierra Nevada El contraste entre el blanco y en negro hace que sus representaciones sean realmente bellas.

Dunes Oceano California La representación de paisajes está presente durante toda su carrera artística como demuestra esta obra, una de sus últimas fotografías.

Cartier-Bresson(1908 -2004) Fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Elevó la práctica del snap shotting a la categoría de arte disciplinar. Sus escritos acerca de la teoría y práctica de la fotografía han ejercido una gran influencia en los fotógrafos contemporáneos. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.

Sus obras más importantes son: Detrás de Gare Saint-Lazare Calle Mouffetard

Sur de Bowery

Harold Edgerton(1903 -1990) Inventó la fotografía estroboscópica. Antes de fotógrafo se dedicaba a la ingeniería, materia que utilizó para mejorar su técnica fotográfica. En sus fotografías lograba parar el tiempo, captar la imagen que se producía en un pequeño instante. Fue unos de los fotógrafos más espectaculares del mundo contemporáneo

Sus obras más importantes son: Palo de golf Disparando a una manzana

Gota de leche En todas sus imágenes se puede observar como capta el momento justo de la acción, como si el tiempo estuviera detenido.

Mat Blamires Nació en Nueva Zelanda. Fotógrafo publicitario contemporáneo. Está considerado como uno de los mejores en su trabajo. Ha sido contratado por multitud de grandes marcas comerciales gracias a su gran trabajo publicitario. Sus fotografías también han sido utilizadas en campañas de su país para seguridad vial.

Sus obras más importantes son: Campaña seguridad vial Participa en la campaña de seguridad de su país.

Fotografías Animal Planet En esta campaña publicitaria utiliza la imagen de animales haciendo actividades humanas. Es una de sus campañas más conocidas.

Imágenes para grandes marcas Gracias a su espectacular trabajo publicitario fue contratado por grandes marcas para sus campañas publicitarias.

Nan Goldin(1953 -¿? ) Es una de las fotógrafas más populares de los años 90. Utiliza las fotografías para producir obras en las que borra los límites entre lo público y lo privado, lo femenino y lo masculino, poniendo en evidencia las relaciones emocionales ligadas a la sexualidad. En sus trabajos muestra la intensidad de la vida amorosa, de la sociedad y de la angustia. Nan Goldin trabaja frecuentemente con series; a muchos de sus protagonistas los ha fotografiado durante más de veinte años.

Sus obras más importantes son: Susanne on the train Toda la fotografía de esta autora gira en torno al ser humano y a sus sentimientos.

Guido flotando Aparecen es su trabajos numerosos personajes solitarios realizando tareas cotidianas.

Roommate with teacup En su obra aparecen numerosos retratos fotográficos, sobre todo femeninos, así como personajes solitarios y pensativos.